IL PRIMATE AMLETICO

AMURI AMURI - PALERMO, SAN VITO, AGRIGENTO, RAGUSA, PORTO PALO, BUTERA

2008-08-14T10:52:00.003-04:00

Amuri, amuri chi m'hai fattu fari
M'hai fattu fari 'na 'ranni pazzia
lu Patri Nostru m'hai fattu scurdari,
e la megghia parti di l'Avi Maria

Amuri, amuri...

Da quannu t'haiu vistu t'haiu amatu tantu
cridia ca mi facisti la magia
Criscisti cumi l'erba di lu campu
Criscisti bedda per amari a mia.

Amuri amuri...

E vegnu appressu a 'ttia comu a negghia,
comu lu cacciaturi cu la quagghia
Varda 'stu cori comu s'assuttigghia,
comu ferru filatu a la tinagghia.

Amuri, amuri...

SECOND HAND CANTEEN - FESTA A TEMA VINTAGE CON ASTA E VENIDTA DI OGGETTI E BARISTI

2008-07-28T16:11:00.002-04:00

ECCO, QUALCUNO (GRAZIE NAICO) MI HA SUGGERITO L'EVENTO TEMATICO...CIOE' TIPO ASTA BUFFA AL RATA MA CON RICAMBIO DEGLI OGGETTI, E TUTTI CHE NE PORTANO UN PO' PIU' UNA SPECIE DI FONDO CASSA DI OGGETTI DI EMERGENZA NEL CASO LE PERSONE PORTASSERO SOLO COLTELLI E NON CUCCHIAI O SITUZIONI SIMILI.
L'IPOTESI DI SERATA A TEMA VINTAGE E' AL VAGLIO PERCHE' DIFFICILE DA ORGANIZZARE E MENO ENTUSIASMANTE DELL'AVERE IL MIO-NOSTRO LOCALINO VINTAGE... PERO' PER INIZIARE E RODARE L'ORGANIZZAZIONE SI POSSONO PENSARE SOLUZIONI INTERMEDIE. COLLABORAZIONI CON IL RATA, MATERIA OFF, I TEATRI CITTADINI..ANZI FORSE LO PROPONGO ALLE BRICIOLE..BHE CMQ A QUALCUNO LO PROPONGO..
ALLA PROSSIMA AMICI!

SECOND HAND CANTEEN - di quando si sognava un bar dove tutto era in vendita, inclusi i baristi

2008-07-28T07:10:00.009-04:00

Pensatelo così: un negozio di usato, con cose vintage originali e di dubbio o buon gusto (dipende dai punti di vista), in cui poter bere un te', un caffè, mangiare una torta (non certo fatta da me o da barilla, qualcosa di sensato ecco), bere un vinello. Un luogo dove acquistare abiti, oggetti per la casa, ciaffi e carabattole da regalare o collezionare, ma dove anche stare insieme e dove ascoltare musica di qualità (si, Gio tu sei gia' calendarizzata tutti i martedì), ascoltare readings (si Nico, tu sei già calendarizzato tutti i mercoledì con " I dolori del giovane Bertora", un testo intenso dedicato alle disavventure di un giovane kennedy a parma negli anni '80).

Oppure pensatela così: un bar, caffetteria, vineria, localino, arredato con solo cose usate, allestito con mostre, libri da leggere, animato da performance (si Bucce, sei già calendarizzata tutti i giovedì con il tuo numero delle braccia a nodo savoia), poesie (si Piter, sei già calendarizzato tutti i venerdì con "lavorare stanca" poesie di Nicola Savani copiate da Pavese e dal suo sconosciuto soggiorno a Felino).

UN BAR DOVE TUTTO E' IN VENDITA E TUTTO E' RICICLATO, ANCHE I BARISTI.

I baristi sono volontari dell'Associazione e non sono pagati, pero' possono tenersi le mance, che sono imperative! i prezzi saranno molto bassi, in modo che rimanga margine per le mance.
I fondi sono messi dai soci che poi li riottengono indietro in base a quanto lavorano per l'Associazione.
Io mi occupo di promozione, marketing, comunicazione, relazioni esterne. Qualcuno di cibo, bevande ecc. Qualcuno di amministrazione. Io posso pensare anche alla programmazione e a fare il trova robe ma questa e' attività condivisa coi soci, ognuno compra, propone band o gruppi o persone e propone e trova oggetti.
Lo spazio necessario non deve essere tanto, un ratafia' sarebbe sensato...
Io immagino un'associaizone culturale, con voi amici o con chi ci crede, ognuno porta i soldi che ha, li contiamo e poi cerchiamo di ripagarceli. Nessuno è obbligato a stare tutte le sere ma tutti sono obbligati ad almeno un turno a settimana serale.
Io lo immagino divertente, allegro, foriero di gemellaggi, accorpamentei, sostegni, eventi, pieno di possibilità, a Parma o altrove.
Lo immagino autogestito ma serio. Lo immagino un luogo di ritrovo, di divertimento, di riflessione, di acquisto, di kitch, di arte.
Io lo immagino con un'insegna vecchia, o simil vecchia, SECOND HAND CANTEEN.
Lo immagino aperto dalle 16 alle 23. con eventi sempre ma durante il weekend apertura ore 15.00 e chiusura alle 22.00 perchè anche noi abbiamo diritto a ballare e questi luoghi sono da aperitivo, acquisto e lettura, ascolto, tranquillo, per cui a una certa tutti a ballare altrove.
Lo immagino con prezzi popolari, una tessera, simile al materia off ma molto molto incentrato sul riciclo, sulla filosofia junkie, potere alla spazzatura di qualità. sia negli oggetti che nell'arte. Per cui massima cura negli artisti che vengono, negli oggetti che piazzano in negozio, nel cibo e nelle bevande.
Lo immagino possibilmente legato all'AMBARADAN, l'associaizone che svuota gratis le case e che rivende le cose che sgombera e che ha un magazzino a Baganzola e una vetrina in Borgo giacomo per cui facevo servizio anni fa.
Lo immagino legato alla rete di mercatini di parma che possono darci dei pezzi da esporre e poi diamo a loro il ricavato delle vendite in cambio di una piccola percentuale di esposizione.
Immagino una bacheca per cani usati, case usate, cose usate che si vendono ma nn si espongono.
Immagino proiezioni a tema, serate per junkies.
Immagino aste buffe!! come al rata!!! che erano delle figate!!e le immagino con i protagonisti soliti e meravigliosi.

CHI CI CREDE UN POCHINO METTA UN DITO QUI SOTTO, RAGIONATECI, LASCIATE FERMENTARE E MANDATEMI DEI FEEDBACK..
PARLIAMONE AMICI. FACCIOMOLO AMICI.

THE SECOND HAND CANTEEN PUO'ESSERE REALTA'...
UN NUOVO PROGETTO DI RICICLO, VINO E AMICIZIA

MIKA SINGS IT BETTER

2008-07-28T07:03:00.001-04:00

Walks into the room
Feels like a big balloon I said,
Hey girls you are beautiful'

Diet coke and a pizza please
Diet coke I'm on my knees screamin,
Big girls you are beautiful'

You take your skinny girl
Feel like I'm gonna die
'Cause a real woman
Needs a real man here's why

You take your girl
And multiply her by four
Now a whole lot of woman
Needs a whole lot more

Get yourself to the Butterfly Lounge
Find yourself a big lady
Big boy come on around
And they'll be calling you baby

No need to fantasize
Since I was in my braces
A watering hole
Where the girls are round
And curves in all the right places

Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful

Walks in to the room
Feels like a big balloon
I said, 'Hey girls you are beautiful'

Diet coke and a pizza please
Diet coke I'm on my knees screamin,
Big girls you are beautiful'

You take your girl
[ Find more Lyrics at www.mp3lyrics.org/ak ]
And multiply her by four
Now a whole lot of woman
Needs a whole lot more

Get yourself to the Butterfly Lounge
Find yourself a big lady
Big boy come on around
And they'll be calling you baby

No need to fantasize
Since I was in my braces
A watering hole
Where the girls are round
And curves in all the right places

Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful

Get yourself to the Butterfly Lounge
Find yourself a big lady
Big boy come on around
And they'll be calling you baby

No need to fantasize
Since I was in my braces
A watering hole
Where the girls are round
And curves in all the right places

Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Oh you are beautiful

Get yourself to the Butterfly Lounge
Find yourself a big lady
Big boy come on around
And they'll be calling you baby

No need to fantasize
Since I was in my braces
A watering the hole
Where the girls are round
And curves in all the right places

Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful
Big girls you are beautiful

THE LAST AMERICAN DREAM

2008-07-28T04:31:00.002-04:00

Non ha avuto lieto fine la storia d'amore fiabesca di un web designer newyorchese, Patrick Moberg, e una ragazza australiana, Camille Hayton, a New York per lavoro, che lui aveva avvistato sulla metropolitana ed era riuscito a ritrovare grazie a internet.

(Pubblicità)
Oggi Moberg ha dichiarato al giornale Sunday Telegraph che i due sono usciti insieme per un paio di mesi, ma che si sono lasciati perché proprio non funzionava.

Moberg, ai tempi 21enne, aveva visto Hayton sulla metropolitana di New York e se ne era innamorato a prima vista, a tal punto da aprire un sito, www.nygirlofmydreams.com, dove aveva lanciato un appello a chiunque conoscesse la ragazza della sua descrizione di contattarlo.

Nel giro di 48 ore era riuscito davvero a risalire a Camille, e in una città di 8 milioni di abitanti può sembrare un segno del destino.

I due erano stati al centro dell'attenzione dei media internazionali per un periodo, e poi il silenzio. Oggi la rivelazione: come spesso accade, hanno scoperto di non essere fatti l'uno per l'altra, nonostante l'inizio romanzesco della loro relazione.

AGGIUNGO IO CHE SE FOSSE CAPITATO A ME COL CAVOLO CHE DOPO DUE MESI LO MOLLAVO...PRIMA LA VISA E POI TUTTO IL RESTO!
I LOVE NY

SE LO DICE FLAVIA VENTO IO CI CREDO..isola dei famosi 2008

2008-07-24T09:42:00.002-04:00

dalla nuova protagonista dell'isola dei famosi 2008-

Benvenuto
In questo periodo storico stiamo attraversando un momento molto difficile, certi valori non si riscontrano più. Si è perso il valore dell'amicizia e dell'onestà: tutto sembra ruotare solo intorno al potere, economico e non. Come possiamo vedere ci sono molte guerre in corso in ogni parte del pianeta. Molte famiglie non riescono ad arrivare a fine mese, anziani abbandonati a loro stessi, bambini senza una famiglia alle spalle...da qui la mia voglia di "scendere in campo" e fare qualcosa per il mio Paese, dove sono cresciuta e dove vorrei vivere serenamente.

Parola di Flavia Vento
(DAL SUO SITO WEB UFFICIALE)

P.S. nella bio dice che studia scienze politiche per scendere in campo...
e non aggiungo altro.

E IO LANCIO LA CAMPAGNA --- VUOTI A RENDERE---riprendetevi i cervelli vuoti che ci avete tirato e mollateli sull'isola dei famosi...

IL PROGRAMMA UFFICIALE DEL XXXI INTEATROFESTIVAL - 2008

2008-06-11T09:23:00.002-04:00

Teatro della Luna – Polverigi
28 e 29 giugno - ore 21.00 (80’)
NICO & THE NAVIGATORS (Berlino)
OBWOHL ICH DICH KENNE / SEBBENE TI CONOSCA
Intelligenti nemici e metà migliori
prima italiana - coproduzione Sistema Teatro Marche / Inteatro

regia Nicola Hümpel
scenografia Oliver Proske
musica Sabine Akiko Ahrendt, Thomas Bloch-Bonhoff
con Martin Clausen, Adrian Gillott, Oliver Zgorelec, Yui Kawaguchi

Meglio avere un nemico intelligente o un amico stupido? In un dialogo scandito da un violino e una tastiera e con uno sguardo ironico sulle piccole catastrofi quotidiane, Nicola Hümpel e i suoi Navigators portano in scena il complicato mondo delle relazioni amicali, fra obblighi, complotti e seduzioni.

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Teatro Comunale – Chiaravalle
28 giugno – ore 21.00 (120’)
BOCK & VINCENZI (Londra)
THE INFINITE PLEASURES OF THE GREAT UNKNOW
Dr Mabuse versus King Lear
prima italiana - con il sostegno del British Council

di Franck Bock e Simon Vincenzi
suono Luke Stoneham

Schierati l’uno contro l’altro, il feroce protagonista della trilogia filmica di Fritz Lang ed il sovrano shakespeariano si scontrano in una guerra di comunicazione, celebrando la morte della realtà in scena. La fitta trama sonora e coreografica si fonde così con una paradossale dimensione linguistica, fatta di parole perpetuamente ri-tradotte con l’utilizzo del sistema on-line Babel Fish.

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Villa Nappi e diversi luoghi – Polverigi
28 e 29 giugno – dalle ore 20.00
IFA InteatroFestival Academy ‘08
LAVORI PUBBLICI
nell’ambito di Scenari Danza 2.0 e di Identità e visioni / Co-habitat - ingresso libero

di e con Filippo Andreatta, Francesca Bucciero, Chiara Caimmi, Francesco Cerruti, Francesca Cola, Giulia Fani, Shimrit Golan, Catarina Goncalves, Valeria Mastropasqua, Francesca Parri, Eden Pereti, Alberto Spagone, Till Niklaus Wyler von Ballmoos
e con la complicità di Nicola Hümpel, Miyoko Urayama, Maria Donata D’Urso, Michele Abbondanza, Caden Manson, Jemma Nelson, Benjamin Verdonck, Rosa Casado

Dopo i 2 mesi di residenza a Villa Nappi dove hanno partecipato ai workshop dei maestri internazionali, i “giovani creatori di senso” di Scenari Danza 2.0 selezionati per partecipare ad IFA - InteatroFestival Academy 2008, fanno dello spazio pubblico una scena diffusa, intercettando, coinvolgendo sorprendendo gli spettatori con le proprie personali azioni performative.

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Sala Sommier, Villa Nappi – Polverigi
28 giugno – ore 22.30 / 28 giugno – ore 21.00 (90’)
GUSTAVO FRIGERIO / ECOLE DU THÉÂTRE DES TEINTURERIES (Losanna)
UN ENNEMI DU PEUPLE - UN NEMICO DEL POPOLO
prima italiana

da Henrik Ibsen
regia Gustavo Frigerio
con Cyril Ansermet, Sarah Anthony, Robin Bezençon, Vanessa Coléno, Damien Gauthier, Sébastien Gautier, Militza Gorbatchevsky, Virginie Kaiser, Olivier Magnenat, Floriane Mésenge, Laure Nathan - allievi del II anno 2006-2009

Gli allievi-interpreti della scuola svizzera affrontano uno dei testi più politici di Henrik Ibsen, confrontandosi con le questioni fondamentali che riguardano le loro vite alla soglia dell'età adulta. La scuola propone un ciclo triennale di formazione professionale per attori in cui le tecniche di recitazione si combinano con l’esplorazione dell'interpretazione, le ricerche e gli studi letterari, critici, politici.

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Villa Nappi - Polverigi
28 giugno - ore 15.30/19.00
29 giugno - ore 10.00/13.00
TAVOLA ROTONDA - ALTA FORMAZIONE E RICERCA
Incontro dedicato ai progetti di formazione artistica residenziale nell’ambito delle arti performative
nell’ambito di Perform_A/INTERREG Transfrontaliero Adriatico

Un momento d’incontro aperto alle realtà che in Italia e in Europa (con particolare attenzione ai Paesi Balcanici) sostengono e promuovono progetti di perfezionamento artistico a carattere residenziale per professionisti delle arti sceniche. Un confronto ed uno scambio di saperi, nella prospettiva di un ampliamento europeo del progetto IFA - InteatroFestival Academy e di Perform_A, rete adriatica delle performing arts.

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Parco, Villa Nappi – Polverigi
dal 28 giugno al 5 luglio
ADRIANA ZAMBONI (Torino)
E-S-quilibri – laboratorio di acrobatica ambientale
produzione Inteatro - nell’ambito di CEA – Centro di Educazione Ambientale

Il clima è in ‘e-s-quilibrio’, il mondo è in ‘e-s-quilibrio’… e noi? Come facciamo a mantenerci in equilibrio? Meglio provare ad attrezzarci. Imparare a tenere l’equilibrio ci insegnerà a esaminare le troppe cause degli scompensi ambientali affrontandole una alla volta.

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Teatro Comunale – Chiaravalle
2 luglio – ore 22.30 / 3 luglio – ore 21.30 (35’)
SANTASANGRE (Roma)
CONCERTO PER VOCE E MUSICHE SINTETICHE (SECONDO STUDIO)
coproduzione Sistema Teatro Marche / Inteatro
nell’ambito di Identità e visioni / Co-habitat

ideazione Diana Arbib, Luca Brinchi, Maria Carmela Milano, Dario Salvagnini, Pasquale Tricoci, Roberta Zanardo
elaborazione video e partitura sonora Diana Arbib, Luca Brinchi, Pasquale Tricoci, Dario Salvagnini
corpo e voce Roberta Zanardo
costume di scena Maria Carmela Milano
vincitore di NUOVE CREATIVITA’ / con il sostegno di ETI Ente Teatrale Italiano

Un esperimento coreo-sonoro in cui lo spazio dell’azione è concepito come una grande lanterna magica: fonti luminose, ologrammi, suoni campionati direttamente in scena ed elementi naturali compongono un sentiero che conduce verso l’acqua e la sua assenza. Una riflessione sulla straordinaria bellezza e forza di questo elemento attraverso la musica, l’immagine, il canto e il corpo, in una sintesi di effetti, tra artificialità e natura.

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Sala Sommier, Villa Nappi - Polverigi
2 luglio – ore 22.30 / 3 luglio – ore 21.00 (50’)
MANAH DEPAUW / BERNARD VAN EEGHEM (Bruxelles)
HOW DO YOU LIKE MY LANDSCAPE
anteprima in collaborazione con Dro de sera FIES 2008 – prenotazione obbligatoria

di e con Manah Depauw & Bernard Van Eeghem

In un paesaggio bucolico, in cui l’apparente tranquillità camuffa le bestie, le ombre, le catastrofi imminenti, gli artisti ridefiniscono il ruolo del corpo umano nella realtà contemporanea, raccontandone l’evoluzione, lo sviluppo e la trasformazione in quattro episodi (Genesi, Nascita dell’uomo, La Bestia e Apocalisse).

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Scuola Media (atrio) – Polverigi
dal 2 al 5 luglio – ore 21.00/ 22.30/ 24.00 (30’)
ORTHOGRAPHE (Ravenna)
TENTATIVI DI VOLO
produzione Inteatro – spettacolo per 20 spettatori - prenotazione obbligatoria
nell’ambito di Identità e visioni / Co-habitat

regia, camera ottica e suoni Alessandro Panzavolta
con Roberta Galassini, Sara Masotti, Valentina Parmigiani, Angela Longo
datore luci Francesco Antonelli

All'interno di una camera oscura, i venti spettatori vivono l’esperienza del volo notturno e come in sogno il corpo assume la leggerezza dell'aria, continuamente minacciato dalla caduta. Partendo dalle opere più noir di Goya, lo spettacolo ricrea una distorta e paradossale gravità, servendosi di stimolazioni visive ed uditive, ribaltando le percezioni e facendo della vista un atto di creazione.

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Roccolo – Polverigi
dal 2 al 5 luglio – dalle 21.00
BENJAMIN VERDONCK (Anversa)
LA NEVE / Ice cream for everyone
kalender project - ice cellar project
evento unico - produzione Sistema Teatro Marche / Inteatro - ingresso libero

ideazione Benjamin Verdonck, Valentine Kempinck
collaborazione artistica Geert Opsomer, Séba Hendrickx

Ci sono memorie indelebili nella vita di una comunità ed altre che si sciolgono come neve d’estate. Invitato da Inteatro a creare un evento unico all’interno del Festival, l’eclettico artista belga propone al pubblico la riscoperta di un’usanza del passato, di quando erano le stagioni a scandire le azioni quotidiane ed i mestieri di una comunità, prima dell’avvento della refrigerazione elettrica.

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Vie e Roccolo – Polverigi
dal 2 al 5 luglio – dalle 21.00
ROSA CASADO (Madrid)
WELL-BEING & WELFARE
prima italiana - ingresso libero

di e con Rosa Casado

Quest’azione scenica sul progresso, le sue regole, i suoi effetti, l’accumulo che il suo incedere produce, è un gioco collettivo che coinvolge il pubblico in prima persona. Attraverso l’uso di piccoli oggetti quotidiani e alcune regole dettate dall’artista, gli spettatori trasformano la performance e con essa la realtà, tutti coinvolti nel “gioco dello stare bene”.

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Teatro del Parco, Villa Nappi – Polverigi
4 luglio – ore 23.00 (60’)
MERCAN DEDE (Istanbul)
SECRET TRIBE
Concerto

danza Mira Burke

Dall’unione dei suoni digitali ed elettronici con quelli della tradizione musicale turca, nasce un armonico linguaggio universale, capace di coinvolgere giovani e adulti, antico e moderno, est e ovest. Il musicista turco-canadese sale sul palco con il suo gruppo, i suoi strumenti elettronici, i piatti ed il tradizionale flauto di legno, accompagnato dall’ensamble di danza dervish ‘Mira Burke’.

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Teatro della Luna – Poverigi
2 luglio – ore 21.00 / 3 luglio – ore 22.30 (55’)
CLÁUDIA DIAS / RE.AL (Lisbona)
DAS COISAS NASCEM COISAS
prima italiana

regia e coreografia Cláudia Dias
con Lança e Rui Silveira
progettazione dello spazio Walter Lauterer

Dalla relazione coreografica tra le azioni e la narrazione, la descrizione, la coreografa e danzatrice portoghese sperimenta i limiti della traduzione del movimento, creando una sorta di test sulle possibili variazioni e differenze esistenti tra la definizione, il commento e l’opinione; esplorando le possibili connessioni che si stabiliscono fra il tempo dell’azione e quello dell’immagine.

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Teatro della Luna – Poverigi
4 e 5 luglio - ore 21.30 (50’)
MUTA IMAGO (Roma)
LEV_ULTIMA TAPPA
coproduzione Inteatro / Scenari Danza 2.0
nell’ambito di Identità e visioni / Co-habitat

ideazione Glen Blackhall, Riccardo Fazi, Claudia Sorace, Massimo Troncanetti
regia Claudia Sorace
drammaturgia/suono Riccardo Fazi
realizzazione scena Massimo Troncanetti
con Glen Blackhall

Spettacolo segnalato al Premio tuttoteatro.com - Dante Cappelletti 2007

Dalle memorie di un caso clinico di neuropsichiatra russo, il raffinato gruppo romano ha tratto un lavoro scenico coprodotto da Inteatro, nel più ampio contesto di Scenari Danza 2.0, il bando che sostiene i giovani talenti della scena contemporanea. Un performer, solo, in uno spazio vuoto ed esploso come la sua identità, lotta con il suo passato, coi ricordi, con l’oblio, con i pezzi della sua memoria in frantumi.

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Parco, Villa Nappi – Polverigi
4 e 5 luglio – ore 20.00/23.00 (10’)
RES PUBLICA_WOLF KA (Parigi)
MOVING BY NUMBERS
spettacolo per uno spettatore – prenotazione obbligatoria

ideazione, coreografia, architettura Wolf Ka, Res Publica
dispositivo audio-tattile Lynn Pook, Julien Clauss
programmazione visiva Wolf Ka, Douglas Edric Stanley
danza Maria Donata D'Urso
costume interattivo Wolf Ka, Maurin Donneaud

E’ un’esperienza unica quella che si realizza tra lo spettatore ed il danzatore in questo lavoro per uno spettatore alla volta dell’artista franco tedesco. Una dimensione intima ed intensa, creata grazie ad un particolare dispositivo tecnologico la cui interfaccia visuale ed audiotattile stimola il corpo dello spettatore attraverso le azioni sceniche del danzatore. I due lati della relazione scenica divengono così partner artistici, abolendo la frontiera che separa lo spazio virtuale da quello reale.

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Teatro Comunale - Chiaravalle
4 e 5 luglio – ore 21.30 (20’)
DANIELE ALBANESE_STALK (Parma)
TIQQUN, NEMMENO L’ALLODOLA VEDE L’APERTO
nell’ambito di Scenari Danza 2.0

movimento, partitura fisica, drammaturgia Daniele Albanese
musica originale e drammaturgia Maurizio Soliani
regia audio, elaborazione suono/devices Antonio Verderi

Da una citazione di Heidegger, dalla sua riflessione sul rapporto essere umano-animale, e dal concetto ebraico di Tiqqun, traducibile come Riparazione, il danzatore e coreografo parmigiano esplora la contrapposizione tra organicità e forma, spingendosi verso il Limite dello spazio e della struttura compositiva. Movimenti e suoni continuamente decostruiti e ricomposti, lo scambio continuo tra gesto e movimento, a cercare “l’ostacolo” che segna “la via”.

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Teatro del Parco, Villa Nappi – Polverigi
5 luglio – ore 23.00 (80’)
ESZTER SALAMON (Berlino/Budapest)
MAGYAR TÁNCOK
prima italiana

ideazione Eszter Salamon
ideazione musicale Ferenc Salamon
con Robert Csögör, Zoltàn Gémesi, Endre Liber, Robert Liber, Ferenc Salamon, Erszébet Salamon, Eszter Salamon
musica voce di Bela Bartók Words to Cantata profana, Olyat vágok háromfele (song for cane dance) and Richie Hawtin

La coreografa e danzatrice ungherese, accompagnata sul palco dalla sua famiglia, porta in scena le proprie origini artistiche, rileggendo le tradizioni musicali e coreografiche ereditate alla luce delle tecniche contemporanee. Un progetto biennale incentrato sull’identità, le radici; un incontro danzato tra sé stessa, la propria appartenenza ed il pubblico.

XXXI INTEATROFESTIVAL - POLVERIGI+CHIARAVALLE (28.06/05.07)

2008-06-11T09:14:00.004-04:00

Al XXXI InteatroFestival (Polverigi e Chiaravalle, 28 giugno – 5 luglio 2008), prime nazionali, debutti e coproduzioni con BENJAMIN VERDONCK (Anversa), BOCK & VINCENZI (Londra), CLÁUDIA DIAS (Lisbona), ESZTER SALAMON (Berlino-Budapest), GUSTAVO FRIGERIO / ECOLE DU THÉÂTRE DES TEINTURERIES (Losanna), IFA InteatroFestival Academy 08, MANAH DEPAUW / BERNARD VAN EEGHEM (Bruxelles), MERCAN DEDE (Istanbul), MUTA IMAGO (Roma), NICO & THE NAVIGATORS (Berlino), ORTHOGRAPHE (Ravenna), ROSA CASADO (Madrid), SANTASANGRE (Roma), RES PUBLICA_WOLF KA (Parigi), DANIELE ALBANESE_STALK (Parma), ADRIANA ZAMBONI (Torino).

POLVERIGI (AN), 6 giugno 2008. Si terrà dal 28 giugno al 5 luglio 2008, a Polverigi e Chiaravalle (AN), la XXXI edizione di InteatroFestival vetrina di giovani talenti ed affermati performer che percorrono la strada della ricerca e dell’innovazione artistica.
Aprirà il Festival la nuova produzione di Nico and the Navigators, tra le più affermate compagnie della scena indipendente berlinese, che torna a Polverigi dopo il successo di Der Familienrat del 2004. Lo spettacolo dal titolo Obwohl ich dich kenne - Sebbene ti conosca. Intelligenti nemici e metà migliori sarà proposto in prima italiana (28 e 29 giugno, ore 21 - Teatro della Luna, Polverigi), in coproduzione con Sistema Teatro Marche / Inteatro. Un racconto divertente e poetico sull’amicizia, mix surreale e ludico di teatro fisico e visuale, danza, testo e design. Tra intrighi, relazioni obbligate e piccole catastrofi quotidiane, i berlinesi affondano il dito nelle ferite più profonde dei nostri tempi, in un dialogo scandito da un violino e una tastiera.
La compagnia londinese Bock & Vincenzi presenterà in prima italiana The infinite pleasures of the great unknow. Ovvero il Dr. Mabuse contro Re Lear (28 giugno ore 21 – Chiaravalle), spettacolo realizzato col sostegno del British Council. Una farsa teatrale che celebra la morte della realtà attraverso la libera reinvenzione di due celebri personaggi, in una dimensione linguistica surreale e provocatoria composta con il traduttore telematico Babel Fish.
In un’ottica di sostegno e lancio di giovani talenti, il Festival proporrà Lavori Pubblici, una non stop di teatro e danza animata dai giovani performer di IFA ’08 (28 e 29 giugno dalle ore 20 - Villa Nappi e diversi luoghi, Polverigi), con azioni sceniche site specific, momenti inattesi di spettacolo e performatività, reinvenzione di spazi pubblici. I 13 partecipanti ad IFA – InteatroFestival Academy ’08, il programma internazionale di alta formazione e ricerca di Inteatro realizzato nell’ambito del progetto Scenari Danza 2.0, sono Filippo Andreatta, Francesca Bucciero, Chiara Caimmi, Francesco Cerruti, Francesca Cola, Giulia Fani, Shimrit Golan, Catarina Goncalves, Valeria Mastropasqua, Francesca Parri, Eden Pereti, Alberto Spagone, Till Niklaus Wyler von Ballmoos. Parallelamente sarà proposto lo spettacolo Un nemico del popolo (28 giugno ore 22,30 e 29 giugno ore 21 - Sala Sommier di Villa Nappi, Polverigi), realizzato dagli allievi del II anno della Ecole du Théâtre des Teintureries di Losanna, che guidati dal regista e maestro GUSTAVO FRIGERIO affrontano uno dei testi più politici di Henrik Ibsen e si confrontano con le questioni fondamentali della vita alla soglia dell'età adulta. Un interessante momento di confronto tra centri di alta formazione per performer che troverà ulteriore sviluppo in un incontro dedicato ai progetti di formazione artistica residenziale nell’ambito delle arti performative, una Tavola rotonda dal titolo Alta formazione e ricerca (28 e 29 giugno, Villa Nappi – Polverigi), organizzata nell’ambito del progetto Perform_A/INTERREG Transfrontaliero Adriatico.

Due i percorsi tematici che il Festival percorrerà nella seconda parte di programmazione, esplorando le possibili declinazioni dell’impegno e dell’interesse artistico di Inteatro.
Un primo percorso è quello dedicato ai dispositivi della visione e ai processi di creazione dell’immagine. Nello spettacolo How do you like my landscape (2 luglio ore 22,30 e 3 luglio ore 21 – Sala Sommier di Villa Nappi, Polverigi), un’anteprima in collaborazione con Dro de sera FIES 2008, i belgi Manah Depauw & Bernard Van Eeghem attraverso una lieve ed intima manipolazione degli eventi scenici proporranno una nuova prospettiva sul corpo umano e sul rapporto con la società e l’ambiente. In Tentativi di volo (dal 2 al 5 luglio, ore 21/22,30/24 - Atrio Scuola Media, Polverigi), spettacolo prodotto da Inteatro, per 20 spettatori, il giovane gruppo Orthographe prosegue la ricerca intorno alla camera ottica per ricreare l’esperienza del volo notturno, la sensazione di un corpo sospeso. Giovani ed italiani anche i componenti della compagnia romana Santasangre, che proporrà lo spettacolo Concerto per voce e musiche sintetiche – secondo studio (2 luglio ore 22,30 e 3 luglio ore 21,30 – Teatro Comunale di Chiaravalle): un esperimento corale e fortemente sensoriale sul tema dell’acqua e della sua mancanza, coprodotto da Sistema Teatro Marche / Inteatro, in cui la scena sarà concepita come una grande lanterna magica. Sarà una scena scomposta e ricomposta anche quella dei Muta Imago, gruppo romano di recente formazione: con tre pannelli di plexiglass, uno spazio nudo pieno di farina, tre lampade, Lev_ultima tappa (coproduzione Inteatro / Scenari Danza 2.0) esplora la lotta di un uomo con il suo passato, con i frammenti della sua memoria (4 e 5 luglio ore 21,30 – Teatro della Luna, Polverigi). Infine, i francesi Res Publica_Wolf Ka proporranno Moving by numbers (4 e 5 luglio, ore 20 e 23 – Cortile Villa Nappi, Polverigi), installazione/performance coreografica per un solo spettatore alla volta ambientata in un dispositivo scenico interattivo in cui performer e pubblico sono allo stesso tempo soggetti ed oggetti dell’evento.

La sperimentazione del gesto e dell’azione teatrale nello spazio pubblico sarà la seconda fondamentale linea tematica del Festival. In questo orizzonte estetico e narrativo, il performer belga Benjamin Verdonck con La Neve / Ice cream for Everyone, una produzione di Sistema Teatro Marche / Inteatro (dal 2 al 5 luglio ore 21 e 24 - Roccolo, Polverigi), ha concepito un evento unico, un percorso nella memoria collettiva che si concretizzerà in un antico cubicolo anticamente utilizzato per la fabbricazione del ghiaccio di cui si è perso l’uso. La coreografa e attrice indipendente madrilena Rosa Casado con il suo Well-being & welfare, spettacolo in prima italiana (dal 2 al 5 luglio dalle ore 21 - vie e Roccolo di Polverigi), proporrà al pubblico un gioco da affrontare in prima persona, per riflettere sul progresso, le sue regole ed i suoi effetti. Gli spettatori saranno di nuovo chiamati all’azione sul palcoscenico dalla coreografa e danzatrice ungherese Eszter Salamon (5 luglio ore 23 – Parco di Villa Nappi, Polverigi), che accompagnata da 4 musicisti di musica tradizionale ungherese coinvolgerà il pubblico nel suo Magyar táncok in prima italiana.

Tra gli ospiti della seconda parte di InteatroFestival, Cláudia Dias, artista di rilievo della nuova scena portoghese, intelligente esponente della “non danza”, tornerà a Polverigi dopo lo straordinario assolo di Visita Guiada del 2006. Il suo nuovo spettacolo dal titolo Das coisas nascem coisas (2 luglio ore 21 e 3 luglio ore 22,30 - Teatro della Luna, Polverigi), in prima italiana osserva e spinge al limite le implicazioni esistenti tra azione e parola, interrogando le connessioni che si stabiliscono fra il tempo dell’azione e il tempo dell’immagine.
Il Festival ospiterà inoltre, nell’ambito del progetto Scenari Danza 2.0, uno degli ultimi lavori del danzatore Daniele Albanese e del suo gruppo di lavoro STALK: Tiqqun, nemmeno l’allodola vede l’aperto (4 e 5 luglio ore 21,30 - Teatro Comunale di Chiaravalle), una composizione e coreografia di azioni intorno allo studio dell’Essere Umano e del Limite.
Ad animare il Parco di Villa Nappi il 4 luglio alle ore 23 sarà il poliedrico musicista Arkin Allen in arte Mercan Dede - tra i maggiori ed influenti creatori di musica elettronica e tradizionale - che nel concerto dj-set Secret Tribe unirà generi musicali apparentemente distanti ed opposti secondo i principi della filosofia Sufi in un evento composito ed originale. Inoltre lo spazio della Villa sarà luogo di incontro e divertimento con E-S-quilibri, laboratorio di acrobatica ambientale (dal 28 giugno al 5 luglio – Parco, Villa nappi – Polverigi), curato da Adriana Zamboni e prodotto da Inteatro nell’ambito di CEA, il Centro di Educazione Ambientale creato per realizzare eventi performativi sui temi della sostenibilità.

InteatroFestival 2008 è un evento realizzato da Inteatro con il sostegno di Unione Europea, Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Regione Marche, POGAS Marche ‘Giovani ricercatori di senso’, Presidenza del Consiglio dei Ministri – POGAS Politiche Giovanili ed Attività Sportive, Perform_A-Interreg Adriatico, Provincia di Ancona-Cohabitat, Comune di Polverigi, Comune di Chiaravalle, British Council. Il Festival inoltre è sponsorizzato da SIGE – Accessori in filo metallico Wire products e si avvale della collaborazione tecnica di ASP – Azienda Servizi Polverigi, C&S – Computer & Service, GOMARCHE.IT – il primo quotidiano on line delle Marche, UNIPOL Assicurazioni.

BIGLIETTI: 5 e 10 euro; riduzione 8 euro (under 25 e over 65); carnet 5 spettacoli 40 euro. Ingresso libero: Lavori Pubblici – IFA ‘08, Well-being & welfare, La Neve. Prenotazione obbligatoria: Tentativi di volo, Moving by numbers, How do you like my landscape, Un nemico del popolo. INFO: INTEATRO, Villa Nappi - Via Marconi 75, 60020 Polverigi (AN)
tel. +39.071.9090007 fax. +39.071.906326 info@inteatro.it

UFFICIO STAMPA: Simona Marini tel. +39.328.9225986 - Maria Giulia Guiducci tel. +39.071.9090007
e-mail: ufficiostampa@inteatro.it - comunicazione@inteatro.it

PAZZI CAVALLI NOTTI E NOCI

2008-05-24T06:59:00.001-04:00

Il Teatro Necessario, il trio di teatro di strada/nouveau cirque con base a Colorno, porta da anni i suoi spettacoli dappertutto, esplorando in lungo ed in largo tante città italiane ed estere. Dai festival più blasonati alle piccole rassegne di artisti nei centri minori, il Teatro Necessario è stato un po’ ovunque, sviluppando un senso dello spazio in cui le distanze sono molto raccorciate, non contano. E questa volta, organizzando e raccogliendo alcuni fra i più divertenti ed interessanti gruppi di teatro di strada contemporaneo, ha coinvolto l’est e l’ovest della Provincia: il 7 giugno per tutta la giornata il pubblico potrà assistere a più di 10 performance, spostandosi tra Motechiarugolo e Noceto, abbattendo il quotidiano senso di confine, geografico e scenico. Il pomeriggio dunque, dalle 15.00, Pazzi & Cavalli – Piccola rassegna di artisti di razza, giunta alla sua III edizione, allieterà con acrobati, clown, musicisti ed i trotti, i galoppi, le corse la speciale cornice dell’Ippodromo del Castello di Montechiarugolo (PR). Un inconsueto abbinamento, un’opportunità per vedere da vicino animali ed artisti di razza esibirsi ciascuno nella sua pista. Come Adrian Kaye, eclettico mimo inglese che nel suo Nobody is Perfect si trasforma in qualunque cosa di buffo ed imperfetto ci si possa immaginare, senza mai dire una sola parola, servendosi solo di una piccola valigia e dei suoi inusuali oggetti. L’improvvisazione e il pubblico hanno un ruolo determinante, creando un gioco teatrale di grande comicità anche in Cafè de Olla degli spagnoli Aticus Tilt: dalla fusione di due compagnie è nato uno spettacolo che come la bevanda da cui prende il titolo (un caffè messicano molto particolare) è fatto di tanti diversi ingredienti, dosando, equilibrando sapori e odori in un gusto unico e forte. Ispanici ma sudamericani gli acrobatici Los Chatos, duo cileno vincitore di numerosi premi con Versus, spettacolo tra danza, acrobazia e giocoleria. Romagnoli doc invece i Makkaroni Band, quattro musicisti che mixano stili musicali e generi artistici, fondendo il teatro con la musica araba, balcanica, folk, con lo swing, il klezmer, il blues e molto altro. Un’alchimia musicale di grande energia e dal look molto particolare. Scesa la sera, il carrozzone del circo contemporaneo si sposterà a Noceto per la II edizione di Le Mille e una Nòce, Festival internazionale di teatro di strada, dalle 21.00 in tutti gli angoli del centro storico. Di nuovo, per chi li avesse persi il pomeriggio, Adrian Kaye, Los Chatos e gli Aticus Tilt; con loro altri e nuovi gruppi da tutto il mondo. I Los Gingers, spagnoli, porteranno il loro spettacolare Pelas y Plumas: i quattro pluripremiati circensi hanno creato in un ambiente da varietà uno show fatto di musica, ballo, glamour, giocoleria, e acrobazie impossibili. Italiani e divertentissimi, Mortimer il fachiro tonto e Dosolina, la sua maledstra e svogliata assistente, accoglieranno il pubblico nel loro spettacolo buffo e magico, in cui assistere a trasformazioni straordinarie, danze scatenate anni ’70 ed un finale a sorpresa di vero fakirismo. Dalla Romania arrivano i Klez Gag, band che rielabora le tradizioni popolari e la musica klezmer, balcanica e dei paesi dell'est Europa. Ancora un duo nostrano, i Cip&Ciop, alias Edoardo Mirabella e Diego Draghi, che insieme dal 1996 in Panem et Circensis parodiano il circo tradizionale, servendosi del linguaggio del corpo e degli oggetti per portare avanti una ricerca sulla comicità, a viso scoperto. Il gran finale è affidato alla musica travolgente, swing e rok’n roll, con ritmi retrò che faranno ballare anche i più recalcitranti. Portando un teatro inatteso in luoghi altrettanto non convenzionali, fra i cavalli dell’Ippodromo di Montechiarugolo e fra le stradine del centro di Noceto, il Teatro Necessario dimostra cosa sia il concetto di Provincia e come lo spettacolo si possa agire da un capo all’altro del mondo e della Via Emilia.

TEATRO POESIA E IDENTITA'

2008-05-24T06:58:00.001-04:00

La poesia è voce, è lettura, è parole pronunciate, intonate, declamate. E dunque, com’è naturale, all’interno del ParmaPoesia Festival è stato riservato ampio spazio al teatro, arte che meglio esprime i versi, ne veicola la liricità, dà loro una vita nuova ed altra. Ad unire alcuni importanti attori italiani con versi stranieri e classici della nostra letteratura in questa edizione ci ha pensato il Teatro Festival Parma, creando per l’occasione un cartellone ad hoc, Teatro Festival Poesia, che dal 19 al 24 giungo, vedrà impegnati artisti noti della scena italiana e parmigiana ed alcuni autori illustri. Fra gli ospiti stranieri più autorevoli Hans Magnus Enzensberger, ultimo grande epigono di Bertold Brecht, noto in Italia grazie a Nanni Moretti, che lo cita nel suo Caro diario come idolo intellettuale che rifiuta la televisione ma che si lascia sedurre da Beautiful, ed al suo testo di matematica per bambini, Il mago dei numeri (Einaudi 1997), da noi fortunato best-seller per adulti. Figura eclettica del panorama letterario internazionale, Hans Magnus Enzensberg sarà protagonista dell’incontro con Alfonso Berardinelli alla Casa della Musica dal titolo Che noia la poesia (Pronto soccorso per lettori stressati), che riprende il volume scritto a quattro mani per Einaudi nel 2006. I suoi versi poi saranno letti alle al Chiostro di Sant’Uldarico da Maria Paiato e Paolo Serra, mentre il pubblico potrà incontrarlo in un aperitivo-dibattito ai Portici del Grano. Ad accompagnare Enzensberg in questi eventi sarà lo statunitense Stanley Moss, conosciuto mercante d’arte, poeta ed editore (con la sua Sheep Meadow Press), legato all’Italia dalla II guerra mondiale e dalla rivista letteraria “Botteghe oscure”. Altro genere ed altra provenienza, i versi di Agi Mishol, una delle più apprezzate poetesse israeliane contemporanee, saranno combinati con quelli del poeta musulmano Mohammed Bennis e dello scandinavo Jesper Svembro, membro dell’Accademia delle Scienze di Stoccolma e filologo classico, in un aperitivo – incontro con il pubblico e in un reading grazie ancora alle voci di Maria Paiato, Paolo Serra e Giuseppe Battiston. Agi Mishòl, poetessa e traduttrice esoterica, ha sviluppato uno spirito poetico evocativo, profetico eppure ironico, sagace; ironia che anche Svenbro usa nei suoi componimenti, con collegamenti alla prosa di uso burocratico e scientifico. Mohammad Bannîs, presidente della Casa della poesia a Casablanca, è invece fautore di un messaggio poetico dall’alto valore umanitario, votato all’incontro con altre culture ed alla salvaguardia dell’individualità. Due gli autori italiani presenti nella micro rassegna teatrale, molto lontani tra loro ma entrambi fortemente influenti sulla cultura letteraria contemporanea: Pier Paolo Pasolini, con due opere filmiche poetiche ed alcuni componimenti, e Virgilio, con la sua opera più celebre. La proiezione all’Astra arena estiva di “Uccellacci e uccellini” e “Teorema”, incrociata con letture degli scritti pasoliniani, letti da Gigi Dall’Aglio, Paolo Bocelli, Tania Rocchetta e Roberto Abbati, porterà al pubblico una testimonianza di un linguaggio poetico per immagini applicato anche a trame sessualmente e socialmente molto forti o a intrecci apparentemente leggeri. Ultimo ma straordinario il contributo di Vittorio Sermonti che in Piazzale S. Francesco leggerà alcuni passi dell’ l’Eneide, in una serata dal titolo Enea non era vergine. Tanto meno sua madre.

LA POESIA DI UNA CITTA'

2008-05-24T06:57:00.000-04:00

“Una bella poesia è un contributo alla realtà. Il mondo non è più lo stesso quando gli si è aggiunta una bella poesia”, diceva Dylan Thomas. E Parma anche quest’anno si è data da fare perché la realtà abbia una forma il più possibile armonica, perché intorno si crei qualcosa di nuovo e piacevole, che lasci il segno, non con una ma con un intero festival di poesie. Il ParmaPoesia Festival, in città dal 18 al 24 giugno, è un evento composito in cui le arti tutte si mettono al servizio del linguaggio lirico; un momento collettivo di scoperta del bello e di cambiamento, in cui assorbire attraverso la musicalità e la figuratività delle parole nuove dimensioni possibili del reale. Per altri versi, come recita il sottotitolo della IV edizione del Festival, ponendosi come sollecitazione all’esplorazione, alla pratica di nuove prospettive, di altre strade, punti di vista. “Uscire dai luoghi canonici della diffusione culturale per offrire nuovi spazi di riflessione e di incontro con il pubblico”, in un’ottica di gratuità pressoché totale: così il Comune, l’Assessorato alle Politiche Culturali e alla Creatività Giovanile e quello al Turismo si propongono di affrontare la creazione e la scelta di alternative nella fruizione dell’Arte. A compensare lo stra-dominio della visione, delle immagini, della velocità dei segni grafici; a favorire la pre-visione, l’immaginazione, l’evocatività della parola, e la loro lenta sedimentazione. Il Festival ha una forte dimensione collettiva, pervasiva, che riguarda il pubblico, certo, ma anche i creatori e gli organizzatori: Nicola Crocetti, Giuseppe Marchetti, Daniela Rossi, Teatro Festival Parma e L’Argonauta hanno infatti coinvolto nella produzione e nella realizzazione degli eventi moltissime realtà culturali cittadine, generando un meccanismo virtuoso di produzione, di stimolazione creativa. Enti, associazioni, teatri, ensamble, numerosi artisti, di tutte le leve, di Parma e non… tutti protagonisti di un generale e massiccio movimento verso il bello e verso il pubblico, dovunque si trovino. I luoghi simbolo e gli angoli nascosti della città saranno i palcoscenici da cui declamare, leggere, suonare i versi, dal Teatro Regio al Materia Off, dimostrando chiaramente quanto la poesia sia un’arte trasversale se praticata in un’ottica diffusa e inclusiva, se non arroccata nei lirismi dotti di certe letture scolastiche. Una leggerezza a cui contribuiscono piccole cornici come gli Aperitivi e l’Almanacco dei Poeti, opportunità di incontro e confronto con i protagonisti del Festival, e Poesia Altrove, un’interazione tra autori e pubblico moderata da Neri Marcorè. Più specifiche e dedicate agli appassionati, le riflessioni presentate alle Lectio Magistralis vedranno salire in cattedra gli studiosi Lorenzo Mondo (Cesare Pavese), Nicola Gardini (Ted Hughes e Sylvia Plath) e Roberta De Monticelli (Le preghiere di Ariele). Fra queste anche Che cos’è la poesia?, incontro in cui il critico e saggista Alfonso Berardinelli affronterà i pregiudizi sull’accessibilità e la comprensibilità della poesia, seguendo le idee trovate con Hans Magnus Enzensberger, altro protagonista di primo piano della poesia internazionale presente al Festival, ed esposte nel volume omonimo sottotitolato Che noia la poesia. Perché questo è il vero obbiettivo del Festival: intercettare tanto i fedeli lettori quanto quelli stressati, annoiati, demotivati, per dar loro una risposta felice a esigenze spesso tradite. Anche attraverso l’aspetto più spettacolare, performativo della dimensione poetica, con le voci e le presenze intense di attori come Gabriele Lavia, Fabrizio Gifuni, Maria Paiato, il contributo di intellettuali come Vittorio Sermonti, la ricerca di performer contemporanei come quelli di Lenz, di artisti della parola e della materia come Antonio Catalano, Gigio Brunelli, l’arte di musicisti di tutte le razze, dai La Crus a Samuele Bersani, da Morgan a Nada a Bernarndo Lanzetti. Uno dei temi centrali del Festival sarà la migrazione e con essa l’identità linguistica, a cui sarà dedicata una sezione curata da Daniela Rossi con protagoniste alcune autrici indiane e pakistane e le loro opere in lingua inglese, recentemente tradotte e raccolte in un’antologia curata da Andrea Dirotti. Uno spazio specifico anche quello riservato all’editoria poetica con il Chiostro dei Poeti nella Chiesa della SS. Annunziata: una vetrina dedicata alla pluralità della parola poetica, arricchita da incontri, performance, presentazioni e incontri. Inoltre il giorno di San Giovanni, il 23, tornerà Un libro Un fiore, in cui all’acquisto di un volume poetico in una libreria della città si riceverà un fiore, simbolo di rinascita, di primavera sempre viva della lettura. Il ParmaPoesia Festival porta avanti così, in modo capillare e coraggioso, una pratica antica e in sviluppo costante, in contaminazione perenne, in continua lotta d’esistenza; perché Leopardi, Virgilio, Pavese, Alfredo Giuliani, Mario Luzi, Attilio Bertolucci (per lui anche un evento speciale domenica 29 giugno a Casarola di Monchio) siano un patrimonio condiviso e immortale.

HA TUTTE LE CARTE IN REGOLA PER ESSERE UN ARTISTA

2008-05-24T06:56:00.001-04:00

Ha tutte le carte in regola per essere un artista. Ha un carattere melanconico, beve come un irlandese. Se incontra un disperato non chiede spiegazioni, divide la sua cena con pittori ciechi, musicisti sordi, giocatori sfortunati, scrittori monchi. Piero Ciampi, cantautore livornese morto a 45 anni nel 1980, la vedeva così la condizione ideale di un poeta o di un cantante; e la viveva così. A lui, alla sua opera poetica in musica, il ParmaPoesia Festival dedica, sabato 21 giugno, un incontro al Ridotto del Teatro Regio, condotto da Alessandro Albertini, Enrico de Angelis (autore del libro Piero Ciampi, tutta l’opera, Arcana, 1992) e curato dal Comitato Organizzatore Piero Ciampi, ed un composito ed eccezionale concerto omaggio: E continuo a cantare vedrà avvicendarsi sul palco del Teatro Regio Nada, Samuele Bersani, Simone Cristicchi, Niccolò Fabi, Luca Faggella, Pino Marino, Morgan, Marco Ongaro, Pino Pavone, Bobo Rondelli, La Crus, ad interpretare con l’Orchestra del Teatro Regio di Parma le canzoni e i versi del cantautore livornese. Fin dalla sua morte, per un cancro alla gola forse causato da anni di alcolismo, molti interpreti italiani hanno dedicato a Ciampi omaggi, citazioni, momenti live e registrati, a sottolinearne l’importanza e l’influenza sulla canzone d’autore italiana: tributi a colui che ruppe molti degli schemi melodici e che rifuggì le regole dello star system di allora. Un grande e diffuso apprezzamento, nonostante l’insuccesso discografico e le disavventure personali. Prima fra tutti Nada, sua compaesana, con l’album Ho scoperto che anch’io, e recentemente con una tournée passata anche in questa stagione al Teatro delle Briciole con lo spettacolo-recital Il Mio Cuore Umano, musicaromanzo di Nada Malanima, Piero Ciampi e Gianni Marchetti. Poi Gino Paoli, che ha portato in tournée il repertorio migliore di Ciampi e che nel 1980 ha inciso un album intero con sue canzoni dal titolo Ha tutte le carte in regola. Ed ancora i La Crus, con la cover de Il vino, i Mercanti di Liquore con La moglie brontolona, i Marmaja con 6 Marzo, il cantautore lucchese Marco Panattoni, Renato Zero che gli dedicò L’aquilone Piero, Claudio Lolli, Zucchero, i Baustelle, Franco Califano, Giuseppe Pavone, che ne fu amico e compagno, e Luca Faggella che ha portato in scena un recital, Faggella Canta Ciampi, da cui è tratto il cd omonimo. Da Livorno, a Genova, a Milano, a Roma, passando per Parigi e l’Irlanda, Ciampi ha lasciato un segno forte sulla musica d’autore, influenzandone i toni, le atmosfere, i versi; ispirando e coinvolgendo molti artisti, che ne amano e continuano a scoprirne l’ironia, la schiettezza, la ruvida e dolente poesia. A Piero Ciampi è stato anche dedicato un Premio, per volontà dell'Arci di Livorno, che promuove il suo ricordo, attualizzandone il messaggio, sostenendo la creatività giovanile e la diversità dei generi espressivi, contrastando alcune tendenze discografiche che lo stesso Ciampi rigettò con forza.

UN PRESENTE CHE NON PASSA

2008-05-08T13:03:00.001-04:00

“Un tentativo di prendere l’imprendibile”: così Danio Manfredini, intenso creatore ed interprete, descrive l’intimo percorso tracciato in Al presente, spettacolo premio Ubu nel 1999 di cui è regista ed attore. “Dopo il debutto l’ho portato in giro per 5 anni. Solo ora mi sono trovato a riattraversarlo e l’impronta per me è ancora molto presente” dice Danio. In scena al Teatro Europa, venerdì e sabato alle 21.15, Danio Manfredini si farà testimone, tramite di voci lontane e dolenti, quelle dei pazienti con cui ha a lungo lavorato presso una comunità psichiatrica. “Lo spettacolo è una sorta di autoritratto, nato quando ho lasciato il mio lavoro presso la comunità. Non è però necessariamente un’opera sulla follia. È un viaggio della mente, che si spinge verso la follia sì, ma come amplificazione delle emozioni di ognuno”. La storie dei pazienti, la loro speciale ed acuta sensibilità sono al centro di un’indagine sull’emarginazione e la sofferenza che valica la cosiddetta “diversità” e si nutre di immagini pittoriche. “Sono partito da una serie di scritti e disegni di Giacometti, quelli in cui in un foglio bianco è tracciata un piccola, esile e lunga figura. L’artista diceva che davanti ad un modello, al suo corpo ed alla sua immaginazione, quello che si può cogliere è solo la fuga. In scena ho un manichino che mi riproduce, molto simile alle sue opere scultoree, ed è l’essere che sfugge. Io attore invece sono colui che incarna le figure evocate, impresse nei miei ricordi, nelle emozioni e nelle affezioni.” Manfredini compone un autoritratto a mosaico, in cui dimensioni diverse s’intersecano l’una con l’altra: “c’è il contesto, il contemporaneo; c’è la mia biografia, il mio essere; e poi lo sdoppiamento, in cui mi faccio sia attore che figura scenica.” Con uno sguardo carezzevole ma duramente reale: “la lingua che uso viene dal contesto psichiatrico e per questo è immediata. Nel creare i personaggi ho attinto a riferimenti vivi, i pazienti, e partendo da un concetto imitativo ho poi sviluppato una maschera”. Lontano da qualunque definizione di teatro, sociale, civile, terapeutico, afferrando solo la poesia, appoggiandosi solo alla vita.

ANTI CORPI PRO DANZA, EMILIANO ROMAGNOLA

2008-05-07T03:26:00.001-04:00

‘Emilia Romagna felix’ la chiamano, terra felice di agroalimentare e di arti sceniche. Una regione la nostra in cui si moltiplicano, facendo intelligentemente sistema, unendosi in reti funzionali e fruizionali, le iniziative dedicate alle discipline artistiche dello spettacolo dal vivo. Fra queste, Anticorpi è una neo-nata rete di rassegne, festival e residenze creative incentrata sulla creatività della regione, quella giovane e quella affermata. Un progetto che unisce alcune importanti strutture, fra le quali la parmigiana Europa Teatri, da anni impegnata sul territorio nella produzione e la diffusione di un teatro innovativo e alternativo, nel comune segno scenico della poesia del corpo, delle sue declinazioni contemporanee. Venerdì al Teatro Comunale di Ferrara, altro partner illustre, saranno presentate le nuove iniziative della rete, realizzate grazie al sostegno dell'Assessorato Cultura della Regione Emilia-Romagna e del Dipartimento dello Spettacolo dal Vivo, Ministero dei Beni e delle Attività Culturali. Il ‘Registro della Danza Contemporanea e di Ricerca dell’Emilia Romagna’, sostenuto anche dagli Assessorati alla Cultura delle Province di Bologna e Ravenna, è un innovativo strumento di monitoraggio di coreografi, interpreti e creatori: un database on line che raccoglie informazioni aggiornate costantemente dalle compagnie e dagli artisti stessi; un’anagrafe della danza regionale, strumento fondamentale di promozione in Italia e all'estero della creatività del territorio. Il Fondo “Fare Anticorpi” prevede l’assegnazione, tramite bando, di un contributo volto alla valorizzazione della ricerca e dell'innovazione dei linguaggi coreutici: un sostegno economico concreto alla produzione e un’offerta di ospitalità artistica, grazie alla residenza creativa di dieci giorni nell’ambito di React! Residenze Artistiche Transdisciplinari. Alla selezione dei progetti potranno partecipare tutti gli autori di danza contemporanea e di ricerca della Regione iscritti al Registro e che non ricevono finanziamenti ministeriali.

Stragi. 12 agosto 1944 Sant’Anna di Stazzema

2008-04-28T09:53:00.002-04:00

Titolo: Stragi. 12 agosto 1944 Sant’Anna di Stazzema
Adattamento drammaturgico, ideazione e regia: Carlo Ferrari
Con: Emanuele Arata, Michela Astri, Pietro Bertora, Erika Borella, Andrea Costa, David Findardi, Nicola Savani, Agnese Scotti, Franca Tragni
Produzione: Teatroperunpò
Giudizio: **** 4 stelle

La strage di Sant'Anna di Stazzema ha segnato una delle pagine piu' nere della storia recente e le celebrazioni del XXV Aprile in città hanno avuto diverse occasioni di farne memoria. Dopo lo spettacolo di Elisabetta Salvatori, domenica al Parco del Naviglio è andato in scena l'allestimento Stragi. 12 agosto 1944 Sant’Anna di Stazzema, curato e ideato da Carlo Ferrari, che con l'affiatato gruppo di attori del Teatroperunpò ha riportato al presente quei fatti, quelle persone, quei luoghi e quelle vicende giudiziarie. L'evento, realizzato da Progetti&Teatro con il Quartiere San Leonardo ed il sostegno di Conad Cronos, un collettivo momento di commozione, riflessione e informazione, forte di una documentazione storica dettagliata e toccante, incrocia la storia personale delle 560 vittime con l'efferata storia mondiale. Intorno alla candida e scarna croce issata al centro della scena, simbolo di Sant'Anna, della purezza dei civili caduti, della solitudine in cui a lungo sono stati lasciati, gli attori entrano ed escono da ogni direzione, con ritmo preciso e serrato, disponendosi a schiera, esponendosi soli o a coppie, riempiendo lo spazio con sguardi, gesti e movimenti intensi nella loro essenzialità, secchi e rapidi come ordini, come colpi di mitraglia, come proiettili. Ognuno a dire la propria storia, a ricordare i numeri e le atrocità, senza diventare la Bruna, senza interpretare l'Evelina, Ennio o il caporale delle SS interrogato a Norimberga. Ognuno protagonista della propria morte o della propria salvezza, ognuno tramite della Storia, quella consumata per le strette vie del paese, quella travisata per decenni, quella celebrata in tribunale solo nel 2004 (con gli ergastoli per le SS e fascisti collaborazionisti che si macchiarono ti tali orrendi crimini, tutti ormai ultra ottantenni). Con uno sguardo cupo ma oggettivo, dolente ma mai pietoso, il Teatroperunpò regala al pubblico una preziosa occasione di conoscere meglio sé stessi, di sapere chi si è stati nell'Agosto del 1944, vittime o assassini, in camicia nera o coperti di stracci, a volto coperto o carbonizzato. Da ricordare anche l'uscita, il prossimo anno, del film Miracle at St. Anna, diretto da Spike Lee e tratto dal libro omonimo di James Mc Bride: l'incontro tra un bambino sopravvissuto e un soldato afroamericano, sullo sfondo dell'orribile strage nazi-fascista.

SCALPICCII SOTTO I PLATANI

2008-04-28T06:59:00.001-04:00

Titolo: Scalpiccii sotto i platani
Scritto, diretto e interpretato da: Elisabetta Salvatori
Musiche: Matteo Ceramelli (violino)
E con la partecipazione di: Ennio Mancini
Giudizio: **** (4 stelle)

Chi visita il piccolo paese versiliese di Sant’Anna di Stazzema ci trova un gran silenzio; non quiete, ma un’atmosfera irreale, sacrale. Salendo per la stradina tortuosa, appena arrivati s’incontra una piazza ampia, intitolata ad Anna Pardini, una dei cento bambini che il paese non ha visto crescere. Sulla collina poco più in là si erge il sacrario-ossario che i pochi abitanti superstiti hanno eretto in memoria delle vittime, devolvendo ciascuno un terzo dell’indennità di guerra ricevuta alla fine degli anni ’40. Il racconto che Elisabetta Salvatori ha tessuto intorno ad uno dei più efferati e massicci eccidi perpetrati dai nazisti contro i civili italiani inizia così, con la descrizione del luogo, delle persone di Sant’Anna: un paesucolo di montagna abbarbicato alla base delle Apuane, che durante la guerra accolse circa un migliaio di sfollati e che di battaglie ed armi non aveva ancora sentito i clamori. La Salvatori ha ricostruito nello spettacolo-narrazione “Scalpiccii sotto i platani”, ospitato dal Teatro Baratta di Medesano nell’ambito dei festeggiamenti provinciali del XXV Aprile, la tragica vicenda della strage nazista di 560 persone, componendo un toccante e luminoso affresco del paese e dei suoi abitanti, delle tradizioni, delle faccende quotidiane, dei bambini che giocano sotto i platani davanti alla chiesa…fino al funesto mattino del 12 agosto 1944, quando nulla rimase in vita a Sant’Anna, neanche un animale. Si salvarono solo quelli rimasti sotto i corpi degli altri o fuggiti prima dell’arrivo delle colonne di SS. Sulle note popolari eseguite dal vivo in scena dall’intenso e delicato violino di Matteo Ceramelli, il pubblico vede e sente Sant’Anna, incontra Aspasio, l’Irma, l’Ida, le donne, le madri, i bambini e i vecchi rimasti in paese e caduti sotto la violenza nazista una tragica mattina di agosto, con gli americani fermi a Pisa e i partigiani sui monti. Al termine dello spettacolo la testimonianza lucida, garbata, importante di Ennio Mancini, uno dei pochi superstiti, ha aggiunto al ricordo ed all’emozione l’indignazione per le vicende giudiziarie che hanno visto riconosciute le atroci responsabilità naziste e fasciste solo nel 2004. Lo spettacolo sarà a Langhirano al Teatro Aurora il 14 maggio, in matinee per le scuole ed alle 21 per il pubblico.

IL TEATRO NAZIONALE PALESTINESE A INTEATRO - POLVERIGI

2008-04-28T06:35:00.004-04:00

ECCO CHI IN QUESTI GIORNI OCCUPA LA RIDENTE FORESTERIA VILLA NAPPI DI INTEATRO A POLVERIGI. PROTAGONISTA DEL FILM 'LA BANDA' OGGI NELLE SALE ITALIANE E GIA' PASSATO PER CANNES, SARà PRESTO IN UNA NUOVA PELLICOLA D'AUTORE PALESTINESE. NEL FRATTEMPO FA TRAINING CON GABRIELE VACIS AD ALTRI ATTORI PALESTINESI IN ATTESA DI TORNARE A GERUSALEMME EST E REALIZZARE CON LORO E 30 RAGAZZI UN AMLETO SPECIALE.
VISITANDO IL LINK QUI SOTTO SI RAGGIUNGE UN BLOG CON UN ARTICOLO INTERESSANTE A LUI DEDICATO...
http://lisagoldman.net/2008/02/22/prime-time-palestinians/

IO STO CON TRAVAGLIO CHE STA CON DI PIETRO CHE STA CON I NON CONDONNATI, INQUISITI, PRESCRITTI

2008-04-13T03:53:00.001-04:00

11 aprile 2008, dal blog di Marco Travaglio
Con Di Pietro, per fare il guastafeste

Due anni fa votai per l’Italia dei Valori, soprattutto perché nel mio Piemonte candidava Franca Rame, persona straordinaria che sono felice di aver contribuito a mandare al Senato. Credo proprio che anche stavolta tornerò a votare per il partito di Antonio Di Pietro, che tra le altre cose non candida né condannati né inquisiti.

Conosco le obiezioni dei critici: la gestione padronale e personalistica del partito, da cui molti si sono allontanati; la caduta di stile di far prendere al partito una sede in affitto in uno stabile di proprietà dello stesso Di Pietro; la candidatura di personaggi come Sergio De Gregorio e Federica Rossi Gasparrini, puntualmente usciti dall’Idv dopo pochi mesi dall’elezione; l’adesione di Di Pietro, come ministro delle Infrastrutture, al progetto del Tav per le merci in Valsusa (sia pure dialogando con le popolazioni e discutendo di un possibile nuovo tracciato, alternativo al famigerato «buco» da 54 km a Venaus); la decisione di non chiudere la società Stretto di Messina, pur con la contrarietà ribadita al progetto del ponte; il no alla commissione parlamentare d’inchiesta sui fatti del G8 (secondo me sacrosanto, visto che le commissioni parlamentari in Italia servono a confondere le acque e a ostacolare le indagini della magistratura; ma maldestramente motivato con la richiesta di indagare anche sulle violenze dei black bloc, quasi che il parlamento dovesse occuparsi dei reati dei cittadini comuni).

Per essere chiari: voterei molto più volentieri per un Einaudi o un De Gasperi redivivi. Ma, in attesa che rinasca qualcuno di simile e riesca a entrare in politica, penso che l’astensione - da cui sono stato a lungo tentato - finisca col fare il gioco della casta, anzi della cosca. Il non voto, anche se massiccio, non viene tenuto in minimo conto dalla partitocrazia: anche se gli elettori fossero tre in tutto, i partiti se li spartirebbero in percentuale per stabilire vincitori e vinti. E infischiandosene degli assenti, che alla fine hanno sempre torto. Dunque penso che si debba essere realisti, votando non il «meno peggio», ma ciò che si sente meno lontano dai propri desideri.

A convincermi a votare per l’Idv sono le liste che ha presentato Di Pietro, che ospitano diverse persone di valore, alcune delle quali sono amici miei, di MicroMega, dei girotondi e di chi ha combattuto in questi anni le battaglie per la legalità e la libertà d’informazione. Ne cito alcuni.
C’è Beppe Giulietti, animatore dell’associazione Articolo 21 contro ogni censura ed epurazione, dunque scaricato dal Pd che gli ha preferito addirittura Marco Follini, ex segretario dell’Udc ed ex vicepremier di Berlusconi, come responsabile per l’Informazione: quel Follini che ha votato tutte le leggi vergogna, compresa la Gasparri che è il principale ostacolo alla libertà d’informazione.
C’è Pancho Pardi, che ho incontrato la prima volta al Palavobis, poi in tutti i girotondi e che mi auguro di reincontrare quando - se, come temo, rivincerà Berlusconi - ci toccherà tornare in piazza.
C’è la baronessa Teresa Cordopatri, simbolo della lotta alla ’ndrangheta in Calabria.
C’è, a Napoli, un sindaco anticamorra come Franco Barbato, che ha militato nel progetto di lista civica nazionale insieme a tanti altri amici.
C’è Leoluca Orlando, che in quanto ad antimafia non teme confronti.
Non ci sono, in compenso, alcuni personaggi discutibili che si erano avvicinati all’Idv, e che sono stati respinti o non ricandidati. E poi ci sarebbero anche Beppe Lumia e Nando Dalla Chiesa, ai quali Di Pietro aveva offerto un posto nella sua lista in Sicilia dopo l’estromissione (nel primo caso provvisoria, nel secondo definitiva) da quelle del Pd, che in compenso ospitano elementi come Mirello Crisafulli, l’amico del boss di Enna: alla fine, grazie anche all’Idv, Lumia è rientrato nel Pd, mentre Nando ha rispettabilmente deciso di declinare l’offerta.

E poi c’è Di Pietro che, pur con tutti i suoi difetti, ha saputo pronunciare - da ministro e da leader di partito - una serie di «no» molto pesanti contro le vergogne del centro-sinistra. No all’indulto extralarge salva-Previti, salva-furbetti, salva-corrotti e salva-mafiosi. No al segreto di Stato e al ricorso alla Consulta sul sequestro Abu Omar contro i giudici di Milano. No alla depenalizzazione strisciante della bancarotta tentata da qualche ministro furbetto. No agli attacchi contro De Magistris e Forleo. No al salvataggio di Previti alla Camera (il deputato Idv Belisario, per un anno e mezzo, è stato il solo con il Pdci a chiedere la cacciata del pregiudicato berlusconiano, mentre gli altri facevano i pesci in barile). No al salvataggio di D’Alema e Latorre da parte della giunta per le autorizzazioni a procedere della Camera (lì il dipietrista Palomba s’è pronunciato per autorizzare le intercettazioni Unipol-Antonveneta-Rcs, senza se e senza ma). No all’inciucio mastelliano sulla controriforma dell’ordinamento giudiziario e a tutte le altre porcate del cosiddetto ministro della Giustizia ceppalonico. No all’inciucio in commissione Affari costituzionali per la legge-truffa di Franceschini e Violante sul conflitto d’interessi (anche qui, solo il Pdci con Licandro e l’allora Ds Giulietti han tenuto botta con l’Idv). No alla limitazione delle intercettazioni telefoniche e no - dopo un’iniziale esitazione alla Camera - alla legge-bavaglio di Mastella & C. contro la pubblicazione delle intercettazioni e degli altri atti d’indagine fino al processo. No all’aumento del finanziamento pubblico dei partiti e al colpo di mano tentato in tal senso dai tesorieri di tutti i partiti (tranne quelli dell’Idv, Silvana Mura, e della Rosa nel pugno, Fabrizio Turco). No al comma Fuda che assicurava la prescrizione agli amministratori pubblici indagati dalla Corte dei conti per infrazioni contabili.

Come ministro delle Infrastrutture, poi, Di Pietro ha bonificato quel lombrosario che era prima il vertice dell’Anas, cacciando gli inquisiti e i condannati e denunciando i responsabili di certi ammanchi. Ha razionalizzato la miriade di progetti faraonici ereditati da Lunardi, concentrando le poche risorse disponibili su alcune opere davvero necessarie. E, in campagna elettorale, è stato il solo a dire papale papale che Rete 4 deve andare sul satellite e che bisogna applicare immediatamente la sentenza dell’Alta Corte di Giustizia europea di Lussemburgo che, dichiarando illegittime le proroghe concesse a Mediaset dal 1999, privano da nove anni Europa 7 di Francesco Di Stefano delle frequenze necessarie per trasmettere.

Infine, last but not least: sia che vinca Berlusconi sia che Pdl e Pd arrivino al pareggio e magari tentino un bel governissimo di larghe intese, mi auguro che arrivi in parlamento una pattuglia di guastatori capaci di fare opposizione con fermezza e competenza sui due temi cruciali, la libertà d’informazione e la giustizia uguale per tutti. Di gente così ce n’era anche nel Pd, ma è stata scientificamente eliminata con una specie di pulizia etnica. Ricordiamoci quel che accadde nel 2001, quando l’Idv mancò il quorum per un soffio: l’unica vera opposizione al regime berlusconiano non era in parlamento (a parte i cani sciolti alla Dalla Chiesa e alla De Zulueta, ora scomparsi dalle liste), ma in piazza. Se stavolta entrano in parlamento Di Pietro, Orlando, Pardi, Giulietti, Cordopatri, Mura e qualcun altro come loro, è meglio per tutti.

(Da MicroMega n°2/2008, in edicola dal 25 marzo 2008)

SESSO CON LUTTAZZI

2008-04-07T13:09:00.001-04:00

Il pubblico cresce, cambia e lui rimane sempre lo stesso. Daniele Luttazzi, irriverente e caustico comico romagnolo che dell’eloquio spinto ha fatto la sua bandiera, scavalca senza fatica apparente gli anni, i governi, le censure, i produttori, passando con agilità dagli studi televisivi, alle scene teatrali, alla carta stampata. Sul perché continui ad aggiornare l’allestimento del suo surreale e controverso spettacolo dedicato alla sessualità, Luttazzi risponde: “Le generazioni cambiano. I ragazzi che cinque anni fa erano minorenni adesso ne hanno diciotto e finalmente possono godersi questo monologo pedagogico, propedeutico e liberatorio". “Sesso con Luttazzi”, ovvero “Tutto quello che non avreste mai voluto sapere sul sesso ma i vostri genitori hanno voluto dirvi a tutti i costi”, ora alla sua quarta edizione, sarà sul palcoscenico del Cinema Teatro Forum di Sant’Ilario (RE) mercoledì 9 alle 21.00, e la serata promette due ore di show senza freni, senza inibizioni e censure. Un momento d’istruzione, informazione, soprattutto di riso e cinismo, in cui il pudore e la vergogna sono banditi: il comico laureato in medicina (per davvero) indaga, risponde, chiarisce molte nozioni, concetti e pratiche di cui in alcuni casi s’ignora, o si finge di ignorare, l’esistenza. Dopo l’ultimo ostracismo televisivo, che ha visto una rete illuminata, ma pur sempre finanziata, come La7 interrompere la messa in onda della sua trasmissione già dalla seconda puntata (causa dichiarata la volgarità), Luttazzi continua nella sua missione: scandalizzare, dimostrare che libertà di parola e pensiero non sono astrazioni politiche, ma azioni che richiedono coerenza, coraggio. I suoi malati immaginari, schiavi dei piaceri della carne o forse liberi di abbandonarsi ad essi, illuminano una quotidianità, la nostra, condizionata dalla sessualità non solo nelle manifestazioni più spinte ma anche e soprattutto in quelle apparentemente innocenti, sottilmente allusive, scioccamente ipocrite.

DA LUNEDI' UNA NEW LIFE RESOLUTION RAGGIUNTA!!!

2008-04-04T02:59:00.002-04:00

amici da lunedì VIVO AL MARE. Una delle mie life resolutions è stata raggiunta, forse non proprio la piu' importante (TACERE CREDO SIA UNA PRIORITA') ma in ogni caso un bell'obbiettivo. VI ASPETTO TUTTI SULLA RIVIERA DEL CONERO, HO GIA' UNA POLTRONA DIPLASTICA VERDE GALLEGGIANTE CON UN PORTA BIRRA (O COCA COLA LIGHT) SU UN BRACCIOLO CHE ASPETTA SOLO DI ESSERE INAGURATA NEL CALDOE PACATO MAR ADRIATICO.
(ineffetti sarò a 15 km circa dal mare, ma è un risultatonotevole ugualmente)

ONORE AL MERITO, DI UN UOMO PER LE DONNE

2008-04-02T13:37:00.000-04:00

In Italia le disposizioni sul delitto d'onore sono state abrogate solo nel 1981. Un concetto radicato, patriarcale e maschilista da cui il nostro paese stenta a svincolarsi. Nasce dalla riflessione sulla condizione femminile nella società rurale del mezzogiorno italiano ed in quella musulmana il prezioso lavoro scenico con cui Saverio La Ruina ha ottenuto il Premio Ubu 2007 come miglior attore e miglior spettacolo novità: Dissonorata sarà in scena al Teatro di Ragazzola sabato 5 aprile alle ore 21.15, ad ingresso libero nell’ambito degli eventi legati al Festival dei Diritti Umani. “Leggendo le storie di cronaca delle donne musulmane trovavo molte analogie con le regole, i comportamenti della società calabrese di qualche decennio fa. Il capo coperto, gli abiti a lutto portati per una vita, la violenza sono elementi comuni tra Medio Oriente e Mediterraneo. Spesso si considera la società islamica come fosse il nostro medioevo, ma è una situazione che ci riguarda da vicino, nel tempo e nello spazio. Viviamo in un mondo globalizzato, in cui spesso chi ci sta accanto ha un’altra cultura: è importante conoscere il nostro passato per guardare con occhio giusto, consapevole alle altre società. Volevo fare uno spettaco su una donna musulmana ed una calabrese poi scrivendo è rimasta solo la seconda, perché il rimando all’Islam ed a qualunque altra società maschilista rimane forte, immediato”. L’autore, interprete e regista dello spettacolo è un uomo che si fa tramite della voce strozzata delle donne che porta in scena: “Indosso un abituccio femminile ma non scimmiotto la donna, non cado nel grottesco del travestimento, altrimenti ne sminuirei la tragedia. L’uomo non scompare nella narrazione, il maschio è allo stesso tempo il carnefice e colui che grida la denuncia della sua vittima. I personaggi femminili che interpreto sono credibili ed in scena coesistono con il mascolino senza alcun effetto caricaturale.” La ricerca sul linguaggio è stata complessa e raffinata: “Abbiamo lavorato sugli aspetti femminili, su quelli popolari e su quelli musicali della narrazione, armonizzandoli grazie alle note di Gianfranco De Franco. Il dialetto calabrese rafforza l’effetto, supportato dalle ripetizioni che abbiamo inserito nel testo e dalla partitura gestuale; il risultato è sorprendente, di grande comprensione.”

ARRIVEDERCI AMORE CIAO

2008-04-02T13:36:00.000-04:00

Chi non è mai stato, o ha, lasciato qualcuno? L’esperienza dell’addio ci ferisce tutti da vicino, ciascuno nel ruolo che gli è più congeniale, in fuga o “mollato”. Il piccolo libro degli addii di Luca Ragagnin raccoglie una casistica estrema di questi momenti e da esso Carlo Ferrari e Franca Tragni, felice sodalizio teatrale immune alle separazioni, hanno tratto uno spettacolo di cabaret, Addii d’amore, in scena sabato 5 alle 21 al Teatro alla Corte di Giarola (ingresso libero), nell’ambito della rassegna Consonanza di Voci del Comune di Collecchio. “Abbiamo creato grazie a questi micro-racconti una messa in scena come piace a noi, mordi e fuggi”, dice Ferrari, ed aggiunge: “i lasciti dal punto di vista teatrale sono situazioni sia con grandi possibilità comiche che con piccole aperture drammatiche; questo corrisponde esattamente al nostro modo di fare teatro”. C’è una coppia che si deve sposare, ma la marcia nuziale sfuma e la loro unione si risolve in una serie di battute comiche, lanciate al pubblico come rapide sferzate: “pillole d’amore perduto, con cui si esce dall’aspetto più teatrale e si spinge sulla comicità della situazione. Il cabaret di situazione vero e proprio in teatro si è perso e se ne sente la mancanza. Questo modo di lavorare per noi è anche un ritorno alle origini, quando portammo in scena i delitti teatrali di Max Aub”. Vent’anni sulla scena insieme hanno la loro importanza, e le loro fasi. “Avevamo il desiderio di tornare al cabaret”, spiega Franca Tragni. “Negli ultimi anni pur desiderando di fare qualcosa di molto comico succedeva sempre che a metà strada il lavoro prendesse una piega malinconica, struggente. Questa volta abbiamo dato un’impronta cabarettistica più forte al lavoro. Questi racconti sono caustici, per nulla tristi nella loro durezza; suscitano un sorriso sardonico, ma non c’è malinconia, solo la forza dell’ironia. Abbiamo composto una sequenza d’addii strampalati che paradossalmente sono molto reali, riflettendo l’universale maldestria ed inadeguatezza che abbiamo nel lasciare qualcuno”.

SANTE RISATE

2008-03-30T11:18:00.000-04:00

TITOLO: Dora Pronobis
CON: Antonella Questa
REGIA: Virginia Martini
DRAMMATURGIA: Antonella Questa e Virginia Martini
MOVIMENTI: Antonio Bertusi
ASSISTENTE ALLA REGIA: Sabine Bordigoni
SPAZIO SCENICO: Virginia Martini, Antonio Bertusi e R. Del Prete
IN COLLABORAZIONE CON Blanca Teatro
PRODUZIONE: La Q - Prod
GRADIMENTO: 3 stelle ***

Una giornata senza una risata è una giornata sprecata. Gli Assessorati alla Cultura ed alle Pari Opportunità del Comune di Collecchio la vedono così la vita. E si direbbe la vivano così, organizzando da quattro anni Consonanza di Voci, rassegna di teatro comico al Teatro alla Corte di Giarola, in collaborazione con Progetti&Teatro. Un omaggio ai cittadini, l’opportunità di incontrare chi dell’umorismo ha fatto la propria arte scenica, una condizione esistenziale. Ad esercitare per prima il diritto ed il dovere di risata è stata la toscana Antonella Questa, con il suo riuscito, cattolicissimo alter-ego Dora Ricci. Dora Pronobis è un monologo votato alla santità, bigotto e surreale come solo certe perpetue frustrate riescono ad essere, cinico ed intelligente grazie alla riflessione affatto scontata sul ruolo delle donne nella chiesa cattolica. La tessitura drammaturgica intreccia il serio ed il faceto, il paradosso scenico con quello reale, facendo emergere la dimensione comica, la contraddizione e perciò l’umorismo che si celano dietro alcuni dogmi e canoni ecclesiastici. Principi e regole che scandiscono le vite dei fedeli, avendo una funzione di controllo sociale più che di indirizzo spirituale. La vita della giovane aspirante chirichetta Dora, i divertenti episodi della sua adolescenza, gli scontri con il parroco, il suo lavoro a Radio Pagnana Fedele, il suo amore non ricambiato per Pino, la sua vocazione al vescovato sono inframmezzati da parti delle encicliche redatte dagli ultimi due papi. Con leggerezza ed ironia, battute caustiche ma dosate. Si ride con Dora, non solo quando viene posseduta dall’Anticristo che le fa ballare la lapdance, ma soprattutto quando la beghina, immersa fino al colletto amidato nel personaggio, confessa i suoi pensieri di pseudo tolleranza o impartisce lezioni di para educazione sessuale ai suoi fedeli ascoltatori. Ed il pube (de oro) acquista nuova dignità linguistica, così come il punto g(iovani) e l’auto-erotismo come pratica sessuale da macchina. Sfruttando a pieno i timbri vocali, le inflessioni dialettali ed una capacità interpretativa notevoli, occupando con un po’ meno agilità la scena ed i suoi arredi, mantenendo un ritmo comico quasi sempre sostenuto, il lavoro sul personaggio compiuto dalla Questa ha trovato un modo efficace di colpire il sistema, dall’interno.

INTERVISTE IMPOSSIBILI DAGLI ESITI OMISSIBILI

2008-03-30T11:15:00.002-04:00

Strane storie quelle di Casanova, Francesca Da Polenta, l’Uomo di Neanderthal, Oscar Wilde, Freud. Strane storie portate in scena e musicate da alcuni artisti parmigiani al Teatro del Tempo, preziosa realtà cittadina in cui le arti sceniche trovano uno spazio raccolto ed intimo di commistione. Un piccolo alambicco per esperimenti, pozioni alchemiche dagli esiti sconosciuti. Fra percussioni, pianoforte, canto e recitativo, le Interviste impossibili di 30 anni fa, storico programma radiofonico della Rai scritto da intellettuali come Eco, Calvino e Sanguineti, a cui presero attori del calibro di Carmelo Bene, sono ritornate “in onda” dirette da Paolo Rossini ed interpretate alternativamente nei ruoli di intervistati ed intervistatori da Cristiano Bonassera, Rocco Antonio Buccarello, Nicola Di Ricco, Davide Robuschi e Natalia Vaccari. Duetti surreali ed ironici in cui lo speaker fuori scena ha dialogato e schermagliato con un celebre personaggio del passato, emerso dai secoli attraverso una cornice temporale, un’antica porta che apre su altre, impossibili appunto, dimensioni. Gli intermezzi musicali, di fascino ed atmosfera grazie alle composizioni originali del Maestro Luca Gavazzi, accompagnato dal ritmo di Flavio Spotti, sono stati impreziositi dalla lucida voce di Letizia Brugnoli, intensa interprete di due canzoni scritte dal Maestro Marco Caronna. In tempi in cui chi fa radio cerca di portarla in tv e chi fa tv vorrebbe portarla in radio, anche il teatro si presta, ad accogliere sperimentazioni tra linguaggi mediatici diversi, scritture sceniche e generi versatili. In questi mesi le Interviste Impossibili Live saliranno anche sul palco dell'Auditorium Parco della Musica di Roma, con la regia di Gabriele Vacis, interpretate da voci d’eccezione come Emma Dante, Alessandro Baricco, Piergiorgio Oddifreddi.

QUATTRO RISATE NON SI NEGANO A NESSUNO

2008-03-13T11:47:00.000-04:00

TITOLO: Il bipede barcollante
SCRITTO DA: Paolo Hendel;
CON LA COLLABORAZIONE DI: Piero Metelli e Sergio Staino
PRODUZIONE: Agidi S.r.l.
GRADIMENTO: 3 stelle ***

L’etologo Desmond Morris negli anni ’70 considerava l’uomo una “scimmia nuda”, evidenziando i tratti animaleschi che millenni di evoluzione culturale e di epilazione naturale non sono riusciti a cancellare. Paolo Hendel, comico toscano ospite della stagione del Teatro Magnani di Fidenza lo scorso mercoledì con il suo ultimo one-man-show, cavalca l’onda darwiniana e osserva l’animale uomo da una prospettiva un po’ inedita: dall’inpiedi. Partendo dalla definizione di “bipede barcollante”, Hendel dispiega in scena, con la sola forza immaginativa delle parole e con i suoi modi da guitto, una fantasiosa ricostruzione della preistoria del genere umano, accompagnato dalle note elettriche di Giorgio Vicini. Di quando ancora si procedeva carponi su quattro appoggi; di quando ancora non si era scatenata quella variabile impazzita nell’evoluzione che avrebbe condotto la scimmia verso la posizione eretta e poi verso quella dell’Homo Semipiegatus (di cui un noto giornalista televisivo Rai è un rappresentativo esemplare). Se la prende con tutti Hendel, sbeffeggiando i potenti, i politici italiani immortali, quelli presenti e quelli futuri, sempre gli stessi anche nel 3010 (dinastie regali si direbbe); mettendo in discussione ed in ridicolo i loro assurdi comportamenti e deridendo anche quelli dell’uomo della strada, barcollante sui suoi due miseri piedi, indifeso, lento, pauroso e per ciò aggressivo. La comicità di Hendel ha la forza del quotidiano, degli sciocchi tic ed atteggiamenti che tutti condividiamo, dall’ipocondria diffusa all’imbarazzo per le proprie necessità corporali o mediche, dall’odio per l’autovelox a quello per lo strumento infernale per eccellenza, la sveglia. Lo spettacolo vola via, leggero e divertente, pagando però un prezzo televisivo non indifferente, scarnificando la dimensione teatrale e sacrificando in parte il rapporto con il pubblico. Un pubblico che c’è, non è un dato auditel: è presente, disponibile a farsi prendere in giro e soprattutto abbastanza disgustato dai modi e dalle persone della politica italiana da riuscire ancora, dopo decenni, a ridere dell’altezza di Berlusconi e della linea di Ferrara. Quando neanche la mascolinità della De Filippi farà più sorridere la platea, allora sapremo che è finita.

IMPERDIBILI CONTORSIONI MUSICALI

2008-03-12T13:44:00.001-04:00

Dall’11 al 13 aprile 2008 - TEATRO DUE (PR)
Compagnia Zimmermann & de Perrot (Svizzera)
in coproduzione con Théậtre Vidy-Lausanne E.T.E.- Le Merlan, Scène Nationale à Marseille -Theater Chur - Association Zimmermann & de Pierrot
e PiùFestival – Brescia
con il sostegno di Pro Helvetia - Fondation Suisse pour la Culture, Ville de Zürich, Canton de Zürich, Puor-cent Culturel Zürich, Fondation Sophie et Karl Binding, Ernst Göhner Stiftung, SSA-Société Suisse des Auteurs e Fondation BNP Paribas
Gaff Aff
di e con Martin Zimmermann e Dimitri de Perrot
scene Martin Zimmermann e Dimitri de Perrot
composizione musicale Dimitri de Perrot
coreografia Martin Zimmermann
luci e direzione di scena Ursula Degen
suono ed elettronica Andy Neresheimer
fonica Felix Laemmli
costruzione della scenografia Pius Aellig, Jean-Marc Gaillard
ricerca degli imballaggi Claude Gloor
collaborazioni artistiche e drammaturgiche Aurélien Bory, Arnaud Clavet, Goury, Aline Muheim, Lex Trüb, Jlien Dütschler
regia Martin Zimmermann e Dimitri de Perrot
www.zimmermanndeperrot.com

Un musicista ed un mimo. Suono e movimento, musica e gesti. Insieme a costruire un “legame organico fra il lavoro gestuale e la ricerca musicale in un’opera che riesce a mettere in rilievo l’alienazione del mondo del lavoro, a sorprendere e toccare lo spettatore”. Questa la motivazione con cui lo scorso settembre il duo artistico Martin Zimmermann - Dimitri de Perrot ha ottenuto il premio MIMOS 2007 al festival internazionale di Périgueux. Svizzeri, partecipi del movimento nord europeo artistico che coniuga musica, nuovo circo, arti plastiche e coreografia, co-prodotti da importanti realtà francesi e svizzere, Zimmerman e de Pierrot nel loro ultimo lavoro Gaff Aff creano un gioco scenico originale e coinvolgente che sorprenderà il pubblico, dai sette anni in su. Pius Aellig e Jean-Marc Gaillard, maghi delle costruzioni di carta, hanno creato per l’occasione un universo parallelo, in cui le scenografie di cartone si animano con un gesto, con la pressione di un pollice, in cui la scena è un giradischi gigante, che trascina con sè le alienate esistenze degli uomini. Un mondo veloce ed instabile, un meccanismo poetico e musicale, virtuosistico ed umoristico. in cui un moderno Buster Keaton cerca la propria stabilità fra imballaggi e suoni elettronici. Attaccato al suo lavoro, alla sua casa, al suo ufficio, il protagonista tenta in ogni modo di lottare contro la precarietà, il perenne essere in bilico: acrobazie ed equilibrismi, contorsioni che per Martin Zimmerman, artista di circo, e per Dimitri de Perrot, DJ e musicista teatrale-cinematografico, sono quotidiane cifre dell’esistenza. In questo cartonato e frenetico circo, metafora dei fuggevoli tempi moderni, che schiaccia nel suo ingranaggio le esistenze dei poveri uomini che vi prendono loro malgrado parte, la musica ed i suoni determinano le azioni e le contro azioni, fino all’inversione dei ruoli. Coreografia e musica si integrano in un unico flusso creativo, generando il mondo interiore del protagonista, regolando l’ambiente in cui egli si muove. Un corpo in balia della scena e del suono… sempre sul punto di crollare, di cadere nella malinconia e nella frustrazione. Ma basta un gesto, un giro rapido, un veloce cambio di forma per risollevarsi, per portare il tono sulle note leggere e comiche della parodia, della poesia scenica clownesca. Il messaggio, l’orizzonte di senso a cui la performance rimanda è sostanzioso: l’alienazione prodotta da questa società standardizzata, fatta di pseudo-strumenti di modernità, schermi piatti, cellulari, computers, catene della nostra contemporanea schiavitù, ci schiaccia e ci trascina. Il concetto è serio ma il tono è leggero, perché nella società dei consumi, dove tutto è usa e getta, precario, anche la tristezza è di cartone e lascia il tempo che trova.

PRODOTTI DEL NORD EST

2008-03-12T13:42:00.001-04:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL NUMERO DI APRILE DE IL MUCCHIO SELVAGGIO

MADE IN ITALY
testo Valeria Raimondi e Enrico Castellani
cura Valeria Raimondi
parole Enrico Castellani
interpreti Valeria Raimondi e Enrico Castellani
scene/luci luci e audio Marco Spagnoli e Luca Scotton - scene Gianni Volpe
e...costumi Franca Piccoli - movimenti di scena Giovanni Marocco Spagnoli e Ilaria Dalle Donne
produzione Babilonia Teatri/Operaestate Festival Veneto
spettacolo vincitore del Premio Scenario 2007

Babilonia Teatri è
per un teatro pop
per un teatro rock
per un teatro punk
(dal loro sito web)

Adamo ed Eva in accappatoio e scarpette argentate, sotto un albero al neon ed una mela rossa iridescente, guardano il pubblico contemporaneo dalla loro scarna scena contemporanea. Il tecnico luci, di lato, a vista, maneggia fari e funi, contribuendo al generale senso di straniamento che lo spettacolo ha evidentemente deciso di percorrere. Un grido, un rapidissimo sguardo sulle loro nudità e poi tutto ha inizio. Partoriranno con dolore, lavoreranno e sapranno cos’è il bene e cos’è il male, dovranno vestirsi. Loro, noi, i veronesi, i veneti, gli italiani. Made in Italy squarcia così il velo della conoscenza e della coscienza di noi cittadini-spettatori. Una pièce in qualche modo incentrata sulla verità e sulla condizione umana, vincitrice di Premio Scenario 2007 lo scorso luglio, ora impegnata in una lunga tourné che tocca i più importanti teatri italiani. “…Un ritratto spietato delle "sacrosante" manifestazioni del tifo calcistico e delle telecronache enfatiche e patriottarde, normalmente rese impercettibili dalla generale assuefazione. Un lavoro dove si infrangono con sagacia e leggerezza tabù e divieti, per rilanciare anche il teatro oltre gli schemi e i conformismi”, come recita la motivazione della giuria che li ha eletti vincitori fra i giovani gruppi della ricerca teatrale. Un affresco composito, fatto di quadri che si avvicendano in rapida successione, in cui le parole si accumulano, si accatastano in scena, si stratificano e lentamente perdono di significato, di senso. Seguendo, ed in qualche modo denunciando, quel processo di banalizzazione che subiscono molte delle espressioni, dei concetti, delle opinioni che la gente esterna, anche le più gravi: una bestemmia ha il peso di una bestemmia certo, ma una bestemmia ripetuta mille volte come intercalare perde la sua carica di negatività, di blasfemia; un insulto ed un vilipendio alla dignità di un immigrato o di uno straniero pesa sulla coscienza di chi lo pronuncia e di chi lo ascolta, ma si fa leggero, comico, grottesco se ripetuto tra una pizza e l’altra, centinaia di volte. In un gioco scenico cinico, ironico, a tratti doloroso, che smaschera quel drammatico meccanismo sociale e culturale per il quale ci si abitua a tutto in Italia, basta poterlo ripetere abbastanza a lungo perché sembri normale. Perdono la loro originaria efficacia le parole di Made in Italy, si confondo nel caotico, surreale elenco di espressioni, allitterazioni, concatenazioni, per poi acquistare una nuova rilevanza, una nuova forza eversiva. Da questo pieno, zeppo di buffi riferimenti trash e duri commenti dell’uomo della strada, emerge un vuoto che ha un volume più alto delle voci che in scena, in perfetta coordinazione e sincronia, urlano e graffiano. Non c’è mimesi, non c’è immedesimazione: i due personaggi sul palcoscenico, Valeria Raimondi e Enrico Castellani (anche creatori dello spettacolo), divengo ad ogni quadro un’icona, un simbolo, non interpretando alcun ruolo ma facendosi di volta in volta veicolo dei ruoli altrui, pescati nella bottega sotto casa, nel bar all’angolo. Con voci atoniche, cantilenate, riportano sulla scena, quasi vomitandoli, i pensieri della gente comune, che in veneto, come in molte regioni italiane, usa il dialetto per esprimersi, specie a riguardo di donne, sghei (soldi) e marocchini. Molti i riferimenti cattolici, religiosi, specchio di una società, quella del nord-est, lontana dalla laicità ma vicina agli estremismi nazionalistici ed ai campanilismi biechi. Molti gli ambiti toccati, dal razzismo, alla società mediatica e ottusa, alla morfina calcistica, alla spettacolarizzazione della morte. Così ad esempio un funerale illustre, celebrato poco tempo fa a Modena, diviene l’occasione per commentare in silenzio, ascoltando le registrazioni dei cronisti RAI, la paradossale dimensione in cui siamo perennemente immersi. Basta compiere un minimo, lieve gesto di astrazione, di distacco e subito emergono le degenerazioni della nostra cultura e della nostra società. Una colonna sonora accattivante, che ha toni pop-trash, trascina e diverte, contribuendo al generale senso di amarezza e comicità dello spettacolo, coronato da un finale in cui sono protagonisti muti ed attoniti Biancaneve ed i suoi fidati nani da giardino. Le date di aprile: il 4 alle ore 21 a Finale Emilia, Festival Avant Gare; il 5 alle ore 21 a Parma, Teatro delle Bricole; il 12 alle ore 21 a Como, Teatro Sociale; il 24 in orario da definire a Rimini – info@babiloniateatri.it

LATELLA LE DONNE LE CAPISCE

2008-03-12T13:40:00.001-04:00

ARTICOLO PUBBLICATO SUL NUMERO DI APRILE 08 DE IL MUCCHIO SELVAGGIO

Titolo: Le lacrime amare di Petra Von Kant
Autore: Rainer Werner Fassbinder
Regia: Antonio Latella
Compagnia/Produzione: Teatro Stabile dell’Umbria e Teatro Stabile di Torino
Cast: Con Laura Marinoni, Silvia Ajelli, Cinzia Spanò, Sabrina Jorio, Stefania Troise, Barbara Schroer, gli animatori d'ombre Massimo Arbarello e Sebastiano Di Bella - - scene e costumi di Annelise Zaccheria; disegno luci di Giorgio Cervesi Ripa; suono di Franco Visioli

Avendo ancora davanti agli occhi l’ancestrale, animalesca, potentissima femminilità della Medea con cui Antonio Latella, regista italiano leader della ricerca contemporanea, ha ottenuto il prestigioso Premio Ubu 2007 come Miglior Spettacolo, l’enorme statua nuda che campeggia al centro del palcoscenico del suo Le lacrime amare di Petra Von Kant acquista ancora più forza scenica. Come se i due lavori, molto vicini nel tempo di realizzazione, partecipassero non solo della stessa tematica, il femminile tragico, ma anche dello stesso corpo di donna, prima o dopo Cristo sempre fatto di carne, seni, lacrime. In questa sua fatica teatrale, già da due anni in tournè con un grande successo di pubblico e critica, il regista napoletano umbro d’adozione ha di nuovo spogliato il femminino, messo a nudo le sue relazioni e la sua identità, liberandolo dai vezzi e dalle crinoline sociali e culturali, facendo emergere le complicazioni economiche, di classe, di status implicate in ogni rapporto. E lo ha fatto grazie ad un soggetto creato più di vent’anni fa dal genio tormentato di Fassbinder, cineasta tedesco che fece dell’omosessualità e dei rapporti amorosi in contesti capitalisti la tematica più ricorrente dei suoi capolavori. Tutto inizia, si diceva, con la scena aperta in cui campeggia al centro la mastodontica e realistica riproduzione di Karin, l’oggetto del desiderio frustrato di Petra Von Kant, nuda, ieratica come solo certe statue doriche di divinità olimpiche riescono ad essere. Ai suoi piedi si snoda la storia, si intrecciano i destini, si ingarbugliano le relazioni fra cinque donne, in una dolorosa escalation di isteria e solitudine. Tra il bianco ed il nero dei minimali costumi di scena, a segnare di volta in volta lo stato di un personaggio, a ricordare ad ogni momento che non c’è spazio per i grigi, non c’è soluzione di colore intermedio in queste drammatiche relazioni tra amanti. L’algida e dura protagonista del dramma, Petra Von Kant, interpretata dalla straordinaria, sofisticata, dosata Laura Marinoni, è da poco uscita dall’ennesima delusione affettiva, dal secondo matrimonio fallito e cerca nella bella e giovane Karin, anch’essa priva di riferimenti maschili solidi nella propria vita, un appiglio, una speranza, un possesso. A costo di legarla a sé solo economicamente, Petra si spende per Karin fino alla follia, all’alcolismo, ottenendo in cambio solo poche e sfuggevoli parole di apprezzamento. Testimone muta, servizievole e palesemente adorante della drammatica e penosa situazione è Marlene, segretaria assistente di Petra, oggetto di vessazioni e occhiate furtive. Sullo sfondo del dramma le ombre dei protagonisti, di figure stilizzate, di oggetti, creati con un mirabile effetto visivo da Massimo Arbarello e Sebastiano Di Bella. Le altre figure femminili sono iconografie, simboli di ruoli che ruotano attorno alla vita di Petra senza poterla veramente penetrare: la figlia è una bambola meccanica parlante di cui Petra non si è mai curata, cresciuta in collegio, trascurata, un giocattolo che non diverte più, che non fa più le bolle di un tempo ma si permette di dire frasi sensate; la madre è un belletto, una ciglia finta, una piuma, la summa della bellezza invecchiata e aggrappata con le unghie finte agli splendori di un tempo; l’amica è un pretesto, un personaggio borghese e appiattito, una donna media che non vede al di là della tesa del suo ampio e bianco copricapo. Eppure c’è in loro un barlume di affetto, che Petra acceccata dall’ossessione per Karin non riesce a scorgere. L’ingombrante femminilità di Karin nella vita di Petra ed in scena (la statua occupa in altezza e in larghezza buona parte dello spazio scenico) è però destinata a finire, smantellata e fatta a pezzi dalla stessa Marlene: cala il fondale e si svelano le quinte e con esse molti dei dolori profondi di una donna come Petra; si corica la statua e la si smembra pezzo a pezzo, cercando di disinnescare il tormento, di smantellarne la forza. L’unica possibile conclusione è il pianto, l’abbandono al dolore: piange Petra rimasta sola; piange Marlene a cui finalmente l’amata si rivolge; piange il fondale, dove piccole figurine stilizzate si bagnano delle lacrime amare di Petra Von Kant.

TRUNCH : THEATRE AND BRUNCH AL TEATRO DUE

2008-03-08T07:47:00.000-05:00

C’è aria di primavera ormai, timida, tiepida e luminosa. Ed il Teatro Due anche quest’anno le apre porte e finestre, la fa salire con il numeroso pubblico al secondo piano e la invita a celebrare un felice rito domenicale che si ripete da qualche tempo con gusto scenico e spirito conviviale. Sono ricominiciati con successo i brunch del mezzogiorno (La domenica a Teatro Due - A colazione con gli autori dell’800 e del ‘900), appuntamenti festivi che combinano letture elevate, interpretazioni attente ed una colazione all’inglese, tardiva ma sostanziosa. Il primo appuntamento della serie, Prigionieri delle parole, è stato dedicato al genio gotico ed orrorifico di Edgar Allan Poe in una combinazione di tre celebri ed inquietanti racconti, accompagnati dalle proiezioni delle versioni cinematografiche ed interpretati con intensità da Ilenia Caleo, Mariano Pirrello, Tania Rocchetta e Lino Guanciale. La cura scenica di Claudio Longhi, acuto e leggero nel dare un tocco corale all’evento, ha disposto il pubblico intorno ai leggii ed ad un antico pianoforte, creando un ambiente raccolto ed antico, oscurando lo spazio e sfruttandolo a pieno. “Ascolta”, hanno ripetuto le voci di Poe, usando parole che “si conficcano nella testa come su un puntaspilli”, sinestetiche nella loro capacità evocativa. Fino a che gli sguardi sardonici e magnetici, i moti di spirito ed i tremori hanno lasciato il posto ad un collettivo sorriso, intrattenibile con le note di Cuore matto. Piacevole “conclusione a buffet”: mangiando, bevendo, chiacchierando con i protagonisti e scambiandosi pensieri si gusta anche la leggera primavera teatrale e si assapora la sua forza sociale, intellettuale.

SILVANI SI NASCE

2008-03-08T07:44:00.000-05:00

TITOLO: Signorina Silvani … SIGNORA, prego!!
DI: Anna Mazzamauro
CON: Anna Mazzamauro, Pino Caronia, Stefano Di Sturco, Domenico De Santi
REGIA: Pino Strabioli
SCENE: Giulia De Mari
COSTUMI: Antonio Ventura
MUSICHE ORIGINALI: Pino Caronia
PRODUZIONE: Ercole Palmieri
GRADIMENTO: 3 stelle ***

“La bruttezza ha un vantaggio sulla bellezza: dura”. Si condensa così, in un’efficace e tagliente battuta, tutta l’autoironia, la comicità e la forza di un’attrice, Anna Mazzamauro, e del suo più celebre personaggio, la Signorina Silvani. Nell’applaudito e divertente Signorina Silvani … SIGNORA, prego!!, la Mazzamauro ha creato con Strabioli un coinvolgente e straniante gioco di specchi pirandelliano, in cui la vita della maschera s’intreccia con quella dell’interprete, le qualità e i difetti dell’una si sovrappongono a quelli dell’altra, i piani del reale e della finzione scenica si confondono fino a sparire. Un recital che con sincera e sboccata romanità attraversa la vita della donna dei sogni del Ragioner Fantozzi e inevitabilmente offre al pubblico anche i ricordi, i pensieri, gli episodi della carriera della Mazzamauro. Parlando del corpo, dell’estetica, del tempo che passa, della morte, dell’amore; ridendo di gusto e commuovendosi un pochino, con la leggerezza e la caustica verve che hanno permesso all’attrice di sopravvivere al “gioco al massacro” di sé stessa a cui spesso il suo personaggio l’ha obbligata a partecipare. Canta e danza la Mazzamauro, accompagnata in scena da tre musicisti che con lei interagiscono e muovono le poliedriche scenografie: arie conosciute ed altre originali le permettono di sfoggiare il proprio multiforme registro vocale, infondendo al monologo, forse a tratti un po’ dispersivo, lo slancio e l’intensità che certi passaggi comici lasciano scivolare via. In un’atmosfera poetica e retrò, che raccoglie le atmosfere anni ’70 del cinema di Luciano Salce e Neri Parenti, storici registi della saga fantozziana, la Signorina Silvani incontra uomini, s’imbelletta, prega… Non ha un nome di battesimo, lei, non ne ha mai avuto bisogno, ma è un personaggio a tutto tondo, capace di portare al successo la sua interprete, di donarle notorietà e persino di purificarla. La Silvani è la coscienza sporca della Mazzamauro, è “l’orrendezza” femminile che ci fa sentire bene, è il lato comico della malinconia, è il potere della risata sulla sfortuna… Voleva essere Rossella O’Hara la Mazzamauro, e invece… invece, Signorina Silvani si nasce, e lei modestamente la nacque.

MY ARM - HARMFUL DEVICES

2008-02-26T17:32:00.002-05:00

Incredibile la forza della mente umana. Incredibile la sua volontà. Ed incredibile, curiosa ed affascinate la storia di un ragazzo che per quasi 30 anni decide di tenere il suo braccio sollevato. Inebriato e soddisfatto dal piacere di poter controllare il proprio corpo. Onanismo e masochismo, il godimento dell'automanipolazione e del dolore. Storia scenicamente fertile. Ma. Ci sono molti ma nello spettacolo dell'Accademia degli Artefatti. Il primo riguarda la scelta di chiamare il progetto artsitico Ab-Uso. Almeno che non si colga il termine nella sua accezione di "mal utilizzato" o "sovra-utilizzato", allora ne convengo che il video, i microfoni, le musiche, i rumori ed in generale tutti i dispositivi scenici sono in questo caso abusati. Il secondo ma riguarda il lavoro interpretativo, in cui la meta-teatralità sfilacciata e la quotidianità sforzata privano il protagonista, se pur credibile a tratti, se pur piacevole a momenti, della forza magnetica necessaria per "tenere la scena". Non che ci si annoi. No, la storia fila, corre ed il video sullo sfondo è in un dialogo ed in un'interazione interessanti con l'attore sul palco. Non ci si annoia ma spesso si perde il gusto. Si perde la magia, si perdono i mondi che vengono aperti e poi richiusi così, senza il tempo di esplorarli. Si usano meccanismi ed effetti che poi cadono in pochi secondi, che in un attimo vengono messi da parte e perdono efficacia. Ecco inizia qualcosa di affascinante; ecco tutto viene riportato con uno strappo alla dimensione colloquiale, casuale dell'inizio. Peccato di nuovo perchè bel racconto e bell'entusiamo, bella energia e originale soggetto. Ma. Regia contemporanea per regia contemporanea allora tanto valeva giocarsela che so magari sul vuoto, sul caso, sull'assenza. Su qualsiasi cosa che non fosse una telecamera a 1 metro da me che riprende delle cose, non caricate di senso, ad 1 metro da me e proiettate in uno schermo ad un metro da me. Come dire, ho tutto lì ma per forza devo costruirci su un'impalcatura complicatissima per ottenere il risultato di avere tutto lì. In parole povere.

VOGLIO SCENDERE

2008-02-16T12:21:00.001-05:00

Immagino che molti lettori della Gazzetta vadano allo stadio, siano tifosi od almeno s’interessino di calcio. E’ a loro che desidero scrivere i miei pensieri in questo freddo pomeriggio di anticipo di campionato. Con rabbia e chiamando le cose con il loro nome. A loro voglio raccontare del mio viaggio in treno Milano-Parma, un’ora e quarantacinque minuti passati in un vagone nebbioso e devastato in compagnia di una fauna maschile nera e rossa, inconfondibilmente milanista ed insindacabilmente detestabile. Potrei buttarla sul divertente, descrivendo in modo ironico e sagace di come tossicchiavo di fianco ad un giovane coperto di croci celtiche che si faceva una canna abbozzandomi un mezzo sorriso ammiccante, o di come cortesemente declinavo l’invito di un ubriaco di mezza età, che aveva nelle vene sambuca molinari e qualche globulo rosso, ad alzarmi per inneggiare alla squadra ed a non so quale giocatore battendo le mani come facevo all’asilo. Potrei. Ma la questione è molto più seria ed ampia del mio rocambolesco viaggio in treno e voglia di ridere su questo non ne ho più. Non si tratta dei miei polmoni, delle mie orecchie, della mia tranquillità mentre viaggio (pagando). Si tratta di soldi, molti, si tratta di civiltà, nulla, di legalità, impossibile, e di politica, sporca. Così il ragionamento che vi porto, tifosi o ultrà o simpatizzanti, deve cominciare con il pensiero di Marco Travaglio, che ieri sera ospite del Teatro Due in due ore di limpido e geniale eloquio, ha più volte sottolineato come in Itala il livello di sopportazione, la soglia di accettazione di soprusi, angherie, illegalità e rifiuti solidi urbani si sia negli ultimi anni drasticamente abbassata. E’ vero. Infatti siamo costretti ad accettare che la città sia blindata una volta a settimana, a costi altissimi in termini di denaro pubblico e civiltà. La domanda è: perché io, in quanto cittadina, contribuente, passeggera, utente o quant’altro, devo non solo accettare ma persino finanziare questa situazione? Se io andando a teatro a Milano mi accendessi una sigaretta nel vagone credo che giustamente sarei multata. Se scendessi con altri diciamo 40 amici in centrale non credo che troverei dei pullman speciali per raggiungere il Piccolo, tanto meno offerti dallo stato. Non credo neanche che alcune strade sarebbero pedonalizzate per l’occasione. Non credo che potrei insultare le persone in stazione, gettare improperi contro razze, città, paesi, nazioni, professioni e altri attori. No. Non potrei, non posso. Allora, perché accade che, nell’ordine, una mandria di gente incivile fumi sul mio treno (io ho pagato, loro no), che una mandria di gente incivile arrivi allo stadio con un pullman privato (io salgo sull’autobus e pago, loro no), che una mandria di gente incivile devi il traffico di alcune importanti strade cittadine, che una mandria di gente incivile insulti il cinese a fianco a me, che una mandria di gente incivile demolisca il soffitto del treno, urlando che la moglie di Raciti è milionaria, quando è tragicamente vedova? PERCHE’ QUESTA MASSA ANIMALESCA, DEPRAVATA E COMPLETAMENTE PRIVA DI UNA MENTE PENSANTE E’ TUTELATA, SOVVENZIONATA, AGEVOLATA NELL’ESPRESSIONE ODIOSA DELLA PROPRIA IGNORANZA ED INCIVILTA’? PERCHE’ IN TUTTO QUESTO IN PIU’ DEVONO ESSERE SCHIACCIATI I MIEI DIRITTI E QUELLI DI TUTTI GLI ALTRI CITTADINI? PERCHE’ ALLO STADIO SUCCEDE DI TUTTO, SI DICE DI TUTTO, ENTRA DI TUTTO, MUOIONO LE PERSONE, IL SISTEMA E’ AL COLLASSO, LA CORRUZIONE DILAGA E NON C’E’ UN POLITICO CHE ABBIA IL CORAGGIO E LA CORENZA DI DIRE BASTA? PERCHE’, ANCORA PIU’ GRAVE, NON C’E’ UN CITTADINO CHE SI ALZI E DICA BASTA MENTRE VENGONO CALPESTATI I SUOI DIRITTI FONDAMENTALI, LE LEGGI FONDAMENTALI DEL VIVERE IN SOCIETA’ E QUELLE AMMINISTRATIVE, PENALI E PERSINO COSTITUZIONALI? Ecco io oggi sento che come cittadina devo fare qualcosa. Scrivere a voi e invitarvi a riflettere. La risposta alle domande che mi sono posta è banale. Tristemente banale come tutte le risposte cruciali in questo paese amaramente abbandonato alla sopportazione, alla rinuncia, all’indolenza. La risposta sono i soldi. I soldi delle grandi aziende che possiedono le squadre, i soldi dell’ex- e forse futuro (Dio non voglia) presidente del consiglio, ma anche di molti altri industriali italiani e non. I soldi ovviamente. E così quello che rimane a me ed ai poveracci che come me che salgono sui treni sereni e ne scendono imbufaliti, è gridare VOGLIO SCENDERE. Che è anche il nome del blog di Marco Travaglio, che dell’Italia purtroppo ha capito quasi tutto.

ARTEFATTI ARTIFICI MALEFICI MALEFATTE

2008-02-12T18:02:00.003-05:00

Da quando dire cose sconnesse, senza un filo logico, sensa un senso, senza un orizzonte vago di significato è contemporaneo, illuminante, teatralmente interessante e importante? Da mai. Infatti non lo è. E i cinque pezzi facili di Martin Crimp scenicamente interpretati da Arcuri con gli attori dell'Accademia degli Artefatti sono un lampante e "luminoso" esempio di cosa un testo teatrale non riesca a fare pur volendolo, fortissimamente volendolo. E di come un attore, se pur bravo, possa farsi trascinare da un testo in una non interpretazione. Una lunga, interminabile, sequenza di tic e faccette. Non so voi, ma io quando sono in imbarazzo, perplessa, sconcertata o in attesa non scuoto la testa, mi gratto, mi muovo sulla sedia in continuazione. La non comunicazione, l'incomunicabilità sono terreno fertile se attraversano orizzonti inattesi, se portate al parossismo, al tragico o al comico, non se lasciatate macerare nelle ripetizione e nella sospensione. Uno spettacolo dove tutto rimane in luce, sempre, dove non si crea mai una zona d'ombra, di senso certo non di luogo, che potrebbe creare la fascinazione perseguita. Un spettacolo in cui quando c'è silenzio speri solo che uno dei 3 attori dica qualcosa e quando poi finalmente qualcuno attacca con la sua battutta speri solo che finisca presto e si ritorni al meritato silenzio. Peccato perchè la capacità interpretativa e la presenza di Arcuri e Croci avevano il loro fascino. Peccato perchè Angius aveva un bel ruolo tra i due. Peccato perchè i premi Ubu di solito sono abbastanza consistenti. Peccato.

PIU' PORCI DELPORCO

2008-02-08T06:41:00.001-05:00

Pirandello avrebbe, credo, amato l’allestimento del suo racconto e testo teatrale La Sagra del Signore della Nave, realizzato da Vincenzo Pirrotta, andato in scena al Teatro Due lo scorso novembre. Lo avrebbe amato per due motivi, gli stessi che hanno entusiasmato il pubblico in sala: perché spettacolo corale fatto d’individualità forti e carismatiche, e perché capace di creare una dimensione grottesca, onirica e primordiale che non tradisce ma anzi esalta il senso del testo. Ai piedi di una chiesa, più che altro una piramide azteca; in una piazzetta di paese nell’agrigentino, spazio sacro, tribale, totemico, decorato da ex-voto, feticci di stracci e corda; in un tempo indefinito, che ha dettagli novecenteschi, medioevali ed ancora primordiali; in una Sicilia in cui il dialetto è lingua, espressione intensa dello spirito del suo popolo…in tutto questo si muovono, cantano, danzano, dialogano i personaggi surreali diretti da Pirrotta. Triviali e clowneschi, sguaiatamente popolani, dandy o arricchiti, macellai, marinai, medici, avvocati e notai, allevatori, ciascuno a suo modo si confronta con domande elevate sulla natura animale e su quella umana, sul sacro e sul profano, sul valore dell’immolazione. Al centro, alternativamente, il maiale, vittima della scanna novembrina ed il Cristo, Signore della Nave, sacrificatosi anch’egli per pascere l’umanità tutta: il sacro e il profano che si sovrappongono, la bestialità e la natura animale dell’uomo che emergono con forza nella vita sociale, si scontrano e si ricompongono. Ed è così che in croce si trova inchiodato un suino squartato e scuoiato, ed è così che in processione su una lettiga viene portato un piatto di spaghetti al sugo, così che le litanie di preghiera vengono recitate intorno alla testa del porco. Di questo spettacolo colpisce la cura dei dettagli, la creazione densa e intensa di un immaginario, di uno spazio-tempo in cui tutto, dai costumi eccezionali, alle musiche dal vivo vincitrici degli Olimpici del Teatro 2006, alle scenografie ed alle prove attoriche di valore, contribuisce con coerenza ed efficacia e generare quel senso di eccesso, esasperazione, amplificazione, “effervescenza sociale” a cui i sopiti sensi contemporanei non sono più molto abituati ad assistere, per lo meno dal vivo. Visioni e personaggi che sono opere di Botero, che sono scene di antica Commedia dell’Arte, che sono composizioni di Bosch, maschere apotropaiche fenice, danze tradizionali…scene di una tribalità che assumma qualunque archetipo accumulabile, intorno a un Cristo “Che più Cristo di così non lo si poteva fare”. Di questo testo, purtroppo raramente frequentato, colpisce e affascina l’incredibile capacità di sollevare questioni e domande di portata millenaria ed universale, senza mai esplicitarle e tradirle con banale moralizzazione. Dalla discussione sulla superiorità dell’uomo sul maiale, sul proprium umano e su quello animale, Pirandello porta la riflessione a toccare temi come l’opulenza della società borghese, la bestialità umana davanti ai propri bisogni primari, la distinzione a volte labile tra sacro e profano (diade, secondo Durckheim, all’origine del concetto stesso di religione), il senso e il ruolo universali del capro espiatorio e della vittima sacrificale (cardine delle società e necessario momento di violenza espressa, secondo Renè Girard).
Una vera “lezione d’umanità” a noi “tutti più porci dei porci”, in cui s’apprendono e si riconosco i limiti della nostra specie “imbestiata”, godendone a tratti, più spesso vergognandosene. Si esce dalla sala almeno sollevati dalla consapevolezza che ci sia fra noi qualcuno capace d’arte, d’intelligenza e in grado di riconoscere e mostrarci i falsi dei a cui incoscienti ci prostriamo.

LEGITTIMA DIFESA

2008-02-08T06:40:00.001-05:00

Al Teatro Due Fausto Paravidino porta la sua piece sui fatti di Genova 01.

A Genova 01 io non ci sono stata, Paravidino neanche; vi ho assistito però, e lui era in scena, lo scorso febbraio in un’anteprima al Teatro Due, mentre in contemporanea nell’altra sala Pirandello velava di nero la Verità, inconoscibile. Lo spettacolo replicherà per il pubblico dall’1 all’11 marzo, sempre al Teatro Due. Genova 01 è come Così è (se vi pare) un testo sulla Verità, e sulla sua natura, scritto 4 anni fa da Fausto Paravidino (che oggi oltre a recitarvi ne firma anche la direzione), commissionatogli dal Royal Court di Londra e nel tempo modificato di poco, solo aggiornato secondo le novità processuali ormai archiviate. Genova 01 è uno spettacolo su dei fatti, tragici ma dei fatti, su di un evento reale e recente: il G8 svoltosi a Genova nel 2001 e gli accadimenti contestuali di Piazza Alimonda, della scuola Diaz e della caserma di Bolzaneto, con i loro numeri, le loro cronache, fotografate, testimoniate, filmate, verbalizzate. Non c’è possibilità di rappresentazione di un evento che fu in sé una rappresentazione, afferma Paravidino, e così la struttura drammatugica, articolata in 4 atti ed un prologo, secondo i canoni classici della tragedia e secondo la scansione temporale degli avvenimenti di Genova, accoglie un’azione prosciugata da qualunque possibile mimesi, trascinante grazie alla sola forza dello sconcerto. Le parole, quasi una raccolta di Ansa, brevi, taglienti, precise, lucide e assolutamente inoppugnabili, sono dette non recitate da attori che non interpretano personaggi ma che si fanno solo tramite, voce e corpo neutro. La scena è scarna, riempita dal potere evocativo del testo; da musiche a volta farsesche a volte intensamente sacrali; da pochi e significativi oggetti che caratterizzano immediatamente chi li porta, li indossa, li brandisce; da un filo di panni stesi, la biancheria dei genovesi messa ad asciugare in aperta contestazione con le direttive che durante quella giornata volevano Genova un luogo di impeccabile arte, ordine, pulizia. L’unico spazio estetico, poetico, è conservato nella sintesi operata sull’enorme mole di materiale di documentazione utilizzato, nella condensazione efficace di informazioni ed immagini (mentali non sceniche). Un teatro civile coraggioso ed emozionante, un teatro epico brechtiano e documentaristico che lascia ed anzi impone al pubblico la consapevolezza, la certezza, che tutto accadde, che nulla fu per finta. “Lo stupore si trasforma in indignazione, l’indignazione in sofferenza, la sofferenza in esigenza di comunicazione, di rappresentazione, di testimonianza” dice Paravidino. Il tono dell’indignazione e della sofferenza emerge spesso, ma la tensione è a tratti alleviata da un’ironia amara, da una critica e da un sarcasmo che portano alla luce lo stupore per le contraddizioni, i paradossi, le evidenti storture dei sistemi giudiziario e politico italiani e soprattutto delle forze armate. Ad ogni spettacolo segue un incontro con i protagonisti degli avvenimenti e della scena politica e mediatica legati a quei fatti a vario titolo e in vario modo; un momento integrante, partecipativo e necessario al precedente scenico, entrambi tesi a scandagliare dei perché diversi dalla ufficiale legittima difesa.

Distorsioni molieriane

2008-02-08T06:37:00.000-05:00

Il genio di Moliere non ha tempo: le sue verità sull’uomo e le sue trovate comiche sono rimaste dopo 400 anni cristalline e intatte; secoli di rappresentazioni hanno portato in scena ancora ed ancora i suoi personaggi e le sue situazioni con slanci e dimensioni inaspettati. La regia che Arturo Cirillo firma de Le Intellettuli, sulla brillante riscrittura di Cesare Garboli, vista lo scorso 17 aprile al Teatro Ariosto di Reggio Emilia, è più che una conferma del genio molieriano: ne è un’esaltazione ed insieme un quasi superamento. Specchio dei tempi, passati e presenti, che rimanda un’immagine grottesca ma terribilmente reale (altrimenti non se ne riderebbe così) dei modi affettati e pretenziosi di certi salotti intelligenti e coltivati, in cui un “comunque” può divenire chiave di volta poetica nel nulla e nella miseria intellettuali che lo circondano. Perché “la cultura è l’humus dove fioriscono gli idioti”. Ed a corte (leggi governo, leggi sistema politico) l’idiozia e la stupidità sono decisamente benviste e benvolute; l’ignoranza è perentoriamente interesse di stato. Poco è cambiato, se non nei mezzi. La scena si presenta lucida e contornata da specchi deformanti, o riflettenti una realtà deformata, a terra in corso d’opera si accumulano sputi e residui; qui i personaggi ed i loro straordinari interpreti, tutti bravissimi e tutti intonati, si muovono addobbati di enormi e buffe parrucche, ampi e farseschi abiti, di gesti energici, precisi ed enfatici. La trama è “semplice” e pretestuosa: la schermaglia amorosa, il contrasto tra uomo e donna, donna e società, tra anima e corpo, tra elevazione spirituale e soddisfazione carnale, tra amore ed interesse, tra profondità intellettuale e pura attitudine intellettualoide. Il risultato però è complesso. Gustosamente complesso; con quel sapore ironico, sguaiato, verace molto partenopeo tipico del regista e della sua compagnia. Dalla servetta che con energia riscatta le sue inattitudini linguistiche alla zia/o mitomane, dal marito pusillanime al corteggiatore-poeta impostore, dalla sorella colta a quella da marito, dalla madre despota e letterata al pretendente di buon cuore…tutti concertano, dialogano e monologano con una recitazione sopra le righe ma mai fuori dalle righe, con dei modi paradossali ma mai assurdi, con un dosaggio preciso di elementi farseschi e momenti seri, con dei tempi e ritmi comici quasi geometrici. Di teatro di testo, di parola, classico e narrativo se ne andrebbe a vedere molto di più, e non ci sarebbe bisogno di artifici scenici d’effetto, di laser, schermi, rumori assordanti, di una ricerca e di una sperimentazione ossessive e inoffensive se ci fossero più possibilità di assistere a spettacoli come questo. Peccato solo per uno dei versi: “Le donne di oggi vogliono addirittura scrivere!”

L’AMORE BUONO DEI RAGAZZI DI NAIROBI, DI BALIANI, DI AMREF E DEL TEATRO DELLE BRICIOLE

2008-02-08T06:35:00.002-05:00

“Quando la povertà entra dalla porta, l’amore scappa dalla finestra”. Questa scritta compare su una parete di mattoni di una casupola di Nairobi. A raccontarlo è Marco Baliani, regista ed attore italiano, a recitarlo è un giovane africano di Nairobi. E’ la verità. E’ vero che esiste questa scritta, è vero che nella miseria non c’è spazio per nessun sentimento. Ci ricorda che ci sono luoghi nel mondo in cui la vita è completamente un’altra cosa. Luoghi in cui l’Amore è un’altra cosa, in cui il Teatro è un’altra cosa. Nella baraccopoli di Nairobi il Teatro è sollievo, salvezza, è una casa ed una famiglia, una speranza e un mezzo di comunicazione e solidarietà; ma è anche divertimento, socializzazione, espressione e incontro, esattamente come qui da noi. Nella baraccopoli di Nairobi c’è Amore e amore, c’è un Amore Buono e tragicamente uno cattivo: c’è un amore buono protetto, che non uccide, fatto con desiderio, rispetto e Tempo, ma che scappa dalla finestra... E c’è un amore cattivo, che priva delle difese immunitarie, della vita, che è violenza, fretta, prepotenza e portato dalla miseria entra in tutte le case. Anche da noi però quello stesso amore cattivo, se pur con numeri meno elevati, affligge numerosi sieropositivi.
L’Amore Buono – Una Ballata ai Tempi dell’Aids ha girato l’Italia in tour per tutto il mese di dicembre 2006: è uno spettacolo che parla di tutto questo, della vita a Nairobi, degli amori da proteggere, del teatro in una baraccopoli, anch’esso da proteggere, della tragedia della strada per migliaia di ragazzi africani, della speranza possibile per tutti i sieropositivi d’Africa (il 70 % del totale), e del mondo intero. Gli attori, danzatori, cantanti e i creatori del progetto sono ragazzi che vivono quotidianamente contornati dall’amore cattivo, che ne sono vittime direttamente od indirettamente; sono ragazzi che hanno trovato nel teatro, in Marco Baliani e nel progetto di AMREF Italia nella capitale keniota (Sconfiggere l’AIDS con il Teatro), una possibilità di salvezza ed accoglienza. Insieme al Teatro delle Briciole, con la straordinaria partecipazione di Paolo Fresu, musicista italiano di fama mondiale, di Mirto Baliani, anch’egli musicista e autore delle basi musicali dello spettacolo, e di Sonia Peana, violinista che nello spettacolo interpreta le sonorità rap e hip hop con uno strumento del 1803, Baliani ha costruito uno spettacolo con i ragazzi di strada che parli prima di tutto ai ragazzi di strada, che racconti a tutti l’Africa, le sue piaghe, che sono anche le nostre. “Penso che debba essere uno spettacolo per altri ragazzi come loro – ha detto Baliani - per tutti i giovani, perché l'Aids non è un problema che riguarda solo l'Africa. Il messaggio è che l'Aids non è una colpa ma una malattia, e come tale può essere curata e prevenuta”. Lo spettacolo ha debuttato a Roma il 1 dicembre al Teatro Vascello nell’ambito della Giornata Mondiale della lotta all’Aids, ed ha poi proseguito in altre città italiane, Genova, Parma, Prato, Fiorenzuola, Alcamo. Tutti i fondi raccolti sono stati destinati a sostenere i progetti per l’infanzia di AMREF.
Questo straordinario percorso ha portato gli artisti e i ragazzi coinvolti alla realizzazione di uno spettacolo dai toni grotteschi, a volte tragici a volte ironici, con un linguaggio divertito e divertente ma serio, che tratta temi delicati senza ipocrisie. La prevenzione, l’uso dei preservativi, la violenza e la discriminazione sessuale, la sieropositività, le lobbies farmaceutiche che impediscono un’adeguata distribuzione di farmaci anti-Hiv. La conoscenza di questi problemi e dei modi per prevenirli ha trovato nel teatro uno strumento di diffusione formidabile, per la forza delle immagini e di un linguaggio diretto e creativo. Lo spettacolo deve essere pensato soprattutto nel contesto africano. La versione per le scene italiane pur mantenendo la lingua originale, inglese e swaili con sovrattitoli, ha un finale e qualche scene differenti, perché differente è il pubblico a cui si rivolge. Su un palcoscenico africano è forse la prima volta che si vedono delle giovani donne, ragazzine nei canoni di crescita europei, che spiegano al pubblico come indossare un condom, i suoi benefici, la sua necessità. E’ la prima volta che una ragazza scende dal palco, ti racconta la sua storia tragica di morte e sofferenza legata al virus dell’HIV e ti regala infine un profilattico invitandoti ad usarlo alla prima occasione. Questo fanno le giovani attrici dell’Amore Buono: sfidano le ipocrisie, le ignoranze, i falsi miti e le perverse relazioni maschio-femmina da cui sono contornate. Sì, perché se lui estrae un profilattico allora significa che è infetto…se lo estrae lei allora è certamente una prostituta…sai che se fai l’amore con una vergine il virus ti abbandona? Sai che se spruzzi del limone sul pene dopo l’eiaculazione non contrai il virus? E’ contro queste dicerie, contro la fretta, l’incuranza, la rapina, la violenza che questi ragazzi combattono.
Il dramma dell’aids in Africa è la morte degli infetti, la solitudine dei parenti, dei figli, è il dramma e l’aridità di una società senza “cinghia di trasmissione”, senza anziani, senza saggezza, senza nessuno che raggiunga, sano, l’età dell’esperienza, che possa trasmettere tradizioni e saperi. Il percorso artistico ha aiutato i ragazzi a riscoprire un’infanzia negata, a vivere in una nuova famiglia, col sostegno materiale e psicologico degli esperti di AMREF, ad acquisire consapevolezza. Marco Baliani ha scritto un libro sull’esperienza dal titolo L’amore fra i ragazzi di strada di Nairobi in cui racconta il progetto teatrale, esplorando con sincerità e verità l’universo amoroso degli slum, la presenza e il terrore dell’Aids. Dalle pagine risuonano le voci di questi ragazzi e ragazze, ma il libro è anche un viaggio in un’Africa sconosciuta, bella e terribile, di un padre con suo figlio (Mirto): nel nord dell’Uganda tra i bambini soldato, nel sud del Sudan, dentro la Rift Valley. Il libro è pubblicato da Rizzoli, che di Baliani ha edito anche Corpo di Stato. Il delitto Moro (2003), Nel regno di Acilia (2004) e Pinocchio nero (2005), la cronaca del primo spettacolo realizzato con i ragazzi di strada di Nairobi. Proprio il successo europeo del meraviglioso Pinocchio Nero, in tour da due anni, ha dato ulteriore spinta e possibilità di diffusione del progetto sull’aids.
Al momento anche Letizia Quintavalla e Maria Maglietta sono impegnate in Africa con Amref in due nuovi progetti teatrali. Donne e Diritti è seguito da Letizia Quintavalla, che con un gruppo di bambine e adolescenti africane dal giugno scorso lavora al loro recupero ed alla loro espressione artistica. Lo si pensa incentrato sul canto ed i canoni della cultura musicale europea, mentre la drammaturgia dovrebbe essere il frutto della collaborazione con autori kenioti. Le ragazze coinvolte vivono situazioni drammatiche, in un ambiente dove la violenza sessuale è la normalità, dove la condizione della donna è segnata da assoluta mancanza di diritti. Dar voce all’immaginario nero è invece il viaggio nella fiaba africana di Maria Maglietta. L’obiettivo è restituire al pubblico ed all’Africa un pezzo del suo ricchissimo patrimonio narrativo spesso sconosciuto. Centrale sarà l’uso di maschere, di segni e del linguaggio della danza, con la partecipazione al workshop del danzatore di contact Piero Leccese.
La scelta di tutti questi artisti è certo ammirevole. Ma il punto come sempre in questi casi non è la lode, l’apologia, la santificazione. Il punto è capire lo scambio, i motivi professionali ed umani. In un incontro all’Università di Parma in occasione della replica al Teatro al Parco, Marco Baliani ha parlato del perché. Perché un attore e regista affermato decida o senta di dover lasciare tutto e di portarsi in Africa? La risposta può sembrare scontata ma il coraggio di ammetterla non lo è per nulla: nella miseria totale Baliani racconta di aver trovato il contatto con la sua arte, la necessità, l’importanza della sua professionalità artistica, il motivo del suo lavoro. Il Teatro povero in Italia, e in generale in occidente, è sempre stato e sempre rimarrà un teatro ideologico, perché povero un po’ per necessità ma soprattutto un po’ per scelta, in contrasto ad un altro settore di teatro, ricco e borghesemente felice di esserlo. In Africa il teatro è povero e basta. E’ povero perché non c’è altra alcuna, minima possibilità che esista un teatro diverso, per ora. E quando togli tutta la sovrastruttura, lavori sul nucleo, sui fondamenti della tua arte: ne riscopri il bisogno, quello che ne hai tu e quello che ne hanno gli altri e ti rendi capace, con fatica volontà e soddisfazione, di rispondere ad entrambi.
Il prossimo appuntamento con i ragazzi dell’Amore Buono sarà a Nairobi in gennaio: al Social Forum del 2007 porteranno il loro teatro, le loro esperienze e testimonianze. Con la speranza che la necessità del teatro sia una risposta per altri ragazzi come loro.

L’onlus AMREF è nata nel 1957 come una piccola fondazione con base a Nairobi, trasformandosi nel tempo in un’organizzazione di carattere internazionale, un fondamentale punto di riferimento per la salute e lo sviluppo dell’Africa Orientale. Lo staff è composto al 95% da professionisti africani, medici, esperti sanitari, educatori, formatori, assistenti sociali e ingegneri, che lavorano a stretto contatto con le comunità beneficiarie dei progetti. L’impegno contro l’Aids è presente in tutti i progetti, con programmi di educazione sanitaria e prevenzione, test dell’HIV nelle baraccopoli, operatori sociali per aiutare i sieropositivi discriminati dalla società. Dal 1998 è attivo il centro AMREF di Dagoretti, nei sobborghi di Nairobi, per l’accoglienza e il recupero dei ragazzi di strada. I laboratori teatrali sono uno dei tanti strumenti utilizzati dagli operatori sociali per il reinserimento dei ragazzi nella società. I soldi raccolti con la produzione teatrale saranno finanziamenti fondamentali per il nuovo centro in costruzione nella periferia di Nairobi, dove la comunità locale, ripete spesso Marco Baliani con orgoglio, ha chiesto come prima cosa di costruire un teatro. Per informazioni, approfondimenti, donazioni www.amref.it
CONDOM SENSE

E’ così, usa “condom sense”
Per proteggerti dal virus assassino.
Sì, usa usa “condom sense”, usa il profilattico, è il modo giusto.

Joe: Oggi è il giorno, chi dice domani è un bugiardo.
La mia ragazza me l’ha promessa, veramente non posso aspettare;
prima passo dal mio amico Victor a chiedergli d’imprestarmi la casa
ma lui vuole insegnarmi a non fare sesso se non è protetto.

Victor: Come stai? Oggi voglio che tu impari ad usare il condom.
Non voglio che questa storia di giocare carne a carne ti uccida.
Così dobbiamo fare…

Joe: A che serve questa benedizione?
Non sono obbligato ad usare il “gommone”.
Come posso mangiare una caramella con la carta sopra?
Tutto quello che stai dicendo sono sciocchezze, ok?

E’ così, usa “condom sense”
Per proteggerti dal virus assassino.
Sì, usa usa “condom sense”, usa il profilattico, è il modo giusto.

Victor: Perché ti arrabbi così, non ho niente contro di te.
Non voglio vederti infettato.
Puoi mandare giù il tuo orgoglio e ascoltare.
Rimpiangerai quando sarai disperato e malato.

Joe: Ok, fammi vedere, in fretta non voglio perdere tempo.

Victor: Ecco apri il pacchetto prendi il condom.

Joe: Aah, vai piano fammi vedere bene.

Victor: Ok, è necessario essere in erezione, significa essere pronto.
Devi prendere il pacchetto, aprirlo come una busta.
Mettilo dalla parte che ha il buco verso di te e poi fallo scendere.
Così ti proteggi contro le malattie sessualmente trasmissibili e dalle gravidanze non volute.
Hai capito?

Joe: non ancora però comincio ad avere un’idea.

Victor: non c’è problema, nel terzo verso ti spiego tutto.

E’ così, usa “condom sense”
Per proteggerti dal virus assassino.
Sì, usa usa “condom sense”, usa il profilattico, è il modo giusto.

Victor: prendi il palloncino, prendi la busta, ma non hai ancora visto un condom?
Come sta andando ragazzo?
Sai che ci sono alcune cose che non si possono prendere alla leggera?
Comunque è facile, è come mettersi una giacca o un cappello sulla testa.
Come puoi andare a nuotare nel fiume Nyando senza avere il costume da bagno?
Soffriresti. Vuoi morire così presto?

Joe: va bene, ho capito andiamo, non sapevo che fosse così facile da usare.

E’ così, usa “condom sense”
Per proteggerti dal virus assassino.
Sì, usa usa “condom sense”, usa il profilattico, è il modo giusto.

API, SCARABEI E UOMINI VOLANTI

2008-02-08T06:35:00.001-05:00

In un famoso testo degli anni ’80 sulla teoria della performance, Richard Schechner riflette sul proprium teatrale del mondo animale e per farlo analizza e descrive la meravigliosa danza delle api ballerine, un esempio di perfetta sincronia e coordinazione inapprese ma scritte geneticamente nel loro dna. Anni prima, nel 1929, Nicolaj Evreinov aveva pubblicato Il Teatro nella Vita, in cui il regista e teatrologo russo si soffermava sul mondo animale e la sua spettacolarità: le api sono anche qui descritte come creature con una forte vocazione teatrale. Ancor prima, nel 1901, il premio nobel belga Maurice Maeterlinck, anch’egli innamorato della poesia e del simbolismo dei comportamenti di questi insetti, compose un trattato sulla loro vita: La Vie des Abeilles. Oggi, James Thierrée e la sua Compagnie du Hanneton, da lui fondata nel 1998, hanno costruito a partire da un capitolo di questo trattato, precisamente Il massacro dei maschi, uno spettacolo eccezionale che, partendo dal mondo animale arriva a far emergere l’innata teatralità dell’uomo e le sue le incredibili potenzialità, nei corpi, nelle percezioni, nelle immaginazioni. La Veille des Abysses ha già toccato molte città europee, ha incantato pubblici di molte nazionalità; il breve tour italiano ha eccezionalmente e significativamente visitato il Teatro Due di Parma ed il Teatro Verdi di Firenze, tenendosi lontano dai centri teatrali più importanti, dai palazzetti dello sport e dai pala-congressi, esprimendo le nuove e grandi potenzialità della “periferia”, lontano soprattutto da quell’espressione del nuovo circo francese (franco-canadese) che spettacolarizza molto e inventa poco.
In scena cinque personaggi in cerca d’autore, un gruppo di eccezionali singolarità artistiche che creano una coralità straordinaria, dei duetti meravigliosi, degli assoli mirabili: Uma Ysamat, soprano spagnolo, capace di un’ironia e una versatilità comicissima; Raphaelle Boitel, giovane contorsionista francese che sembra essere fatta di un materiale non terrestre, sembra non avere resistenze, densità, peso; Thiago Martins, capoeirsta ed acrobata brasiliano che vola e porta il suo corpo nello spazio ignorandone, o meglio dimenticandone, sfidandone gravità, equilibrio e direzioni; il danzatore svedese Niklas Ek, la cui espressività fisica e facciale va molto oltre la parola e la cui naturale ironia è supportata da una tecnica mirabile; James stesso, acrobata e performer, musicista, regista e danzatore, che ha fatto del suo corpo uno strumento di precisione, comicità, emozione in continua, fluida trasformazione. Interpreti fantastici, perché figure di sogno, e bravissimi, alla ricerca di una storia, di una drammaturgia, della loro biografia, costruendo e decostruendo scene, oggetti, corpi. Personaggi in cerca d’autore di pirandelliana memoria, padroni della dimensione meta-teatrale quanto i protagonisti del dramma italiano, tenendosi sempre sul sottile filo dell’ironia, del paradosso, portando in scena sé stessi ma amplificando alla massima potenza il loro essere.
Della lotta delle api iniziale è rimasto apparentemente poco: un anagramma nel titolo e la battaglia contro un nemico invisibile; ma a guardar bene è nella sincronia dei movimenti, nella loro perfezione, nei voli, nelle elevazioni e nei corpi senza scheletro, molli, plasmabili, elastici, che emerge con potenza l’istinto, la naturale ed animale teatralità degli interpreti. Pare che della pesante ossatura umana sia rimasto poco o niente, pare attingano ad un’innata capacità spettacolare che risvegliata, sollecitata e protetta li ha portati direttamente alle profonde comuni radici animali, a quel punto di congiunzione, anche con che le api, lontano, coperto da strati e strati di evoluzione. Il tutto all’interno di una scatola magica, di una dimensione onirica, fatta di barocchi cucù-copricapo, ruote enormi e praticabili, divani mangia-uomini e sedie scivolosissime, pianoforti smontabili, sedie a dondolo, giradischi inceppati... I cinque personaggi mentre cercano se stessi raccontano al pubblico chi e cosa è un essere umano, come archeologi o antropologi, paleontologi, loro stessi referti senza ossa di antiche vestigia. Non c’è un messaggio, non c’è una morale, solo la risposta al semplice, atavico e intenso bisogno di raccontare e farsi raccontare delle storie. In questo campo il teatro, dice Thierrée, ha un vantaggio di migliaia di anni rispetto a cinema e tv. Ha un’efficacia rituale, un’eluttabilità e un’impellenza che ne moltiplicano l’intensità. Come un sogno, come un’opera di Magritte o Dalì, La Veille des Abysses è una successione di visioni, di opere d’arte che prendono vita, un’onirica composizione di teatro, danza, nuovo circo, acrobazie, musica…la cornice poetica è fatta di libri antichi, mobili e suppellettili vittoriani, cancelli, enormi strutture volanti a cui appendersi, da cui penzolare, di piccoli oggetti più o meno quotidiani che potenzialmente possono essere tutto. I costumi, curati da Victoria Chaplin, madre di James e figlia di Charlot, sono al tempo stesso poetici e funzionali, strumenti con cui giocare e costruire le scene ma anche elementi artistici fondamentali per l’ambientazione decadente, ironica e surreale. In una garconiere d’altri tempi, i cinque personaggi si scontrano e incontrano continuamente, tra di loro e con gli oggetti in scena: sono obbligati a trovare delle soluzioni, soluzioni che modificano e trasformano la scena e tutto ciò che essa contiene. Un divano che inghiotte chi si siede, che ne sputa fuori il corpo, viene affrontato in tutti i modi e da tutti i lati; un cancello è un ingresso, attraverso cui passare arrampicandosi, scivolando tra le sbarre, entrando con una parola d’ordine fatta di braccia e gambe, gesti precisissimi e compulsivi. In una storia un po’ d’amore un po’ no, perché le interpretazioni sono milioni, come milioni le possibilità immaginative della nostra mente. L’incontro e lo scontro poi avviene anche in se stessi, dentro il proprio corpo: Thierrée si sdoppia, schizofreneticamente diviso in due, con una metà del corpo che lo tira da una parte e l’altra metà dall’altra, diviso in senso verticale…si sdoppia con il busto che lo sostiene forte e stabile e le gambe che scivolano, perdono l’equilibrio e l’appoggio, scisso questa volta in senso orizzontale. Ci si scontra con un giornale, impazzendo per sfogliarlo, ci si scontra con un piano forte, con la propria voce, che manca, torna e tradisce a volte. E ogni personaggio ha un modo diverso di affrontare la ricomposizione, di trovare delle soluzioni, ognuno con le sue doti artistiche, con la sua tecnica, ognuno a far saltare il lucchetto della nostra immaginazione con la propria personale chiave.
Per più di un’ora si è investiti da una tempesta, che inizia soffiando via gli attori e prosegue facendoli carambolare e volare sulle teste della platea, spiazzandone le percezioni, appagandole tutte, non trascurando ed anzi premiando l’intelligenza e l’ironia del pubblico. Si prende sé stessi, il proprio dolore e le proprie debolezze e se ne fa risata e bellezza intense, come pensava lo stesso Charlie Chaplin. Una formula tanto semplice quanto preziosa. Una risata che ha il gusto forte dello straordinario, una risata che sta tra lo stupore e la gioia di esserci, di essere lì ad assistere ad una tale magia. I motivi che portano il pubblico a teatro sono tanti, di varia natura, personali, collettivi, culturali e biologici, il teatro ha ragioni che superano la ragione. Ad assistere a questo spettacolo ci si va per tutte quelle ragioni, e tra queste soprattutto per il divertimento: per il riso, per la fascinazione e per essere portati via, dis-vertiti, per essere condotti in un altro mondo, bellissimo, poetico, magico e incredibilmente vivido, in ogni suo dettaglio. La prossima occasione di vedere la Compagnie du Hannetton sarà tra un mese, portata downunder dal vento che gonfia la vela finale: approderà a Sydney, Australia, dall’8 al 22 gennaio per il Festival che animerà la città di numerosi e interessanti eventi di diverso genere.

BIOGRAFIA:

Il suo paese d’origine è il teatro; è nato in Svizzera nel 1974 ma ha vissuto un po’ ovunque. A quattro anni le sue gambe e i suoi piedi correvano svelti sul palco e poi dietro le quinte, sbucando fuori da una valigia portata in scena dal padre e lasciando il pubblico stupito e divertito. Figlio nipote e bisnipote d’arte, James Thiérrée è nato sul palco. Sua madre è Victoria Chaplin, suo nonno Charlie Chaplin, il suo trisavolo lo scrittore e drammaturgo Eugene O’Neill, suo padre è Jean Baptiste Thiérrée, fondatore con la madre del Cirque Immaginaire e poi Invisible. Con loro vive in scena, incontra gruppi di teatro diversi, esperienze artistiche varie; si forma come attore, musicista e come acrobata attingendo dai saperi che incontra sulla sua strada, fermandosi per poco alla Theatre School di Harvard a Boston, al Piccolo di Milano, a Parigi lavorando con Isabelle Sadoyan. Numerose le esperienze da interprete, teatrali e cinematografiche, con Benno Besson, Peter Greenaway, Maurizio Nichetti, Bob Wilson e molti altri. Nel 1998 fonda la sua compagnia e la chiama Du Hanneton, cioè “dello scarabeo volante”, a riprova di quanto l’immaginario animale, specialmente con un esoscheletro, sia per lui affascinante e fonte di grande ispirazione. Lavora sull’inconscio, l’improvvisazione e su quello di cui non è possibile prevedere la fine, dice. Ama l’incertezza, i paradossi, gli enigmi fisici, tutto ciò che sorprende la percezione e le aspettative. La Veillée des Abysses è la sua seconda creazione, il primo spettacolo anch’esso di grande successo internazionale fu La symphonie du hanneton.

FIGURE 2007

2008-02-08T06:33:00.000-05:00

Gordon Craig pensava che fosse necessario che tutti gli attori morissero di peste per salvare il teatro e che il teatro non potesse essere una forma d’arte perché la sua materia prima, l’essere umano, era imperfetto, emotivo, soggettivo. Auspicava l’avvento di un attore Super – Marionetta, che come un burattino eseguisse ordini impartiti dall’alto, dal regista-mangiafuoco. Oggi possiamo dire che l’attore ha superato la dura lotta per l’affermazione e la legittimazione della propria arte, ma se come una guerra si vuole vederla, c’è ancora nel panorama teatrale un piccolo esercito che lotta per la sopravvivenza, una frangia ribelle, coloratissima, che ha dalla sua pubblici d’ogni genere, età e cultura…nel mondo contemporaneo la marionetta, il burattino, il pupazzo aspirano ad essere Super – Attori, senza però perdere le proprie caratteristiche, le affascinanti ed antiche peculiarità del teatro d’animazione. L’armata delle cosiddette “figure” è oggi un teatro “di resistenza”, che ha bisogno dello scontro e del confronto con il suo “nemico” in carne ed ossa, che ne è mossa ed animata, ma che riesce ad emanciparsi dalla dittatura della carne grazie ad artigianati ed saperi scenici antichi ed all’agilità delle sue forme. Il teatro d’animazione è un genere trasversale, fatto a sua volta da altri generi, per tutte le età, tutti gli strati culturali, fatto di localismi, di piccoli gruppi, di sfavillanti esempi di tecnica, frutto di civiltà alte e passate, ma che vive nella modernità e nel mercato globale, che sa partecipare delle avanguardie sceniche, che sa mantenere la propria specificità pur lasciandosi contaminare ed influenzare. In questo scenario di lotte intestine il 13 gennaio 2007 al Teatro al Parco sarà dato spazio ad una singolar tenzone che vedrà schierato in campo il meglio, l’ala eroica del Teatro d’Animazione, quella con armi più originali ed acuminate. Il teatro delle Briciole, Il Castello dei Burattini ed il Comune di Parma, con la sponsorizzazione del Consorzio del Prosciutto di Parma, cortese approvvigionatore della lunga serata, hanno infatti organizzato nella giornata di festa del Santo Patrono della città, una notte interamente dedicata al Teatro di Figura, dalle 18fino alle ore più piccole, in una non stop composta da eventi diversi tra loro per genere, sapore, età, tono… Figure vuole essere per il pubblico e per i suoi protagonisti non solo un momento di ribalta e rivalsa ma anche un nuovo modi di essere del e nel Teatro: una trasmissione di vita a oggetti, ombre, stoffe e legni, in spazi in cui di vita solitamente ne rimane poca e per breve tempo. Il tempo ed il luogo tradizionali della rappresentazione verranno infranti, le unità aristoteliche ignorate e gli spazi del teatro verranno vissuti in modo nuovo, in un tempo lungo. Perché ci sia incontro vero, perché il teatro sia un luogo in cui stare, per un po’, incontrarsi, conoscere, incuriosirsi, trattenersi. Sia essendo adulti che essendo piccini, insieme finchè non sorge la luna. Il 13 gennaio dunque in una serrata successione e sovrapposizione di spettacoli, eventi, film, performances, sorprese, discussioni, i protagonisti saranno tutti animati, nel pubblico e nella baracca. Le 10 creazioni prodotte in diversi linguaggi scenici legheranno l’arte popolare, l’artigianato e la cultura più edotta, incroceranno tradizioni, nazioni e regioni. A metà tra un Happening ed un Festival, questa nuova forma di Notte Curiosa, non bianca ma illuminata fino al mattino, prende le mosse dalla felice esperienza della Notte di Resistenza Teatrale promossa dal Teatro delle Briciole lo scorso anno. Figure sarà la prima nuova nottata del 2007, l’8 marzo ne seguirà una analoga dedicata al mondo femminile. Gli eventi proposti nazionali ed internazionali sono di altissimo pregio e prestigio. Tra tutti spicca lo spettacolo del maestro cinese Yeung Fai, prodotto dal TJP di Strasburgo. Fai, figlio di 5 generazioni di marionettisti, riporta sulla scena in tutto il suo poetico simbolismo e la sua straordinaria energia l’Opera di Pechino, con ogni minimo dettaglio. Uno spettacolo fatto di brevi scene tratte dalla tradizione cinese rese attraverso musica, sfavillanti costumi e trucchi, mosse di danza ed acrobatica magistralmente fatte eseguire alle marionette dal maestro che riproducono anche tutti i caratteri dell’opera cinese. Eroismo, animalità, divinità, un’atmosfera antica, il tutto reso grazie ad una padronanza tecnica che viene da lontano, da un altro continente e da un altro tempo. Solo in scena dietro ad una tavola – castelletto, Fai fa compiere alle sue marionette perfette prodezze, degne dell’arte attorica originale a cui si ispirano. Francofoni sono poi i divertentissimi e geniali “pupazzi pensionati” dei belgi Tof Theatre: vecchi bacucchi pupazzoni a grandezza naturale che offriranno al pubblico aiuto, conforto, biglietti, un aperitivo, sorprese d’ogni sorta e risate. Anziani bigliettai, maschere, baristi, personale di servizio, si confonderanno in mezzo al pubblico e lo animeranno della stessa comica vita che i loro inventori gli infondono. Degli stessi belgi è l’Intermezzo Erotico tratto da “Les zakouskis erotiques”: due piece di 20 minuti per 50 spettatori “Monsieur et madame beaurestes” e “Leon fait son spectacle”, testo, regia e scene di Alain Moreau. Gli spettatori si ritroveranno complici di due marionette voieurs che spiano i loro vicini di casa nei momenti piu intimi della vita di coppia. Perché la carne è debole ma forse il legno, la plastilina e la gommapiuma ancora di più. Dall’Australia e con un’opera eccezionale, arriverà Neville Tranter, notissimo protagonista del Teatro di Figura, che a questa nottata sarà presente con un lungometraggio tratto da un suo celebre spettacolo. Una produzione del 1990 dello Stuffed Puppet Theatre, “I sette peccati capitali” ha per protagonista lo stesso Tranter nella parte di Faust e Belzebù, altri attori in carne ed ossa nei ruoli dei vari personaggi e grotteschi pupazzi che interpretano i peccati capitali. Gli italiani presenti sono anche loro pilastri della tradizione del Teatro di Figura. I Piccoli Suicidi di e con Gyula Molnar è un classico geniale, uno spettacolo storico che non smette di affascinare nella sua poetica semplicità, nella sua nuda piccola dimensione di teatro d’oggetti: un attore che dà vita ad un alka seltzer, ad un chicco di caffè, ad un fiammifero...basta questo e si viene rapiti e divertiti in modo sorprendente. Giorgio Gabrielli con il suo baule delle meraviglie racconterà a bambini ed adulti storie d’animali e d’amicizie, in cui saranno le ombre, gli oggetti, i pupazzi a creare la scena ispirata alle Favole di Federico di Leo Linoni. Sarà sempre Gabrielli ad accompagnare il maestro Paolo Conte in giro per il teatro, al pianoforte e sulle gambe del pubblico, stringendo le mani dei fans e strimpellando noti motivi di successo. Una parodia esilarante ed una impressionante somiglianza con l’originale piemontese in un micro concerto originalissimo. Sarà poi Gaspare Nasuto, grandioso interprete di Pulcinella, a vedersela in una sfida a scacchi con la morte in “Se77e” ispirato al Settimo Sigillo di Bergman, vincitore del premio Eolo Award 2006 come miglior spettacolo teatrale, una produzione dell’Associazione Pulcinella di Mare. Nasuto è un fine conoscitore ed interprete della tradizione orale delle guaratelle ma anche un sottile ed originale amante dell’innovazione. Pulcinella reduce combattente, rientra a casa dopo anni di guerra con la sola speranza di riabbracciare moglie e figlio, ma in casa ad attenderlo trova la Morte e una scacchiera su cui viene sfidato a giocare con Lei una partita. In palio naturalmente c’è la vita, la salvezza. Pulcinella però ha molte risorse e il finale d’effetto non gli riserva lo stesso destino spettato al corrispettivo Antonius Block. Gigio Brunello porterà invece in scena uno spettacolo creato con Gyula Molnar, vincitore del Premio della Critica 2002 dell’Associazione Nazionale Critici di Teatro. Macbeth all’improvviso è un dramma in due atti per burattini “in rivolta” tratto da William Shakespeare. Il burattinaio è all’inizio costretto ad annunciare al pubblico che il dramma programmato non andrà in scena a causa di problemi con “l’organico”. Anziché portare in scena Macbeth dunque verrà recitata una commedia inedita di Carlo Goldoni, L’Emigrante Geloso, utilizzando le maschere della commedia dell’arte. Arlecchino però guida i suoi alla rivolta e procede ad una personale riedizione dell’originale scespiriano. Infine sarà programmato anche un incontro con Giuliano Scabia, uomo di teatro e cattedratico ed esperto-appassionato di Teatro di Figura che si confronterà con il critico teatrale Renato Palazzi in un incontro intitolato “Tremito del teatro di figura” in cui il Prof. Scabia offrirà al pubblico anche un omaggio inedito della sua Commedia Armoniosa.
Per il programma completo, orari, titoli, biglietti e costi si veda il sito del teatro www.briciole.it

LA TELA DELRAGNO IAGO

2008-02-08T06:32:00.000-05:00

Al Teatro del Tempo il multiforme Latini prende le sembianze di Iago, e Iago le sue, facendosi attore.
“Con una sottile tela di ragno riuscirò ad acchiappare un moscone” (Otello, atto II scena 1). Dal 16 al 18 marzo alle ore 21 al Teatro del Tempo va in scena Iago, spettacolo di e con Roberto Latini, con le musiche originali Gianluca Misiti, la scena Pierpaolo Fabrizio, le luci e la direzione tecnica Max Mugnai, la direzione di scena Dario Palombo, una produzione Fortebraccio Teatro Roma in collaborazione con il Gruppo Libero_Teatro San Martino di Bologna. Va in scena il dramma di Iago, un dramma della parola, in cui la celebre tragedia scespiriana rivive secondo un inedito punto di vista, quello di Iago appunto. La nuova prosettiva confonde i piani, la nuova angolatura sovrappone le dimensioni: performer e personaggio coincidono, il protagonista e chi lo interpreta sono entrambi artisti della finzione. Roberto Latini, straordinario attore dalla presenza e dalla voce magnetiche, riporta al pubblico uno spettacolo creato 10 anni fa (nel 1998 premio della giuria tecnica e premio della giuria popolare alla I edizione del Premio Nazionale per Nuove Proposte Teatrali “Sergio Torresani”, del Centro di Ricerca Teatrale di Cremona); una riscrittura che riaccade in seguito ad esperienze artistiche intense, ad un percorso, "radiovisioni" (Per Ecuba, Ubu incatenato), che per lungo tempo lo ha impegnato in una ricerca sull’amplificazione, non solo vocale e sonora ma anche fisica e visiva, del corpo in scena. Seguendo la recita che Iago mette in scena per tessere la sua ragnatela ed accalappiare il suo moscone, ne attraversiamo le ragioni intime, ne estrapoliamo la persona, ne ascoltiamo la voce, l’unica voce possibile per tutte le parti del dramma. Iago, condannato al dramma ed al piacere dell’inganno, della finzione, non ha azioni; ha una scena nuda, scarnificata, piena del suo essere attore; non fa nulla ma dice, modula, racconta, analizza e muove i fili, di tutti. I suoi silenzi sono produttivi ed artificiosi più di qualunque detto, riempiono la scena più di qualunque oggetto e fondale. Di radiovisioni, delle tecniche digitali, della capture motion, rimane solo un microfono attraverso cui passa la voce di Iago-Latini per farsi Otello o Desdemona. La trama, la tessitura di Iago nei suoi passaggi drammaturgici, passa in secondo piano in questa nuova edizione del dramma, perché ciò che importa è il performer, il fattore immobile, la sua recita, il suo essere spettatore di se stesso. A giugno debutterà Nnord, spettacolo con cui, dice Latini, il percorso di ricerca scenica si sposterà dalle modalità ai contenuti, da un’attenzione al come al cosa, passando anche per il transito di questo Iago 2007.

RICCARDO III A DUE MANI

2008-02-08T06:31:00.000-05:00

Lo spettacolo di Umberto Fabi e dei suoi burattini da dito al Teatro del Cerchio
Lasciatemelo dire: Umberto Fabi è un Uomo di Teatro completo; lasciatemelo dire: Umberto Fabi è il teatro, almeno il suo, incarnando, coltivando e vivendo un’arte autarchica ed ecclettica come quella del burattinaio-attore-regista-scenografo-musicista. Assistendo al suo Erre Tre, Opera per Burattini e Burattinaio, Liberamente ispirato al “Riccardo III” di W.Shakespeare, se ne ha conferma: spettacolo ideato, scritto, diretto, interpretato, musicato, insomma di Umberto Fabi, una produzione Umbertiner Pha Bi, “il tentativo di studiare il consunto testo scespiriano adottando il linguaggio teatrale dell’animazione di burattini”. Qui Fabi riporta il complesso personaggio di Riccardo III alla sua vera ed originaria dimensione, quella farsesca ed allegorica del Vizio delle sacre rappresentazioni pre-elisabettiane. Un allestimento piccolo piccolo, in uno spazio para-teatrale, quello della scuola di Via Pini, coraggiosamente e intelligentemente adottato dal Teatro del Cerchio. Il contrasto tra le due dimensioni infonde forza alla scena, se pur minima, e lo sguardo si stringe, curioso e divertito, sulla piccola baracca di Fabi. Piccoli e magnetici sono anche gli attori: burattini da dito con morfologie intense, grottesche, come è la sua arte. Una compagnia con cui Fabi lavora in perfetta armonia: una collaborazione artistica-umana senza problemi di paghe, capricci da star. Ogni parte del corpo di Fabi ha una personalità ben definita, ognuna una voce e un modo personale di stare, essere; dita incluse: sia quando coperte dal personaggio di legno che quando scoperte, nude, serve di scena originarie. Così tra chi parla un italiano anglofono balbettante e chi ha una forte cadenza siciliana o veneta, spicca Riccardo, il burattino meno umano di tutti per parole ed opere ma con una voce bassa, profonda, di crudeltà e violenza tutte umane e reali. Si ride grazie ad un umorismo tra il dadaista e il triviale, dolce e amaro, acuto e rozzo; si ride della drammaticità della storia, lasciando però intatta la dimensione “epica-tragica” a cui, secondo Fabi, appartiene il Teatro di Figura ed a cui deve essere ricongiunto. “Il burattino non è un idiota; forse uno stronzo, ma un idiota mai…Il burattino è tragico”, scrive Fabi; il burattino è un oggetto magico, totemico, che indossato e incarnato dal burattinaio ne trasforma le membra, molto più di una maschera, celandone il corpo ma espandendone le potenzialità comunicative e fascinative. Fino a poter rendere il burattinaio o l’attore per un breve ed intenso finale burattini anche loro: Fabi emerge dal fondo con una voce sua ma esterna, volto e presenza di un Riccardo sconfitto, burattino in carne ed ossa, “demiurgo di sé stesso”.

I FEEL BLUE

2008-02-08T06:30:00.000-05:00

Il blue per gli anglofoni è la malinconia, la tristezza (I feel blue esprime un momento che noi diremmo nero) e la musica blues nata nelle comunità afro-americane del sud degli Stati Uniti anni ’50, fra uomni e donne sfruttati e ghettizzati, è stata una forma artistica di espressione di quel disagio, delle tragedie quotidiane, una forma di emancipazione, di ribellione, di esorcizzazione e di sopravvivenza. Il blues è la musica che fa passare il blue. E Blues, il nuovo spettacolo scritto e diretto da Bruno Stori, prodotto dal Teatro delle Briciole, andato in scena per le scuole lo scorso maggio, racconta proprio di tutto questo, della grande storia (dal 1958 al 1968, gli anni delle lotte per l’emancipazione della comunità nera), della grande musica (fino alla nascita del rock ‘n roll) e della piccola esistenza di un protagonista che vuole vivere in pace e suonare il blues. Nello stile scanzonato e trascinante di Stori, con una riflessione ed una ricerca musicali molto approfondite, Muddy Waters, B. B. King e gli altri nomi importanti del blues sono evocati da un paradiso-palcoscenico fumoso ( forse è un inferno..?) come fossero anime elette. Blues è la storia di Jamping Jack White, un tredicenne che vive in un buco di paese nel delta del Mississipi, povero e solo ma destinato alla grandezza, grazie alla chitarra donatagli da un ometto incontrato per caso. Claudio Guain nel suo splendido completo bianco e argento (Letizia Quintavalla, che ha curato anche le scene) riflette le luci (di Emiliano Curà), danza divertito e duetta con Paolo Venturi (dal vivo sul palco a suonare con talento ed intensità chitarra e batteria): i due insieme danno voce, note e presenza alla storia del piccolo Jack, con l’entusiasmo, l’energia e la suadente malinconia del blues che li anima. La lotta per sopravvivere e per la musica di Jack è scandita dagli incontri importanti e dalle canzoni straordinarie che ascolta, è la lotta di tutti i suoi fratelli; le sua salita verso il successo, lassù fino al palco del Bluenotes, fino al Washington Park di fronte alla Casa Bianca, a gridare al mondo l’orgoglio e la dignità del blues, è la salita che tutti i neri d’America hanno dovuto fare per affermare i propri diritti civili. E’ una musica che ti cambia la vita, se chiudi gli occhi e lo lasci suonare questo blues…dovunque tu sia, chiunque tu sia, un trevigiano con la barba, un giovane musicista che ha viaggiato l’America o un ragazzo qualunque, che finalmente si apre al mondo.

L'AMORE NATURALE ED ASSOLUTO

2008-02-08T06:29:00.000-05:00

Al Teatro Due un dialogo sull’amore e sulla vita di coppia portato in scena da Fabrizio Parenti

L’Amore, declinato nella relazione tra un Uomo e una Donna, è esperienza in sé naturale, comune, eppure misteriosa, lacerante, assoluta. Al Teatro Due, dal 12 al 15 aprile 2007, alle ore 21.00, va in scena L’assoluto naturale, dialogo teatrale per Uomo e per Donna sul rapporto di coppia, scritto nel 1963 dal vicentino Goffredo Parise, interpretato da Carla Chiarelli e Fabrizio Parenti, che ne firma anche la regia, una produzione CRT Centro di Ricerca per il Teatro. Scrivendo e recitando d’amore è inevitabile sfiorare o attraversare l’autobiografia e se per Parise comporre questo testo fu in qualche modo l’elaborazione del fallito rapporto con la moglie, per i due attori, uniti sulla scena e nella vita, interpretarlo deve essere stata una prova, una riflessione importante per il loro rapporto. Stessa cosa per il pubblico, che certo si sentirà profondamente coinvolto dal lucido e intimo scambio-scontro tra razionalità e sentimento, da istinto e ragione, tra i due elementi dell’amore che si guardano negli occhi. L’analisi che Parise fa della relazione amorosa è, nella forma, scientifica, con momenti di ironia e sottile comicità, con altri di drammatica intensità. La scena si apre su un giardino, con due modellini in scala di animali preistorici, dando al tutto un senso di ricerca più etologica che antropologica o psicologica. Ricerca che tocca le fasi di una vita di coppia qualunque, umana o animale: l’approccio e la seduzione, la comunione, la crisi, l’arrivo di un terzo. L’allestimento di Parenti elimina il coro delle vecchie e riduce il “terzo” ad un feticcio inerte costruito dalla Donna che domina la materia, ambientando l’azione su un prato artificiale, rendendo i personaggi vagamente farseschi. “L’assoluto naturale è un esperimento sul Mistero, un vetrino di microscopio su cui viene posta una lacrima, che, se osservata attentamente, smette di essere solo una goccia di acqua e sale ma diventa il racconto della lotta tra Desiderio e Ragione”. In questo dialogo paradossale, perché incentrato sul paradosso dell’attrazione degli opposti, c’è spazio per la ragione, Lui, e l’istinto-gelosia-possessione, Lei (non senza un certo e neanche tanto celato maschilismo); per i loro “perché”, pronunciati nonostante l’incomunicabilità, le distanze, le incomprensioni. La Donna pretende dall’uomo l’assoluto, lo lega a sé e lo lega sulla scena al letto nuziale inducendolo al suicidio, alla totale rinuncia a sé. Per Parise l’amore è questo: un assurdo, irrinunciabile, vitale e mortale scontro, in cui uno pretende di possedere l’altro e l’altro si arrende, annullandosi, alle pretese dell’uno. Dramma delle nostre vite animali, ma vissuto con intelligenza e consapevolezza proprie della natura umana. Vissuto con ironia, a cui la sintonia e la coordinazione della coppia Chiarenza-Parise infonde un ritmo perfetto, che coinvolge e trascina il pubblico, lasciandolo pensieroso, rassegnato e divertito.

IL DRAMMA DELL'IRA

2008-02-08T06:28:00.000-05:00

Cade il telo rosso che separa il pubblico dalla scena e si palesa d’improvviso lo spazio angusto e nudo che accoglie il dramma di Antigone, prima produzione delle cinque che compongono il progetto del Teatro Stabile di Torino, Fondazione Teatro Due, Teatro di Roma in cui sono impegnati un nucleo stabile d’attori, cinque registi e cinque traduttori. Una pietra vulcanica ruvida e grigia, ideata da Tiziano Santi, su cui posano e contro cui si stagliano le candide figure del dramma, abbigliate da Vera Marzot. Come se un’eruzione, d’odio più che di fuoco, di hybris più che di lava, avesse coperto la città di Tebe. Non c’è spazio per l’azione nella tragedia sofoclea diretta da Walter Le Moli ma solo per le sue nude, gelide e taglienti parole, nella cristallina traduzione di Massimo Cacciari. Il dramma si consuma fuori dalle mura, dove il corpo di Polinice giace senza sepoltura, per ordine del re Creonte, suo zio. In scena protagonista è l’ira, la rabbia, l’umana tracotanza, destino inesorabile della discendenza e della parentela edipica. L’ira di Antigone, una energica Paola De Crescenzo, donna dalla forza morale e dall’iniziativa maschile, che sfida a viso aperto e fronte alta il potere, che affronta le conseguenze delle sue azioni, la scelta di dare i dovuti onori funebri al fratello nonostante il decreto regale, con sguardo e tono fermo, raggelante. Quella del suo oppositore, Creonte, che Elia Schilton fa vibrare di rabbia e dolore per lo più inesplosi eppure laceranti; colorato nella recitazione come nel manto regale, la sua voce sempre di un tono basso, che in rari toccanti momenti si fa penetrante, acuta o lacrimosa. Lo scontro e la rabbia non risparmiano nessuno e mettono sorella contro sorella, figlio contro padre, moglie contro marito, città contro governo. La polis, impersonata dal coro, annunciato e accompagnato in scena da 4 musicisti, declama con forza i suoi versi, sospinti e sostenuti dalle musiche di Alessandro Nidi. Il corifeo, Francesco Rossini, interpella con parole e sguardi le figure, i personaggi silenziosamente al muro. E’ lui con le 4 figure maschili del coro ad essere il motore delle interazioni tra i personaggi. Infine l’intervento dell’indovino Tiresia (Giancarlo Ilari), guidato da una figura quasi non-umana anch’essa apparentemente priva della vista, che annuncia al re i presagi di morte e di sorte nefasta per la sua discendenza. “Un silenzio pesante più del vano gridare”, una tragedia che si compie così come era stata preannunciata: Creonte straziato dal dolore, privato di moglie ed ultimogenito, Antigone morta per la punizione inflittale da Creonte stesso. Entrambi vittime, di sé stessi e dell’altro; entrambe, la legge divina e la legge secolare, destinate al fallimento quando incancrenite nelle proprie ostinate posizioni, incapaci di accettare il confronto e la discussione.

IL PROBLEMA DI PALERMO E' IL TRAFFICO

2008-02-08T06:27:00.001-05:00

Pippo Fava fu giornalista, direttore del Giornale del Sud e fondatore de I Siciliani, Orso d’Oro a Berlino per la sceneggiatura di Palermo or Wolfsburg nel 1980, drammaturgo e saggista. Pippo Fava è stato, tragicamente, il primo intellettuale caduto vittima della mafia: Cosa Nostra (nelle persone di Nitto Santapaola, Marcello D’Agata, Francesco Giammuso, Aldo Ercolano e Maurizio Avola) lo uccise con cinque colpi di pistola davanti al Teatro Stabile di Catania 24 anni fa. Pippo Fava era “uno che le male giornate non se le andava a cercare, ma che quando il vento tirava se lo prendeva in faccia”. L’Istruttoria, vista al Teatro alla Corte (Giarola), è lo spettacolo-documento che il figlio ha scritto, con lucidissima e poetica mano, attingendo alle 234 udienze, 260 testimonianze, 6000 pagine di verbali del processo che seguì la sua morte, conclusosi dopo 18 anni con due ergastoli ed un patteggiamento a 7 anni. Rievocatori del dolore e della rabbia sono i due figli, che tra la paura e la necessità di denuncia introducono le testimonianze di onorevoli, boss mafiosi, giornalisti, poliziotti, pentiti. I loro pensieri e sentimenti li uniscono e li dividono davanti alla tragedia: l’uno ostinato nel ricordare e nel lottare, l’altra rassegnata nel dimenticare, nell’abbandonarsi alla paura. In scena, ad interpretare non solo i figli di Fava ma anche tutti i protagonisti della vicenda giudiziaria, due formidabili attori siciliani, Claudio Gioè e Donatella Finocchiaro, giovani ed esperti, perfetti nei loro ruoli, toccanti, a tratti ironici (quando l’arroganza del potere si fa insopportabile). L’uno capace di una versatilità, un’intensità ed una verità formidabili, magnetiche; l’altra commovente, composta, in una sofferenza trattenuta sulle labbra, inesprimibile, sciolta infine in una lacrima. Con loro sul palco quattro musicisti, ad accompagnare con note sommesse, coinvolgenti e con struggenti canti palestinesi, le terribili e vergognose parole pronunciate in aula. Un pièce importante, necessaria, vera e poetica, un gesto artistico di lotta contro l’abitudine, l’indolenza, la menzogna, contro chi ancora considera la mafia “solo un’etichetta” e chiama “fattore umano” l’odioso meccanismo di tangenti, ricatti e favoreggiamenti di Cosa Nostra.

IL PROBLEMA DI PALERMO E' IL TRAFFICO

2008-02-08T06:27:00.000-05:00

Un poco di romeo e un poco di Giulietta, mescolare e servire a piacere,

2008-02-08T04:24:00.001-05:00

Se da quella che è diventata la tragedia dell’amore per antonomasia, Giulietta e Romeo, si estraesse un po’ di disperato amore adolescente, se si cercasse di lasciare da parte il bruciante odio familiare, se si provasse a tenere solo “Un poco di Romeo ed un poco di Giulietta”, si potrebbe vedere la storia prendere svolte inaspettate, si vedrebbero affiorare dinamiche, aspetti e personaggi rimasti in secondo piano, che aspettavano solo di svincolarsi dal tragico e partecipare con entusiasmo alla dimensione a loro più congeniale, il comico. Ad impastare, giocare e riflettere sui dosaggi e sulle alchimie che compongono il senso teatrale della storia dei due amanti di Verona, è stato un gruppo d’attori (Emanale Arata, Michela Astri, Erika Borella, Pietro Bertora, Elena Borra, Andrea Costa, David Finardi, Nicola Savani, Daria Stefanini), guidati da Carlo Ferrari: il “Teatroperunpò” ha scelto un nome adatto alla propria poetica, abbracciando la dimensione meta-teatrale, calcando il palcoscenico un po’ da attori e un po’ da personaggi, sospendendo l’immedesimazione pur lasciando un po’ di teatro in scena. Il testo è stato per loro piuttosto un pre-testo, con cui si è data libera iniziativa all’espressione individuale e corale, evocando la vicenda, impossibile da ignorare, ma rimanendo nel proprio mondo, nella propria Verona, diversa nei modi e negli usi dalla Rinascimentale cittadina principesca. Nella Verona per un po’, nel po’ di Verona in scena, creata da un maghetto lì per lì, l’attore che si domanda come interpretare il proprio ruolo, affida al suo costume, ad una maglietta, il messaggio, lasciando che il pubblico legga da sé ciò che il testo vorrebbe che lui fosse, lasciando che sia così la libertà della sua immaginazione e della sua interpretazione a decidere chi e come essere in scena. La scenografia assente fa sì che lo spazio e l’ambiente siano sempre in mano e sul corpo degli attori. Mescolando, sottraendo, aggiungendo, del testo originale rimane poco o niente, ma non c’è perdita, tutto lievita, alleggerito dalle responsabilità drammatiche ed insaporito dalle trovate comiche. Così Paride è finalmente in grado di riprendersi lo spazio che merita, se pur per un breve inebriante momento; l’allodola e l’usignolo sono materiale per esperti ornitologi e non si può decidere così su due piedi se sia giorno od ancora notte; il ballo in maschera è un raduno di nani nostalgici che ascoltano Caterina Caselli ballando alle spalle della coppia Romeo e Giulietta, Biancaneve e Principe, intenti in un goffo approccio; il coro che tiene le fila del discorso è un duo che vive con gioia e libertà la propria omosessualità; Giulietta riesce persino a rimanere in cinta, così, alla prima occasione, alla prima fatale pinta, o spinta; al matrimonio riparatore il fotografo regala polaroid e Frate Lorenzo biascica inascoltato la sua omelia, qualcuno dà in escandescenza perché i matrimoni sono sempre comunque commoventi…Tutto partecipa di una comicità spontanea e seducente, che attinge alla naturale ironia degli attori, a musiche d’effetto, ad una coralità energica ed originale, senza quel senso di profanazione, di facile parodismo, in agguato dietro ogni nuova versione comica delle tragedie scespiriane.

Un’ otra vez Cesar Brie:sguardi su un’umanità fragile

2008-02-08T04:23:00.000-05:00

Cesar Brie torna in Italia con due produzioni del suo Teatro del los Andes, in collaborazione con Emilia Romagna Teatro. Il 7 e 8 aprile sarà con la compagnia al Teato al Parco, ore 21, con Otra vez Marcelo e Fragile. A 52 anni, più della metà passati a fare teatro in giro per il mondo (dall’Argentina alla sede dell’Odin in Danimarca, all’Italia, alla Bolivia…), Cesar Brie continua a raccontarci, con poesia e passione saldamente sudamericane, le due inscindibili dimensioni della vita umana: la forza e il coraggio adulti delle proprie idee, fino alla morte-martirio, e la fragilità, la delicatezza ingenua dei sogni e degli ideali giovanili, che ne sono la necessaria premessa, il passato adolescente. Il teatro di ricerca ancora una volta è opposizione civile, rivendicazione ed atto politico-umanitario. Ancora una volta, ma con meno fermezza, più fragilità.
Otra vez Marcelo è il “monumento scenico” che il Teatro de los Andes ha dedicato a Marcelo Quiroga Santa Cruz, intellettuale boliviano (autore de “Los deshabitados”, romanzo con cui vinse il premio Faulkner) barbaramente sequestrato, torturato e assassinato durante il colpo di stato del 1980. Marcelo fu un parlamentare che si oppose alle dittature di Barrientos e Panzer e che pagò con la vita il suo impegno politico. Dopo 26 anni il suo corpo ancora assente getta un’ombra inquietante e scabrosa sulla debole democrazia boliviana. Lo spettacolo è l’ultimo momento della trilogia “politica” del gruppo sudamericano, iniziata con “Iliade”, una meditazione sulla guerra e sull’uso della forza e proseguita con “Dentro un sole giallo”, opera dedicata alla catastrofe naturale (un terremoto) e alla corruzione che si abbatterono sulla Bolivia nel 1998. Dice Brie citando il poeta argentino Roberto Juarroz che “Pensare ad un uomo significa salvarlo”. Ed è questo bisogno di testimonianza e salvezza, riscatto e vivificazione che Brie porta in scena attraverso un montaggio intimo dei discorsi e delle parole politiche di Marcelo, delle sue conversazioni con l’adorata moglie Cristina, le sue foto, immagini di vita pubblica e privata proiettate sulla parete. Ne emerge un ritratto lucido ed appassionato di un uomo che lottò con tutte le proprie forze per la libertà del suo paese, anche grazie al sodalizio profondo con una donna che gli restò vicino nell’esilio e nelle persecuzioni.
Fragile è uno spettacolo scritto e diretto da Brie con Maria Teresa del Pero (ed il resto del gruppo). I testi sono tratti dal romanzo di Paola Masino del 1935 “Vita e morte della massaia”, che con sguardo ironico e cinico riflette sull’oppressione dei sogni e sull’assurdità delle più ricorrenti situazioni domestiche e familiari, e da brani di Boris Vian, che cinquant’anni fa diceva di non voler crepare, no, “senza sapere se il sole sia freddo, se le quattro stagioni siano poi veramente quattro.” Due autori che, ciascuno a suo modo, sono stati dei difensori dell’infanzia e dell’adolescenza: della sua dimensione immaginativa, dei suoi sogni, delle sue domande più assurde e delle sue risposte paradossali. La protagonista è Lucia, una bambina che vive in un baule per non diventare grande. Ha paura Lucia degli adulti che le stanno intorno; ha paura di diventare come loro e di “seppellire i sogni con le abitudini”. La fragilità di Lucia sta nelle sue domande, nella sua ricerca di senso in una realtà adulta e meschina. L’infanzia è la dimensione del gioco, del “come se”, della fantasia e solo gli artisti, gli amanti e quelli che restano un po’ adolescenti possono continuare a goderne, continuare a nutrirsene. Delicato e leggero, malinconico e sorridente, lo spettacolo ci ricorda come il Teatro sia un luogo salvifico e salvo, dove non si temono le emozioni, ed anzi le si affronta con lo spirito d’avventura e ricerca dei nostri anni piccolini.

Tête à Tête, ( uomini sull’orlo ) c’est nécessaire et fondamental

2008-02-08T04:22:00.000-05:00

Ci sono poche, importanti, necessarie e fondamentali regole per un tête à tête ben riuscito: 1- far succedere tutto per caso, 2- godere di ciò che non si vede, 3- vivere nel totale disequilibrio. Quattro mini-appartamenti 1m X 1m, con una finestra sul cortile ed una porta sulla meraviglia, sono la scena ideale; uno sia riservato a toilette. Come in Tête à Tête, straordinaria piéce di Nouveau Cinque del Teatro Necessario, regia di Mario Gumina, andata in scena, cioè, carambolata in scena il 5, 6, 7, 8 gennaio scorsi al Teatro Europa.
Una generosa e vincente sfida alla gravità, in senso fisico e umorale, che dà piuttosto da fare anche alla nostra percezione ghestaltica del mondo. I tre personaggi si chiamano Jacopo Maria Bianchini, Leonardo Adorni e Alessandro Mori, perfettamente interpretati da 3 trentenni ancora agilissimi. Angelo Facchetti è il genius loci del focolare. Con loro sul palco gli Oggetti, che finiscono sotto, sopra ed intorno ai personaggi, come vivessero di vita propria. E probabilmente è così; ho visto valigette scappare per non affrontare la battaglia indiana che si combatte là fuori nella city.
In Tête à Tête tutto e tutti condividono la stessa incredibile capacità di essere e non essere, senza alcuna difficoltà. Nel totale disequilibrio si vive felici. E felici si assiste alla vita in bilico dei tre amici coinquilini, che a tratti sono un unico braccio, un'unica gamba e un unico largo sorriso. Ci si chiede cosa li tenga sulla terra; se tutto sia un caso o no. E’ un caso che i suonatori assomiglino incredibilmente ai loro rispettivi strumenti? E’ un caso che atterrino sempre in piedi? La stabilità è un lusso, come lo spazio. Ma lo spazio non serve quando ci sono porte, tende, sportelli, buchi che aprono mondi. Cosa farsene della stabilità quando ci si può rilassare sui piedi di un amico, dormire con le gambe di un altro, chiacchierare a testa in giù come cordiali vicini di casa?
Il Teatro Necessario si è scelto un nome semplice e adatto ad ogni gioco (non solo di parole), come lo sono i suoi componenti e come lo è la loro poetica. Improvvisando un’improvvisazione assolutamente non improvvisata, lavorando sul contrario, sulle opposizioni, sulle tensioni e sul disequilibrio, si avvicinano alla migliore tradizione della Commedia dell’Arte. Con Tête à Tête si prova il sollievo e la liberatoria sensazione della risata e dell’incredulità, della sforbiciata e della smorfia. Il che è bello ed istruttivo, diceva un tale.

Sasha Waltz sotto la catastrofe ed oltre

2008-02-08T04:21:00.002-05:00

Al Reggio Emilia Danza (RED), rassegna che rientra nel più vasto carnet di eventi del Reggio Parma Festival, lo scorso maggio è andato in scena al Teatro Valli Gezeiten: uno spettacolo di danza, teatro e musica, per la regia e la coreografia di Sasha Waltz. La coreografa ed il suo ensembe di 16 danzatori affrontano questa volta le trasformazioni della vita, gli eventi di cui siamo in balia ed i loro effetti sulle esistenze, del singolo e del gruppo. D'altronde Sasha Waltz ed i suoi “ospiti” sono essi stessi per definizione e costituzione una compagnia in continua trasformazione: dal 1993, anno della fondazione a Berlino della compagnia con Jochen Sanding, più di 150 danzatori ed artisti, provenienti da 25 diversi paesi, hanno collaborato o preso parto alle creazioni artistiche del gruppo. In una stanza segnata dal tempo e dagli eventi, in cui i muri trasudano memorie tragiche e le porte non riescono più a lasciare fuori la furia del mondo, un gruppo di sopravvissuti è costretto alla condivisione, del dolore, della follia, dell’emergenza, della vita. Ed in quest’intima convivenza i corpi a coppie s’intrecciano e si disfano, s’appoggiano e disequilibrano, sicuri che dall’altra parte ci sarà una coscia, un avambraccio, una pancia a sostenerli. Un contatto accogliente e forte. Tutto si è bloccato nell’attimo del disastro, di qualunque genere sia stato, che li ha sorpresi insieme in quel luogo, con quegli abiti ed in quella disposizione d’animo. Ecco allora i corpi diventare rigidi, le posizioni raggelarsi per il terrore. Ma ci sarà sempre qualcuno che raccoglie, che sostiene, che occuperà il posto e prenderà la forma di qualcun’altro. Il gruppo è preciso e s’incontra con perfetta sincronia, creando giochi di simmetrie divertenti e ironici, momenti in cui il corpo partecipa della scenografia, della musica, degli altri. Dell’affascinante meccanismo, in cui qualcuno entra e qualcuno esce senza mai causare danno agli equilibri, è artefice anche il suono: il violoncello in scena è suonato da James Bush. Danza dunque, e di una grazia e di una forza toccanti, nella prima parte. Con lenti cambi, lente entrate ed uscite, con ritmi armonici e fluidi, per cercare i punti d’appoggio e per sentire fin dove pendere, spingere e salire, senza perdere stabilità. Nella seconda parte la dimensione coreografica viene drasticamente sopita, ed un po’ se ne sente la mancanza. I corpi hanno perso la leggerezza e la fluidità iniziali, il cielo pesa su di loro, l’aria sporca, la terra. I suoni arrivano da ogni parte, distorti, di fondo, sommessi o roboanti, anche da un microfono in proscenio. Ma la scena non perde intensità, anzi, e le catastrofi fanno il loro corso, trascinando con sé lo spazio e chi lo vive. S’assiste a spaccati reali di scenari drammatici, che ognuno affronta nella sua lingua e con i suoi modi: epidemie, terremoti, persino incendi, veri, verissimi, che divorano le pareti della stanza, i corpi e le menti dei danzatori-attori. L’uomo in balia della natura, senza potere sull’esterno, perde il controllo, del gruppo ed anche di sé. E sorge, si sviluppa ed avviluppa tutto la follia. Tanto da tenere il fiato sospeso, in attesa della prossima reazione, della prossima visione. E’ nei gesti più piccoli, nei tremori e nelle visioni più surreali, al limite del comico, è nelle scene di lotta e d’affetto, nella normalità cui si cerca di rimanere aggrappati. Dei cliché alla “Lost”, delle epopee di sopravvivenza alla “Cast away”, ci si prende gioco con gusto e con cinismo, tutto rimane su di un filo sottile, che lascia sempre cadere un piede nel tragico e nel doloroso e l’altro nell’assurdo, nel ridicolo. Senza sapere dove si va a finire, come se non ci fosse limite…fino alla morte e rinascita della crisalide in nuove forme di vita.

LA MENTE ED IL SUO DOPPIO (TEATRALE):I TEATRI DELLA MENTE E LA MENTE DEL TEATRO

2008-02-08T04:21:00.001-05:00

Quando si parla di Mente e Teatro il pensiero corre subito all’immedesimazione, quella dell’attore nel personaggio che interpreta o quella del pubblico nel personaggio che vede interpretato. Il pensiero corre a quel senso di trasporto e coinvolgimento che chiunque sia stato in un pubblico teatrale ha provato, che fa agitare sulla poltrona o che, come disse Amleto, porta l’attore alle lacrime, “per cosa? Per niente, per Ecuba”, per fantasie. Certo il mistero dell’arte della scena ha molto a che fare con questa “magica” capacità di creare una dimensione congiuntiva, parallela alla realtà indicativa. Il Teatro è il dominio del “come se” ma produce nei corpi coinvolti effetti indiscutibilmente veri. Volendo scendere in profondità però la questione si dimostra essere ben più complessa. Da Dove viene questa empatia, non solo emotiva ma spesso cinetica, che si prova in platea e da dove viene la vocazione alla recitazione, la straordinaria capacità di creare la congiuntività? Come funzionano? Perché si manifestano e che motivi ha l’uomo per esserne dotato? Cosa possono dirci sulle origini delle arti sceniche e sulle loro ragioni sociali ed evolutive? Domande per le quali numerosi studiosi di diverse discipline cercano risposte esaustive. Ha scritto Antonin Artaud: “…Il Teatro è un atto sacro, che impegna tanto chi lo vede che chi lo esegue…l’idea psicologica fondamentale del teatro è questa: un gesto che si vede… ha lo stesso valore di un gesto che si fa.” Questo è uno dei Messaggi Rivoluzionari (ed. it. a cura di Marcello Gallucci, Monteleone, Vibo Valentia, 1994, p.146) che uno dei padri della scena moderna lanciava nel 1936, portando la riflessione in merito al teatro sul vero ed attuale centro d’interesse della nuova teatrologia: la Relazione Teatrale, quella tra spettatore ed attore, il rapporto cruciale tra produzione e ricezione. Artaud e “i soliti noti” della rivoluzione moderna a teatro, Stanislavskij, Mejerchol’d ed il grande Jerzy Grotowski ne declinarono i modi raggiungendo frontiere a cui la ricerca scientifica arriverà solo dopo cinquant’anni, assolvendo meravigliosamente al ruolo d’avanguardia riservato all’arte. I maestri della scena sapevano, i loro corpi sapevano quello che la scienza avrebbe poi confermato con la risonanza magnetica. Sapevano molto sui processi emotivi, su quelli empatici e cinestetici (numerose le collaborazioni con psicologi e fisiologi loro contemporanei, uno fra tutti Wiliam James); sapevano molto sulla necessità di considerare il corpo e la mente come un’unità inscindibile. Nelle parole citate di Artaud sono racchiuse in nuce 50 anni di ricerca teatrale e scientifica: in esse risiede l’affascinante idea che azione e percezione dell’azione siano intrinsecamente legate, tanto da coinvolgere le stesse strutture e porzioni anatomiche del cervello, tanto da arrivare a poter dire che il percepire l’azione di un’altra persona (osservarla od udirla) equivalga ad una sua esecuzione virtuale, ad una simulazione. La stessa affascinante idea che le ricerche sui neuroni mirror del Laboratorio di Neurofisiologia dell’Università di Parma hanno empiricamente dimostrato essere una realtà. Artaud diceva che a teatro osservare un gesto ha lo stesso valore dell’eseguirlo; Grotowski parlava di osmosi, di provocazione all’azione ed alla collaborazione tra performer e pubblico; Rizzolatti ed i suoi collaboratori ci dicono, come emerso nell’intervista rilasciata a Nicola Gandolfi, che la produzione d’azioni e la loro percezione-comprensione implicano l’attività elettrica degli stessi neuroni (mirror), che il legame tra azione-percezione-comprensione è vero, non solo a teatro. E’ vero per l’Uomo in generale, per tutta la sua vita cognitiva.
La simulazione incarnata è il livello funzionale del sistema neurale mirror, esprime il meccanismo non conscio, automatico e pre-linguistico con cui l’osservatore si rapporta all’agente e ne comprende gli atti. Essa è verosimilmente la principale strategia di comprensione che l’uomo possiede (ma certo non l’unica): osservare un’azione equivale a ricrearla internamente, simularla nella proprio corpo, per capirla. Il valore evolutivo dei fenomeni spettacolari, in cui la simulazione è certo la dimensione precipua, acquista alla luce di queste affermazioni forza e realtà anatomica: gli eventi spettacolari incentrati sul “come se”, sulla costruzione del modo congiuntivo sono fatti di simulazione così come lo sono le menti di chi li interpreta e di chi vi assiste. Il Teatro appare come una palestra molto efficace, in cui la simulazione incarnata si fa azione in scena e partecipazione in sala. Anche per questo il teatro non è un “organo vestigiale”, non è un residuo spettacolare di precedenti espressioni rituali sacrali. La scena è anzi il luogo in cui il meccanismo mirror trova la sua dimostrazione più potente ed il suo dispiegamento più efficace. Il corpo-mente del performer in scena esposto allo sguardo del corpo-mente dello spettatore in platea amplifica l’effetto della simulazione incarnata. La forza del Teatro sta tutta qui: nella sua potente fascinazione, nella sua provocazione, non solo morale ma anche fisica, che genera grazie all’esposizione di corpi e menti che agiscono, non mediati, vivi ed organici. Il Teatro rappresenta per l’Uomo la piena ed appagante realizzazione del suo essere simulativo, da sempre. Almeno da quando il Primate Amletico ha iniziato a comprendere attraverso la simulazione incarnata ed a comunicare attraverso al simulazione in scena.

Le ricerche del laboratorio parmigiano sono state (e saranno) di forte stimolo per le discipline scenologiche che si occupano dello spettacolo da un punto di vista evolutivo. Esse trovano in queste ed in altre scoperte scientifiche possibili conferme alle proprie ipotesi. Antropologi dello Spettacolo, studiosi di Performance Studies, ricercatori di Etnoscenologia, Antropologi del Teatro: sono in tanti ad interrogarsi sul bisogno di spettacolarità, sull’istinto teatrale umano, sugli aspetti di lunga durata e geneticamente determinati nelle espressioni spettacolari di società distanti tra loro nello spazio e nel tempo. Le comunanze e le condivisioni a questo livello d’analisi scendendo necessariamente nei corpi-mente dei pubblici e dei performer. Per questo le Scienze Teatrali devono interrogare le Scienze della Vita e le Neuroscienze: il perché dello spettacolo, il perchè si fa o si va a teatro è rintracciabile nei suoi come, nei suoi processi di produzione e ricezione. Processi che hanno dei dove specifici, delle localizzazioni anatomiche. Le ricerche di neurofisiologia forniscono dei dove e dei come al teatro, agli scenologi poi spetta il compito di elaborare dei solidi perché.

Per la TerraDiMai: seconda stella a destra, al civico Due

2008-02-08T04:20:00.001-05:00

Nell’epoca attuale della comunicazione di massa e dell’impresa culturale, il grande ed il piccolo schermo sono spesso gli spazi virtuali deputati alla trasmissione delle tradizioni, delle leggende, del folklore e della fantasia occidentali. Walt Disney ha fatto negli anni incetta di fiabe e racconti, spesso mutandone e traslandone lo spirito, quasi sempre facendone una cosa nuova e diversa: un prodotto. Le fiabe sono diventate merce, oggetti commerciabile nella misura in cui “impacchettati” in funzione di un target preciso, il più potente ed allettante fra i gruppi d’acquisto: i bambini. Così, mettendo in scena Peter Pan, dal Teatro Due ammoniscono: dimenticarsi Walt Disney, la bambinizzazione dell’originale soggetto di Barrie e la sua moralizzazione. Lo spettacolo sarà in scena dal 2 al 9 aprile, ore 21, con la regia di Davide Livermore, il testo tradotto ed elaborato da Luca Fontana, gli attori dello stabile, una decisa direzione poetica. Scordato il cinema, chiuso per un po’ il libro, Peter Pan arriva a teatro e da subito stabilisce le sue regole: niente cravatta, tante sorprese, molto gioco. A teatro come sull’Isola di Mai si sospende l’incredulità, si sceglie di abbandonarsi alla fantasia, al “come se”, al gioco in scena e della scena, in sala e sul palco.
Se Peter Pan è un inno alla giovinezza ed al gioco, alla gaudente e spensierata infanzia, egli è anche e soprattutto una “mitologia diffusa”, scrive Fontana, che parla a tutti, tutti i bambini di oggi e di ieri. Come ogni mito Peter Pan ha la forza dell’universale e della sua traduzione in immagini, in storia e personaggi: la perdita del corpo bambino, della vita in cortile ed in cameretta, dell’infanzia libera e leggera; Peter Pan ci parla del lutto che per il resto delle nostre vite cercheremo di elaborare: la perdita del bambino che siamo stati. Il mito dell’eterna giovinezza qualcuno lo insegue ricorrendo alla chirurgia estetica, qualcuno sublimandolo nella vita dei propri figli (schiere di mamme-amiche), qualcuno facendo l’attore, qualcuno decidendo di essere Peter Pan: un semidio che non invecchia, che vive in un’isola che non c’è mai stata, che lotta contro i pirati, che è amico delle fate e vola. Ma dietro la vitalità di Peter Pan e la sua luccicante Terra di Mai c’è un tempo sospeso, c’è la solitudine, c’è in fondo la non-vita (lo si dica piano…la morte). Il cattivo ha il corpo mutilato di Capitan Uncino, un despota adulto che ha una parte bambina ancora salda nonostante cerchi di negarlo e di ucciderla dandola in pasto ai pescecani; con la passione per i soprannomi e con una paura incredibile di un coccodrillo che fa tic-tac, con anzi il terrore negli occhi al solo sentire un lieve tic-tac-tic-tac…il tempo, il suo scorrere inesorabile.
Per tutti i bambini, di ieri e di oggi, sul palco ed in platea, la scena di Livermore non abbandona mai la dimensione del gioco: dai suoni ai voli, dalle musiche alle trasformazioni della pedana-nave-coccodrillo-casa; senza mai perdere l’ironia, sfruttando molti riferimenti attuali, per far felici anche i grandi, di oggi e di domani. In scena un trio esegue musiche originali dal vivo, mentre al “tavolo dei suoni” di volta in volta si creano, come in una fucina-cucina dell’udito, i rumori e con essi gli spazi: la fantasia dei suoni e delle azioni crea la scena, quella piccola e compatta delle camerette dei bambini, quella in bilico, ondeggiante di un galeone, quella fantasmagorica e inafferrabile dell’Isola di Mai. Tutti non-luoghi e non-tempi che esistono solo in funzione di qualcuno che li vive e li attraversa, che li fa risuonare e li agisce: esattamente come il Teatro, dove la distanza tra un’avventura e l’altra è pochissima e dove sono i corpi vivi e vitali di attori e pubblici a costruire la realtà dello spazio-tempo. Forse il segreto dell’eterna giovinezza sta proprio qui, nell’essere attore-artista o pubblico, ma di quelli che invecchiano senza diventare grandi e sono bersagli mobili per le ricerche di mercato.

NON E’ BELLO CIO’ CHE E’ BELLO, MA E’ BELLO CIO’ CHE PIACE, AL CERVELLO

2008-02-08T04:19:00.001-05:00

L’Etologia Umana definisce l’Arte come un comportamento comunicativo e remunerativo. Le funzioni primarie delle diverse espressioni artistiche di tutte le società di tutte le epoche sono infatti due: trasmettere informazioni e gratificare il sistema percettivo. Sulla prima fondamentale motivazione si concentrano le scienze semiotiche e le varie semiologie. Il secondo e complesso compito di stimolazione e appagamento “sensuale” dell’arte è l’oggetto di studio di un recente ambito scientifico: la Neuroestetica. Tale disciplina si propone d’indagare i fondamenti, le ragioni neuro-biologiche dell’esperienza estetica. In ambito filosofico le domande intorno al bello, all’arte, al gusto ed al piacere generati dalle esperienze artistiche sono sorte contestualmente alle domande sull’uomo. Aristotele, Platone, Kant, Nietzche…i grandi del pensiero filosofico di tutti i tempi vi si sono soffermati. L’etologia umana dello scorso secolo, quella di Lorenz, Tinbergen, Eibl-Eibesfeldt, ha fatto emergere le costanti e le componenti universali delle espressioni artistiche, del bello per l’animale uomo. Grazie agli apporti metodologici ed alle scoperte neuroscientifiche intorno ai sensi ed alle percezioni la Neuroestetica si propone ora di delineare un quadro completo della creatività e dell’esperienza artistica, partendo dalle basi neurologiche, fisiologiche ed anatomiche del corpo umano.
Le arti visive sono il campo privilegiato della ricerca neuroestetica, ma anche in ambito musicale sono attualmente numerosi gli studi di neuromusicologia. V.S. Ramachandran ha elencato 8 principi che egli considera leggi universali della Logica dell’Arte. Le sue 8 Leggi dell’Esperienza Artistica raccolgono le principali strategie di stimolazione e gratificazione dell’apparato percettivo umano (soprattutto visivo). Il Principio del Massimo Effetto si manifesta nell’amplificazione dei tratti fondamentali dell’oggetto rappresentato; si ricorre spesso nell’arte ad un “superstimolo” in grado di stimolare una “super-risposta” (l’esagerazione grottesca delle tecniche caricaturali ne è un esempio). L’alta sensibilità della percezione umana a legami e raggruppamenti fra gli oggetti fa si che si sia portati ad apprezzare le relazioni, le continuità, le regolarità ed ad inferire ed a completare l’informazione quando interrotta (un tale principio fu l’oggetto anche della Psicologia della Ghestalt). Il gusto per le forme e per certe coerenze nella disposizione degli oggetti sarebbe dovuto a questo meccanismo. L’attività cerebrale è poi molto sensibile alle temporalità ritmiche e necessità di stimoli cadenzati per coordinarsi e “sintonizzarsi” con quella degli altri. L’isolamento di un singolo modulo e la necessità di allocare l’attenzione su di uno stimolo alla volta così come il bisogno di far emergere i contrasti sono due principi all’origine delle disposizioni spaziali figura-sfondo, dei cromatismi che mettono in risalto oggetti in opposizione ad altri. Il cervello umano è principalmente interessato al riconoscimento di regolarità o di differenze e da esso è fortemente gratificato; tutto ciò che è novità, informativo è ben accolto in quanto differenza. La simmetria rientra come principio base all’interno del gusto per la regolarità, per la sicurezza e la generalizzazione percettiva, in vista di un risparmio energetico notevole. L’adozione di un punto di vista generico ed il più vasto concetto di “generalizzazione” sono principi base a loro volta funzionali al principio d’astrazione ed a quello di metaforizzazione. La metafora e l’astrazione come modalità d’organizzazione dell’informazione hanno un forte potere di rinforzo sui processi cognitivi umani: sono economiche, concentrando in una sola immagine diversi e complessi significati, ed essenziali alla capacità umana di categorizzazione e quindi di produzione di cultura. Il cervello umano però ama anche le sfide e così la risoluzione dei problemi percettivi viene spesso inserita nelle opere d’arte come fonte di gratificazione e rinforzo per la mente.
Naturalmente la magia ed il fascino dell’arte risiedono anche e soprattutto nell’idiosincrasia, nell’unicità delle mani e dell’abilità di ogni artista. Il cuore ed il gusto estetico hanno a volte ragioni che la ragione ed i neuroscienziati non conoscono.
Per approfondimenti e diversi esempi di studi neuroestetici si faccia riferimento a Beauty and the Brain, Biological Aspects of Aesthetics, edited by I. Rentschler, B. Herzberger, D. Epstein, Birkhäuser Verlag, Basel, Boston, Berlin. Per gli studi di V. S. Ramachandran si veda il sito internet www.psy.ucsd.edu/chip/ramabio e l’articolo di V.S. Ramachandran e William Hirstein, The Science of Art, A neurological Theory of Aesthetic Experience, “Journal of Consciousness Studies”, n. 6, 1999.

AFFARI DI CUORE

2008-02-08T04:18:00.001-05:00

“Nella solitudine dei campi di cotone”, testo del drammaturgo francese Bernard-Marie Koltès, prematuramente scomparso nel 1986, è stato uno degli eventi in scena al Teatro Parma Festival dello scorso maggio, interpretato da Lino Guanciale e Mariano Pirelli, curato da Giovanni La Fontana. Un momento di sospensione delle grandi azioni sceniche, un momento di riduzione, concentrazione e raggrumazione delle tensioni in un piccolo spazio, un breve tempo, una luce bassa, una musica discreta. Un momento di lucida e tagliente verità sulle relazioni umane, non solo amorose. Godot forse non lo si aspetta più da tempo nel teatro contemporaneo, ma certo ancora si viene rapiti dal fascino dell’assurdo, del presagito, del sentimento d’attesa, del desiderio inappagato perché inappagabile. Il tutto declinato nella società dei consumi, in cui il valore delle cose, delle persone, delle situazioni si misura sullo scambio, non più sull’uso. Così l’occasione scenica, l’hic et nunc dell’evento teatrale, è una vendita, uno scambio, di natura indefinita e d’entità irrilevante. Un dealer, venditore, ed un buyer, compratore, legati indissolubilmente dalla loro stessa condizione, entrambi bisognosi l’uno dell’altro per esistere, s’incontrano. Soffrono in alcuni momenti, in altri sicuramente provano piacere. Ed infine si lasciano, nel buio. Nel tempo sospeso ed indefinito del crepuscolo, nel perpetuo gocciolare dei momenti, nello spazio incolmabile della solitudine, il pubblico assiste al loro scambio. Parole e qualche gesto di contatto, di fuga, qualche movimento d’avvicinamento, nella costante frustrazione dell’azione e dell’iniziativa. Koltès ha reso dialogo serrato il paradigma delle relazioni umane: l’eterna lotta tra chi insegue e chi si fa inseguire, chi ha ed offre e chi non ha e chiede, in un’altalena di posizioni di forza determinate da chi ha i bisogni più forti, da chi rifiuta e lascia spazi di contrattazione. Nel rapporto tra i due uomini in scena non sappiamo con precisione quale oggetto, condizione, situazione, siano materia di scambio, ma certo l’ora tarda, le luci lontane davanti e dietro di noi e l’esitazione dell’uno davanti alla fermezza dell’altro, e viceversa...le gambe che si divaricano, gli occhi bassi, l’imbarazzo e la malizia…E’ un rito che si ripete perpetuo ed efficace come solo i riti possono essere: l’eterno e paradossale gioco delle parti, cui nessuno di noi si può sottrarre. Uno spettacolo che lascia il pubblico e gli attori nella solitudine della loro umanità, nell’incomunicabilità e nell’insoddisfazione. Perché scambio non significa incontro, o meglio, non significa condivisione; perché non ci si può sottrarre alla lotta.

MORTE E RESURREZIONE DELL'UOMO

2008-02-08T04:17:00.001-05:00

A Francoforte, dal dicembre 1963 all’agosto 1965, si svolse uno dei processi per crimini contro l’umanità dei gerarchi nazisti, delle Ss e dei medici, che gestirono il campo di concentramento di Auschwitz. 183 giornate, 409 testimoni, di cui 248 sopravvissuti al lager, che i Russi liberarono nel gennaio 1945. Fra il pubblico che assistette al procedimento giudiziario sedeva Peter Weiss, che annotò le dichiarazioni dei partecipanti e compose, con le esatte parole pronunciate in aula, il “dramma-documetario” che intitolò Die Ermittlung, L’Istruttoria. Fra i diversi modi di comunicare l’orrore Weiss scelse la Verità. La più meschina, gelida, inconcepibile, irrimediabile, ineluttabile Verità. Dal trauma della verità, di quella sul Nazismo e sull’Olocausto del popolo ebreo, la Germania e l’Europa tutta non si sono mai più riprese. Neanche gli americani, neanche il Vaticano. Da allora viviamo nell’ossessione del ricordo, più per disperata ricerca di catarsi che per monito ai posteri. Da allora si susseguono tentativi, disperati quanto il loro oggetto, di rendere conto e giustizia di quanto accaduto. Come se eventi di tale portata “accadessero”. Come fosse stato un cataclisma naturale. La terra è stata squassata e non è mai più stata la stessa, ma ci furono dei responsabili, con nomi e misure precise per le loro divise. Qualunque celebrazione della memoria è sempre in parte un tentativo di auto-assoluzione. Non c’è vergogna in questo, è legittima ricerca di pace.
Dallo spettacolo con cui Gigi Dall’Aglio porta in scena questo dramma però non esce assolto nessuno, né i personaggi in scena né il pubblico; non si esce sollevati dalle colpe n’è dall’angoscia di quello a cui si è assistito. Si lascia la sala in silenzio, senza applaudire, senza lo sfogo liberatorio a cui siamo abituati. Si assiste attoniti, come fecero i nostri nonni, i nostri padri in quegli anni, con la stessa sensazione di impossibilità. E’ impossibile, lo si racconta ma è impossibile. Eppure non c’è più spazio per i dubbi. Non c’è spazio per la pietà, verso chi ha assistito e chi assiste ora, seduto, a tutto questo. Neanche verso gli attori, da subito privati della loro libertà e della loro intimità, come i personaggi che stanno per interpretare, vittime e carnefici: il pubblico è condotto nei loro camerini, li osserva prima della recita e viene immediatamente spinto dentro un percorso a spirale di violenza. La Divina Mimesis di Pasolini nell’aria.
L’Istruttoria, spettacolo storico della compagnia del Teatro Due, in scena tutti gli anni con regolare ed inquietante regolarità dal 1984, sarà anche quest’anno allestito nello Spazio Bignardi del teatro dal 31 gennaio al 18 febbraio, in prossimità della Giornata della Memoria (27 gennaio). Lo stesso regolare ed inquietante ritmo drammaturgico che Weiss scelse per scandire il suo dramma. Un’oratoria in 11 canti, uno per ogni tappa che i deportati erano costretti ad affrontare, dal loro prelevamento da casa alla morte nei forni crematori. Durata reale: 9 mesi, quanti un detenuto-operaio medio resisteva prima di soccombere. Una sorta di Sacra Rappresentazione della Pasqua, del martirio dei capri espiatori d’Europa, di Via Crucis aberrante, di viaggio dantesco in inferi emersi. Personaggi: il giudice, il difensore, l’accusatore, 18 accusati, 9 testimoni anonimi, ognuno che impersona più di un testimone reale. Molti oggetti, che tengono il pubblico il più ancorato possibile alla realtà, alla quotidiana verità in cui tutto accadde. Ma ancora è difficile credere. Il rito si ripete ogni anno al Teatro Due. Nel dramma stesso con la medesima ritualità si avvicendano i personaggi e come nelle cerimonie sacre si cerca una credulità, una fede, un’adesione nel pubblico. Il Teatro efficace e rituale usa tutti i suoi mezzi. La recitazione degli attori è impeccabile. Ma il rifiuto della realtà spesso è più forte.
C’è qualcosa nell’Istruttoria del Teatro della Crudeltà, nelle parole atroci pronunciate; dello straneamento brechtiano, nei cartelli che appaiono in scena; del documentario, nelle precise informazioni fornite su materiali e tecniche di morte e tortura; della Sacra rappresentazione e del Teatro Sacro medioevale, come si è detto; del circo romano, nel massacro paradossalmente spesso vissuto come gioco dai gerarchi. C’è la nostra Storia, teatrale e reale. C’è l’Uomo in scena. E non potremo mai accettarlo.

-il canto della banchina arrivo e discesa dai treni dei deportati per la selezione per chi muore e per chi lavora
- canto del lager campo in generale
- canto dell’altalena torture per i prigionieri
- il canto della possibilità di sopravvivere descrive impiccagioni e i meccanismi con cui alcuni prigionieri privilegiati procrastinavano la morte collaborando in qualche modo coi carnefici
- canto della fine di lili tofler racconta un caso individuale
- il canto del unterscharfuerer Stark descrive i crimini di questo militare particolarmente crudele
- il canto della parete nera si riferisce al muro contro cui venivano fucilati
- il canto del fenolo descrive gli esperimenti medici mortali e dolorosissimi effettutati contro i prigionieri e la morte inflitta a molti con iniezioni di fenolo
- il canto del bunkerblock descrive i canili dove venivano rinchiui fino alla morte per fame e per sete i prigionieri detenuti e punti per qualcosa
- il canto del cyclon b descrive le camere a gas
- il canto dei forni descrive la distruzione dei cadaveri

LEZIONI DI STILE, D’UN PINGUINO SENZA IL FRAC

2008-02-08T04:16:00.001-05:00

“…apri bene gli occhi, parla bene, ascolta tanto…”
Ripensando alla produzione teatrale della scorsa stagione a Parma, c’è uno spettacolo che ci ha divertito, emozionato e affascinato più di tutti. Ci si è trovati a pensare “no, ancora, ancora, non fatelo finire”, si è riso tanto, si è pianto un po’, ci si è fatti qualche “semplice” domanda sul senso della vita, ma senza angoscia…tutto quello insomma che si vorrebbe (e scusate il moralismo, dovrebbe) fare quando ci si siede in una platea teatrale. Il pinguino senza frac, l’ultima favola-in-scena di Letizia Quintavalla e del Teatro delle Briciole, ha debuttato la scorsa primavera al Teatro al Parco e da quel momento Salvatore Arena, Agnese Scotti e Beatrice Baruffini, i tre attori, non hanno più smesso di dondolare, strusciarsi e “pinguinare” (se la mucca muggisce il pinguino pinguinisce, forse).
Il pinguino senza frac è uno di quegli spettacoli per i quali qualunque definizione ci sembra riduttiva; qualunque riconduzione ad un codice narrativo o stilistico sarebbe assolutamente non esaustiva, e ne tradirebbe il senso e la poesia. Il pubblico è per lo più molto basso, rumoroso e colorato, e da ciò si potrebbe dedurre che l’ambito sia quello del teatro per ragazzi. Ma nient’altro, a parte appunto l’altezza e il nostro cappotto nero, ci ha fatto sentire seduti nella platea sbagliata. Anzi, ci si è sentiti a nostro agio come poche volte, e con un solo biglietto si è assistito a due spettacoli: uno in scena ed uno, piuttosto movimentato ed imprevedibile, in sala.
Si è tentati, poi, di definire la storia, liberamente tratta da un racconto di Silvio D’Arzo, come un romanzo di formazione: il viaggio di un giovane verso la maturità, superando le avversità del cammino con carattere e tornando a casa senza niente nello zaino ma tanta esperienza e saggezza nel cuore. Ma così non si renderebbe affatto conto dell’originale taglio comico e commovente del racconto, degli aspetti didattico ed animalista, della poesia semplice ma intensa. Limpo è un giovane pinguino, nato in una famiglia povera, così povera ma così povera, che la sua mamma e il suo papà non possono provvedere a lui; tantomeno possono procurargli il frac che ogni rispettabile pinguino dovrebbe indossare. Senza il frac Limpo, tutto bianco e stralunato, non può andare a scuola. Fatto il sacco, salutati la mamma ed il papà, Limpo si mette allora in cammino, per procurarsi i soldi necessari per avere un frac di tutto rispetto. Saranno il suo coraggio, la sua cortesia ed il suo rispetto a fargli guadagnare quanto basta per un frac. E non solo. Limpo è un “pinguinino” con tanta voglia di sapere, conoscere, capire, e saprà fare tesoro degli incontri durante il viaggio, tutti preziosi momenti di scoperta del mondo. Si accorgerà di come il pianto dei cuccioli sia universale, che si tratti di pinguini, di temibili e feroci orsi o d’infidi e crudeli uomini cacciatori. Perché essere forti non vuol dire essere felici. Scoprirà quanto è duro il mondo, quando dopo tante fatiche e tanti sacrifici verrà derubato di tutti i soldi guadagnati. Ma per fortuna per avere un frac, specialmente se si è un pinguino che cresce, non sono poi così tanto necessari i denari; piuttosto si deve aver imparato a stare da soli, aver visto l’orso in faccia, aver faticato, aver conosciuto l’uomo. E Limpo tutte queste cose le ha fatte. Ed il frac se lo è splendidamente meritato.
Non c’è niente di scontato ne Il Pinguino senza frac. Il fatto che molti indizi (i protagonisti sono pinguini e i co-protagonisti foche, orsi e gabbiani) facciano immediatamente pensare di essere in Antartide, non ha affatto limitato l’immaginazione del pubblico: le splendide scene di Abel Herrero e le suggestive luci di Massimo Consoli, suggeriscono più un ambiente lunare e del sogno, un luogo algido e gelido senza tempo, un Circolo Sociale Antartico. Le musiche di Alessandro Nidi riescono ed essere epiche e delicate, come è d'altronde la schiusa di un uovo, la vita.
Se poi la foca è una tirchia signora veneziana, il crudele gabbiano ha un che di uomo d’onore, il pinguino Limpo è un po’ Oliver Hardy e un po’ Stan Loren…bhè…io rinuncio a capire dove sono, in che epoca ed in che dimensione, e rido. Rido perché gli attori sono perfetti nei loro ruoli, divertentissimi e divertiti; perché Limpo più che un pinguino è un “suppergiù-giùdilì-cosasei-tuttounpò” (e perché il mio vicino, basso e colorato come tutti gli altri, si è alzato dando del maledetto al gabbiano che ha rubato i soldi a Limpo). E mi commuovo, perché un pinguino che riabbraccia la mamma ed il papà fa piangere, sempre, e lucean le stelle anche. La bellezza di questa favola in scena è proprio qui, nel riso e nel pianto, nella partecipazione e nell’immedesimazione intense che fa vivere, a tutto il pubblico, a chi è basso e colorato, a chi è un po’ più alto e serioso.
Tante urla, strepiti, lacrime e risate finali in platea. Di gioia.

FULL METAL CESAR

2008-02-08T04:14:00.000-05:00

“Si avvisa il gentile pubblico che nella seconda parte dello spettacolo Giulio Cesare verranno esplosi numerosi colpi di arma da fuoco a salve - La Direzione.” Come dire che chi ti si sta presentando è un personaggio dal nome altisonante, celebre e glorificato, che però sente la necessità di avvisarti da subito che tra poco darà in escandescenza, ma per finta; che ha un caratteraccio da star, ma è ancora una persona semplice. Ti viene da pensare che gliel’abbia consigliato il suo terapista, che sia un esercizio per la gestione delle reazioni. Giulio Cesare, presentato lo scorso maggio in anteprima al Teatro Festival Parma (Teatro Due), di cui è una delle ultime produzioni, ha accolto il suo pubblico scegliendo di palesare da subito le proprie intenzioni ed è apparso immediatamente un po’ timido e complessato, nonostante la nomea eroica. Per fortuna la prima impressione va spesso gettata. Se lo storico Cesare ha guidato un impero da epilettico, anche questo scenico Giulio Cesare è riuscito a suo modo a portare il pubblico nella violenza e nella ferinità umane, quelle sincere, profonde, nonostante i tic e le fisime che sembravano affliggerlo. Dietro una facciata ed un allestimento un po’ pretenziosi, apparentemente aggressivi ma impotenti nello sconquassare le coscienze ed i sistemi percettivi del pubblico, si è potuto cogliere una vena parodica ed ironica, sotto cui intuire l’interna bellezza, la possibile profondità, le complesse dinamiche individuali e relazionali dei personaggi, le vere doti dello spettacolo. Ignorando i costumi, mimetiche, mitra e tatuaggi, le luci, la cocaina, le musiche ed i rumori di apache in ricognizione sulla platea… lasciando perdere il tutto, ho gustato ciò per cui ero lì, quello che cercavo: il fascino dell’uomo. Di Will e dei suoi testi eterni, che per sempre avranno pieghe inaspettate, ulteriori riflessioni, metadimensioni, luminose ed illuminanti. Dei quattordici attori, talentuosi ed intensi, di Valerio Binasco (Giulio Cesare), Paolo Serra (Cassio), Fulvio Pepe (Bruto), Luca Giordana (Marc’Antonio), ed ancora Andrea Narsi, Stefano Moretti, Fabricio Amansi, Eleonora Pippo, Ivan Olivieri, Roberta Sferzi, Ilenia Caleo, Davide Lora, Filippo Berti. Del giovane regista inglese di nobili natali e belle speranze, Tim Stark, che se come statista o stratega non è stato granché convincente, è stato evidentemente un buon analista, in grado di rendere scena, carne ed evento l’eterna ed umana lotta tra bene e male, in ogni personaggio. È stato certo entusiasmante il rendersi conto ancora che l’uomo è il carattere del teatro, che l’interprete può fare a meno di tutto, fuorché della sua stessa generosa interpretazione. Sono state le voci e le loro inflessioni più intense, gli sguardi, i tremori delle mani e dei petti a suscitare il rapimento nel pubblico; sono stati i piccoli segni di umanità dei personaggi a sedurre. Non interessava quante munizioni avessero indosso e quanto forte potessero gridare i propri comandi per vederne e sentirne la carne, la debolezza, la lotta interiore, il carisma. E’ stato come assistere alla rivincita dell’uomo sulla macchina, del corpo sui dispositivi; l’arma efficace a teatro è l’attore, sempre di più, in grado di stabilire un rinnovato contatto con le profondità dell’animo e del corpo umani, senza mediazioni e tramiti. Occhi negli occhi. Certo bisogna perdonare a questo tipo di teatro i complessi che sconta nell’aspra competizione con il cinema, ma è anche da ciò che sorge il riscatto dell’interprete. E si comprenderà un po’ di arroganza ed esibizionismo, volentieri, se ci viene generosamente permesso di raggiungere la sostanza. Un piccolo smacco al teatro di regia, commozione per il sanguinario Bruto, un sorriso di complicità per il tirannico Cesare: per chi si sente disponibile lo spettacolo debutterà al Festival Shakespeariano di Verona a luglio, con Franco Branciaroli nel ruolo di Cesare.

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ELETTRA SHOCK

2008-02-08T04:13:00.000-05:00

Le nevrosi moderne, le passioni contemporanee hanno origini antiche. La poesia tragica greca n’è stata e n’è una delle espressioni più alte. Se il mito Edipico e le tragedie che lo vedono protagonista declinano gli archetipi fondamentali dell’animo maschile, specialmente nel complesso rapporto con la figura materna, il mito di Elettra rappresenta, da questo punto di vista, la sfera femminile ed il profondo legame con la paternità, la mascolinità in generale. Negli anni della nascita della psicanalisi, dell’Io moderno ed articolato, le cui profondità devono essere scandagliate nelle quotidiane difficoltà del vivere, nelle scienze umane come nel teatro si è scritto di Edipo e di Elettra e ne sono stati illuminati gli aspetti di continuità con il nuovo essere umano, emerso dalla rivoluzione borghese. Nel 1903 Hugo von Hofmannsthal ha composto il dramma ispirato all’Elettra di Sofocle e ne ha fatto emergere appunto gli elementi più moderni: una paura che diviene fobia, un odio che è rancore, un’amore che si fa passione, attaccamento, ossessione. Ora, passato un secolo di psicanalisi su tutti noi, si direbbe che i tempi siano maturi per affrontare tutto questo. Così oggi lo stesso testo portato in scena dal giovane regista napoletano Andrea de Rosa, conduce il pubblico dentro la reggia micenea, lo immerge nel tempo immobile dell’animo umano. Il tempo dell’inconscio. L’esperienza è pervasiva, la catarsi non è più panacea. La fobia torna ad essere terrore, il rancore una rabbia dirompente, l’ossessione la ragione di una vita. Una vita passata nell’attesa di una vendetta che non spetta ad Elettra, nell’attesa di un uomo, un padre, un fratello, Oreste, che la venga a salvare; ma il senso è scivolato via dalle azioni e nessun uomo, potente o meno, potrà più ristabilire un ordine, una giustizia, un equilibrio. Elettra, una produzione del Teatro Mercadante, lo Stabile di Napoli, in collaborazione con la Fondazione Teatro Stabile di Torino, ha debuttato lo scorso dicembre 2004 e segnerà una tappa della sua turnee al Teatro Due, dal 28 febbraio al 5 marzo, andrà poi a Reggio Emilia, Teatro Cavallerizza, dal 7 al 12 marzo (prima passerà da Modena, Teatro delle Passioni, dal 4 al 12 febbraio). Il numero di spettatori è limitato, in ragione di un allestimento e di una regia sul suono eccezionali, che sono valse al loro ideatore, Hubert Westkemper, il Premio Girulà 2005, per la miglior ripresa del suono, il Premio A.N.C.T. dell’Associazione Nazionale Critici di Teatro ed il Premio Speciale Ubu 2005. Il lavoro di ricerca compiuto sul suono ha portato Westkemper a realizzare uno spettacolo del suono, in cui il pubblico assiste dal vivo alla tragedia pur indossando delle cuffie stereofoniche. Nelle orecchie degli spettatori arriva diretto, intenso ed incredibilmente vivo il suono della scena, ripreso con una tecnica detta “olofonica”. Ci si ritrova dentro l’azione, dentro le stanze e gli spazi reconditi della reggia e dell’animo dei personaggi. Non si ascolta raccontare un dramma, perché non è più possibile farlo. Se ne esperiscono i cigoli, gli squassi e i passi, si sentono risuonare dentro i sospiri, i lamenti e le grida. Abbandono del lettino, viaggio sonoro nell’inconscio, che ha tutta l’aria di essere terribilmente reale. In cuffia arrivano le voci e tutti i suoni dei movimenti, degli ambienti percorsi, dei sottofondi, degli spazi ancora più lontani. In una dilatazione e una concentrazione che portano il senso uditivo a viaggiare dalla dimensione più intima a quella più manifesta. Se all’udito è riservato il privilegio di sentire lo spazio, alla vista viene ineluttabilmente sottratto il suo primato. Una vasta vetrata tra il palco ed il pubblico si pone come un diaframma tra la vista e la completa esperienza delle azioni e dei comportamenti umani. Nelle scene di Raffaele di Florio i personaggi si specchiano, ma ciò che ritorna loro sono solo immagini deformate; la superficie ormai ha perso corrispondenza con la realtà. La ricerca dell’originale equilibrio, della giustizia dei primordi, il desiderio di ricostituire un ordine irreparabilmente corrotto, porta i personaggi a sforzare la vista, ad avvicinarsi al vetro. Ma ancora ritorna loro solo dolore, frustrazione, per l’immagine persa e per la sua incomunicabilità. L’interpretazione dei quattro attori, Frederique Lolite, Maria Grazia Mandruzzato, Moira Grassi, Gabriele Benedetti, negli eleganti costumi di Ursula Patzak, rende la partitura sonora carnale, fisica, corporea, erotica nonostante le cuffie, il vetro ed i 2500 anni di distanza dal mito. Al banale ossimoro di tradizione e modernità, classicismo ed avanguardia, che riempie la bocca degli artisti di una ricerca che ha più l’aspetto del marketing spicciolo, gli artisti di questa straordinaria produzione rispondono con un’inventiva, una passione ed una professionalità alte e gratificanti.

CESAR BRIE: DAGLI APPENNINI A LOS ANDES

2008-02-08T04:12:00.000-05:00

Vita, morte e arte in scena con un attore, un testimone, un esule,in giro per il mondo da quasi cinquant’ anni,che ha cose importanti da dire e le fa.

La memoria:
colui che ricorda, testimonia.
Ogni artista, ogni attore
Testimonia a un tempo arte, morte e vita.
La vita che ricorda,
la morte che lo attraversa,
l’arte che rivela entrambe.
(César Brie,
in César Brie e il Teatro de los Andes,
a cura di Francesco Marchiori,
Ubulibri, Milano, 2003)

Dalla Pampa, da Buenos Aires agli Appennini e poi dall’Italia alla Danimarca, ed ancora da lì all’Italia, ed ora alle Ande, a Yotala in Bolivia. Ha viaggiato una vita da esule César Brie, straordinario uomo di teatro argentino, rifugiato politico in Europa per più di vent’anni e poi finalmente tornato in Sud America, in Bolivia, il paese che lui stesso definisce il più sud americano di tutti, con il 70 % di popolazione indigena ad una storia di sfruttamento coloniale e d’impoverimento molto dura. Vive lì, ad altissima quota, dove l’aria è rarefatta ed alla fatica ed al fiato corto ci si deve abituare, con la sua comunità teatrale, Il Teatro de los Andes; con loro crea spettacoli da più di dieci anni, con loro, attori di tutto il mondo che s’incontrano in seminari, studi, residenze, interroga e assorbe le straordinarie tradizioni boliviane, aiuta la cultura e lo sviluppo del paese, crea opere intorno a pensieri. Storie, momenti, sentimenti da raccontare, cose da dire e da fare, con il corpo e con la voce.
Fuggito nei primissimi anni ’70 dalla sua Buenos Aires, dove è nato nel 1954, Cèsar Brie ha iniziato prestissimo, a 17 anni, la sua vita di testimone, d’attore. Il bisogno di comunicare lo spinse in scena, in un momento molto infausto per la libertà d’espressione e per l’arte nel suo paese. La dittatura argentina di quegli anni ostacolava con ogni mezzo ed ad ogni costo chi come lui, e i suoi compagni della Comuna Baires, si dedicava alla testimonianza, alla cultura ed ai sentimenti, recitando. Costretti ad abbandonare l’Argentina per le persecuzioni, gli attori della comunità teatrale guidata da Renzo Casali, portarono il loro lavoro di ricerca intensa e radicale in Italia, dove Brie li raggiunse alla fine del ‘74. Iniziò così una vita da esule che lo avrebbe portato a girare l’Europa e di nuovo l’America Latina, sempre lontano dalle sue origini, dalle sue radici. Con la Comuna Baires mise in scena in Italia, in Francia, in festival e teatri europei lo spettacolo dal titolo Water Closet ed in collaborazione con alcuni gruppi politici della sinistra rivoluzionaria ed operaia Washington Washington. L’esperienza comunitaria in esilio durò poco, le relazioni all’interno del gruppo si rovinarono e Cèsar si separò dai compagni per creare insieme ad altri giovani attori a Milano il Collettivo Teatrale Tupac Amaru (tra loro anche il giovane Danio Manfredini). Lavorava nei centri sociali, immerso nelle realtà più dure di quegli anni di protesta in Italia. L’attività di ricerca e sperimentazione attorica era intrinsecamente legata a quella di libertà, spazio, affermazione della differenza, lotta sociale e civile. Durante tutti gli anni ’70 Brie portò in giro per l’Italia la sua testimonianza, la sua attoricità e le fece incontrare con gli uomini e le donne della ricerca teatrale italiana di quegli anni, con quel Terzo Teatro che si stava affermando nel clima di ribellione ed effervescenza sociale più aspro e controverso della storia del nostro paese. Erano gli anni di Se nulla succede e A rincorrere il sole. L’incontro e l’amicizia con Antonio Attisani lo portano ad una collaborazione con la rivista teatrale da lui diretta, “Scena”. Cruciali per la sua vita artistica anche l’incontro con Grotowski e Cieslak alla Biennale di Venezia ( 1978/79) e soprattutto con Eugenio Barba (1980), il suo gruppo teatrale Odin e con l’attrice Iben Nagel Rasmussen. Sarà lei a determinare una svolta nella vita e nell’arte del giovane César. Con lei stringerà un sodalizio artistico e di vita e con lei imparerà, come egli stesso ha affermato, tutto quello che sa sul lavoro dell’attore. Il gruppo che li vide recitare insieme si chiamò Farfa; con loro altri attori dei gruppi di base della ricerca italiana ed internazionale, fra cui Pepe Robledo e Pippo Del Bono. Il gruppo lavorò intensamente, in giro per il mondo, mettendo in scena Heridos por el viento e lo straordinario Matrimonio con Dio, spettacolo basato sulla vita del ballerino Vaclav Nijinskij, che vide in scena la Rasmussen e lo stesso Brie. Di entrambi e solo loro anche lo spettacolo Il paese di Nod, una riflessione sull’esilio che diverrà motivo dominante nella poetica di César. Per tutti gli anni ’80 César si affianca all’Odin ma non si integra al gruppo danese di Barba, pur vivendo nella loro sede di Holstebro. Non fu mai infatti nell’Odin come elemento, attore stabile, prese parte solo a Talabot. Lasciò la Danimarca nel ’90, per tornare in Italia e cercare da solo e con altri attori vicini alla sua poetica, nuovi modi, nuove voci da portare in scena. Primo grande frutto delle trascorse esperienze sarà Il Mare in Tasca del 1989. Creò poi un Romeo e Giulietta con Naira Gonzales, l’ultimo spettacolo creato in Europa, intenso e complesso con testi di diversa provenienza ed un’ambientazione greca. Finchè il bisogno di tornare alla dimensione da cui era partito, alla lingua con cui era nato, ai luoghi ed alla gente a cui in qualche modo apparteneva, ebbero il sopravvento. Finchè il mestiere di testimone esule che ormai aveva assunto su di sé non lo spinse a risparmiare soldi, forze, energie e pensieri ed a portarli tutti, in poche valigie, in Bolivia. Partì nel 1991, con Naira Gonzales e Giampaolo Nalli, lasciando trascorrere un anno di peregrinazioni sceniche, portando in giro spettacoli, cercando stimoli e persone, facendosi conoscere e conoscendo. In Bolivia Brie rimane un esule, lì diviene un testimone lucido e cruciale della vita di molte persone, personaggi, delle ansie, delle gioie e delle paure della gente; in Bolivia da attore continua a raccontare, da uomo continua a lottare, e viceversa. La vita e l’arte fuse, compenetrate. L’impossibilità del ritorno vissuta come una risorsa, come un’opportunità. La scoperta che l’esilio non finisce mai, che è una condizione irreversibile. La necessità del ricordo che si fa pressante. Il continuare a porsi domande pertinenti, dice Brie, e non aver paura di non sapervi rispondere. Così, con poche essenziali linee d’azione, nasce il Teatro de los Andes, che ha creato negli ultimi dieci anni numerosi spettacoli, coinvolto pubblici di tutte le lingue, le nazioni, le culture, le condizioni sociali. Da Ubu a I Sandali del Tempo, da Colon a Solo gli ingenui muoion d’amore. Il Teatro de los Andes ha così dato vita ad un’esperienza unica, è una comunità artistica che vive di dedizione e passione per il teatro e che con esso dà voce, carne e mente alla memoria ed ai sentimenti del popolo boliviano, e non solo.

INTERROGANDO LA SCENA E LA VITA DI CESAR BRIE
Davanti alle persone le cui vite, le cui biografie scorrono negli immensi alvei della Storia, hanno la forma della Storia e ne seguono il corso maestro, senza essere capi di stato, imprenditori di colossi economici, eroi di guerre lontane, davanti a queste persone io sempre rimango allibita. E nutro un sentimento a metà tra l’ammirazione e la totale estraneità, tra l’invidia e la paura. Persone che non hanno salvato vite o guidato popoli, ma che si sono fatte carico in qualche modo in prima persona degli Eventi. Niente di eroico in senso tradizionale. Persone con una causa, un motivo al di là di sé stessi, condiviso con altri.
César Brie è una di queste persone. Ha dato un senso alla sua vita ed alla sua arte, ha dato un senso alla sua vita con l’arte e ha dato un senso all’arte con la sua vita. César Brie è un attore che da sempre vive in esilio dal suo paese d’origine e che da sempre attraversa i continenti, gli stati, i gruppi e le comuni, le vite degli altri, pubblici anonimi o compagni, per parlare loro di vita, morte, arte. Ed in questa condizione, d’attore, testimone, apolide, viaggiatore, vive da 52 anni. Lo ho incontrato a Parma nell’ambito della retrospettiva a lui dedicata dal Teatro delle Briciole, che quest’anno per tutta la stagione ha pennellato ritratti dei diversi teatri contemporanei, lasciando ad ogni attore o gruppo lo spazio di espressione di più di un allestimento. Perché il pubblico sappia chi c’è in scena. Ed in scena ai primi di aprile c’era appunto César Brie con i suoi Fragile ed Otra vez Marcelo.
Rimango sempre molto colpita quando incontro qualcuno che per tutta la sua vita si è dedicato e si dedica alle sue passioni, che segue un interesse ed un sogno alti con tenacia e perseveranza. Tu hai dovuto affrontare molte difficoltà, l’esilio soprattutto, ma anche la sopravvivenza nel sistema teatrale europeo. Come si fa a vivere una vita per il teatro, come è stato possibile per te sentire una vocazione così forte che ti ha portato a vivere un’esistenza per l’arte?
Ma sai, uno non ci pensa a quanto è duro, uno vive quello che gli capita. Io avevo il bisogno di esprimermi. Non so se era una vocazione o lo è diventata quella per il teatro. Ho scelto il teatro ma forse non è il mezzo più adeguato per me. Mi ha costretto a studiare e a formarmi, poi insieme a quello c’è stato il prezzo da pagare, che non è mai stato in soldi ma in vissuto, in perdite: in questo caso in un esilio. Ma su queste cose non rifletti mentre le vivi. Le vivi e basta e vai avanti. Ho pensato di smettere di fare teatro nel momento in cui ho pensato che non ero bravo, dopo 7 anni; sentivo che non ero in grado, che facevo cose brutte. Proprio in quel momento è arrivato il primo spettacolo buono che ho fatto. E questo mi ha cambiato l’esistenza; da lì è stato tutto un provare e riprovare, cercare, tentare, rischiare, investigare. Il secondo forte momento è stato quando ho deciso di tornare in America Latina, perchè ero stanco del primo mondo e di lavorare per un pubblico che non capivo, con cui non avevo più un rapporto ed un contatto. Invece a me interessava ed interessa lavorare sapendo per chi lavoro. E poi c’era il problema della lingua: la mia lingua madre è lo spagnolo e avevo bisogno dopo tanti anni di riutilizzarla. Così sono andato in America Latina, in Bolivia, che è il posto più difficile ed ostico del continente, dove la vita è più dura, dove ero di nuovo un emigrante. Fino ad adesso è andata bene!
Perché avete portato in tournee in Italia proprio questi due spettacoli, Fragile ed Otra vez Marcelo? Sono all’apparenza molto lontani tra loro, uno su di una bambina che lotta contro un mondo di adulti con le sue idee i suoi sogni adolescenti e uno su di un uomo che lotta contro un sistema, contro la politica marcia del suo paese, contro l’imperialismo straniero e l’impoverimento della sua gente, fino alla morte. C’è un motivo particolare per questa decisione?
Erano quelli che avevamo in repertorio e che non erano mai stati portati in Italia. Fragile non è nuovo, è stato realizzato tre anni fa, ma poi è partita un’attrice e per un po’ non lo abbiamo più portato in scena; lo abbiamo ripreso solo ora. Il pubblico Italiano non li aveva ancora visti e ci sembrava il motivo più valido.
Come ti trovi a venire in Italia ad allestire i tuoi spettacoli davanti ad un pubblico che condivide poco o niente con le condizioni e le persone in cui e con cui sono stati realizzati in Bolivia? Il primo mondo ed il terzo sono in fondo due realtà parallele che si toccano poco, come fai a tornare qui e recitare all’interno del sistema che hai lasciato anni fa?
Non sono d’accordo. Il pubblico è fatto di persone e le persone che vanno a teatro hanno un interesse, hanno una cultura, hanno un bisogno. E’ un bisogno che certo non ha chi resta a casa a vedere la televisione. A teatro vengono persone sensibili, che meritano il lavoro che gli viene proposto, persone per le quali vale la pena lavorare. E’ molto bello verificarsi qui con la gente anche se è anche molto diverso rispetto alla Bolivia. Ma non cambia poi tanto: ciò che c’è di veramente differente sono le condizioni economiche, ma non quelle morali od etiche. Queste sono condizioni che hai dentro, ce le hai o non ce le hai, qui o nel terzo mondo. Ci sono energumeni ovunque, persone di valore ovunque. La condizione economica non determina tutto, è una circostanza, ma le persone sono persone sempre, nell’indigenza e nell’abbondanza. Là è molto bello lavorare con la gente ma anche qui i ragazzi che cercano di fare teatro sono forti, molto generosi. Si trovano situazioni splendide anche qui. Le persone attraversano e sono attraversate dalle loro condizioni economiche e sociali, ma queste sono solo una parte del tutto. Ad esempio qui siamo in un teatro splendido (n.d.r. Teatro al Parco, Parma), che fa spettacoli molto belli, dove le persone lavorano tantissimo, un luogo che è dedicato all’arte e non si può non tenere conto che esista. In Bolivia queste realtà ci sono meno. Non credo che il Teatro delle Briciole non abbia dovuto lottare per realizzare le sue stagioni, questa è la verità.
Boris Vian, l’autore del racconto a cui in parte s’ispira Fragile, scriveva: “non vorrei crepare prima di aver scoperto se la luna dietro la faccia di vecchia moneta ha una parte puntuta, se le quattro stagioni sono poi veramente quattro…”. Tu cosa desideri ancora fare, cosa vuoi realizzare, quale piccolo o grande progetto rimane dentro di te come un sogno o come un obbiettivo concreto?
Io sono un artista e vorrei continuare a fare quello che faccio da sempre. Vorrei scrivere più opere, produrre ancora commozione nella gente. Il mio mestiere è questo, vorrei fare qualcosa che possa ancora scuotere ed inquietare tutti. Non sempre ci riesco, ma ci provo sempre.
Terrai a Mira un Seminario e sarà anche l’occasione per portare avanti una residenza con alcuni allievi lavorando su Zio Vanja di Cechov, ce ne vuoi parlare ed anticipare qualcosa?
Non parlo mai delle cose che ancora non ho finito. Farò un seminario e una residenza con un gruppo allievi con cui ho lavorato a l’Aquila un anno e mezzo fa. Adoro Cechov e non ho mai avuto il coraggio di montarlo e ora credo sia giunto il momento di farlo. Il gruppo di attori italiani ha portato avanti nell’ultimo anno il lavoro in base alle indicazioni ed alla riflessione emerse nel seminario fatto. Avevo promesso loro un aiuto e ora che ho visto dove sono arrivati posso riprendere. La regia è fatta da me ed Isadora Angelici, un’allieva ma anche una brava regista.
Com’è stato invece portare in scena ed interpretare la vita di Marcelo, una persona e non un personaggio, che ha vissuto intensamente nel nostro secolo? Immagino che tra l’interpretazione per esempio di Amleto e delle diverse persone vissute, esistite, che hai portato in scena nei tuoi spettacoli passati, ci sia una considerevole differenza.
Recitare la parte di una persona e non di un personaggio è certo più difficile perchè devi stare sempre nelle righe, soprattutto in questo caso in cui sono ancora vive le persone che lo hanno conosciuto. Su un personaggio storico non puoi raccontare balle, ma puoi novellare, cambiare qualche cosa romanzandola e io l’ho fatto. Ho preso certe cose successe e le ho fatte diventare più forti, per creare dei fili che mi permettessero di realizzare la costruzione drammaturgica e scenica. Ho messo l’accento su certi elementi. Ma siamo sicuri che Amleto non sia esistito? E’ una costruzione certo, ma è diventato un paradigma reale; anche l’arte è reale, fa parte della realtà e da un certo punto di vista ci si misura con i personaggi allo stesso livello della biografia di qualcuno esistito. Dall’altro lato capita che si prenda dalle vite vissute elementi d’arte, e le si faccia diventare una novella, una storia, non più così perfettamente reale. Non ho provato ad assomigliare a Marcelo nel suo modo di parlare e nella sua gestualità, ho cercato di rimanere me stesso. Ho voluto questo, perchè c’è molta gente che lo ha conosciuto e non volevo avvicinarmi nel modo sbagliato a qualcuno che io non ho mai incontrato personalmente. Ho cercato di prendere la sua essenza, l’essenza della sua storia e della sua vicenda personale, ma questo non significa rifare esattamente in scena tutto il suo vissuto. Ho estratto il paradigma. Ma in fondo anche davanti al testo di Amleto ci vuole cautela, rispetto, devozione, non lo puoi cambiare se non sei un grande, solo pochi ci sono riusciti, per esempio Carmelo Bene.

PER UN’ESPERIENZA CON CESAR BRIE: “PENSARE LA SCENA”
A Mira, in provincia di Venezia, il Teatro Villa Dei Leoni ha dedicato due mesi di eventi e riflessioni al lavoro di César Brie e del Teatro de los Andes. Dopo gli spettacoli e gli incontri di aprile, il mese di maggio vedrà ancora gli spazi del teatro occupati da due importanti occasioni di scambio e di incontro con l’artista argentino ed il suo gruppo multiculturale. Per due settimane ci sarà infatti la possibilità di partecipare ad un lungo seminario diretto da Cèsar Brie. Un’occasione di vivere la scena come luogo d’incontro, di consapevolezza profonda, di sé e degli altri. Il lavoro sarà basato su una dimensione corale e condotto attraverso un training fisico e vocale con cui generare immagini sceniche evocative ma dirette ed essenziali. La scena vive di essenzialità ed al centro c’è l’attore e la sua presenza intensa. Sarà approfondita anche la necessità del ritorno alle origini, di un contatto rinnovato con le radici tradizionali della propria cultura e della propria lingua. Cesar dice del suo modo di pensare la scena: “un teatro dove tutti i morti appaiono, dove il tempo si annulla, dove ti vedi bambino, un luogo di alchimia sorprendente per compiere un viaggio attraverso il tempo, il ricordo, la memoria.”
Il seminario si terrà dal 15 al 18 maggio e dal 22 al 25 maggio, presso il Teatro Villa dei Leoni, Riviera Silvi Trentin n. 3, Tel. 041 4266545, info@teatrovilladeileoni.it, costo: 150 €, iscrizioni entro il 12 maggio.
Sabato 27 maggio lo stesso teatro ospiterà l’allestimento di “Zio Vanja” di Cechov, esito scenico aperto al pubblico della residenza con un gruppo di attori italiani che si terrà dal 13 al 27 maggio.

TOURNE’ ITALIANA: Un’ otra vez Cesar Brie, sguardi su un’umanità fragile
Cesar Brie è tornato in Italia, per qualche mese, con due produzioni del suo Teatro del los Andes, in collaborazione con Emilia Romagna Teatro: Otra vez Marcelo e Fragile. E ci racconta, con poesia e passione profondamente sudamericane, le due inscindibili dimensioni della vita umana: la forza e il coraggio adulti delle proprie idee, fino alla morte-martirio, e la fragilità, la delicatezza ingenua dei sogni e degli ideali giovanili, che ne sono la necessaria premessa, il passato adolescente. Come se in qualche modo l’adolescenza ed una vita adulta e di importanza politica partecipassero della stessa sostanza: la difesa di sé, dei propri ideali e del proprio mondo. Il teatro di ricerca ancora una volta è opposizione civile, rivendicazione ed atto politico-umanitario. Ancora una volta, ma con meno fermezza, più fragilità, attenzione ai sentimenti ed alle emozioni più intime, di una ragazzina o di un uomo politico e di governo e della sua compagna di vita.
Otra vez Marcelo è il “monumento scenico” che il Teatro de los Andes ha dedicato a Marcelo Quiroga Santa Cruz, intellettuale boliviano (autore de “Los deshabitados”, romanzo con cui vinse il premio Faulkner) barbaramente sequestrato, torturato e assassinato durante il colpo di stato del 1980. Marcelo fu un parlamentare che si oppose alle dittature di Barrientos e Panzer e che pagò con la vita il suo impegno politico. Dopo 26 anni il suo corpo ancora assente getta un’ombra inquietante e scabrosa sulla debole democrazia boliviana. Lo spettacolo è l’ultimo momento della trilogia “politica” del gruppo sudamericano, iniziata con “Iliade”, una meditazione sulla guerra e sull’uso della forza e proseguita con “Dentro un sole giallo”, opera dedicata alla catastrofe naturale (un terremoto) e alla corruzione che si abbatterono sulla Bolivia nel 1998. Dice Brie citando il poeta argentino Roberto Juarroz che “Pensare ad un uomo significa salvarlo”. Ed è questo bisogno di testimonianza e salvezza, riscatto e vivificazione che Brie porta in scena attraverso un montaggio intimo dei discorsi e delle parole politiche di Marcelo, delle sue conversazioni con l’adorata moglie Cristina, le sue foto, immagini di vita pubblica e privata proiettate sulla parete. In scena Brie è Marcelo e Mia Fabbri è Cristina. Attraverso il dipanarsi della loro storia d’amore esemplare, iniziata a 12 anni e durata una vita, il pubblico è condotto lungo il filo della Storia politica del paese: i due innamorati si incontrano, si frequentano e si sposano, cercano di vivere insieme nonostante le forzate separazioni, il tutto sullo sfondo della tragica situazione sociale e politica boliviana, che emerge con sempre più violenza, fino ad invadere ed assorbire completamente le loro vite. Ancora una volta Brie porta in scena il tema dell’esilio e della lontananza forzata, della brutalità con cui i grandi eventi possono lacerare l’intima e quotidiana dimensione dei sentimenti e delle emozioni delle persone. Ne emerge un ritratto intenso ed appassionato, commovente e toccante, di un uomo che ha lottato con tutte le proprie forze per la libertà del suo paese, anche grazie al sodalizio profondo con una donna che gli restò vicino nell’esilio e nelle persecuzioni. Con immagini, corpi e voci splendidamente poetici e concreti, con una scena semplice, essenziale ma capace di trasformarsi costantemente.
Fragile è uno spettacolo scritto e diretto da Brie con Maria Teresa del Pero (ed il resto del gruppo). I testi sono tratti dal romanzo di Paola Masino del 1935 “Vita e morte della massaia”, che con sguardo ironico e cinico riflette sull’oppressione dei sogni e sull’assurdità delle più ricorrenti situazioni domestiche e familiari, e da brani di Boris Vian, eclettico poeta francese scomparso più di cinquant’anni fa. Due autori che, ciascuno a suo modo, sono stati dei difensori dell’infanzia e dell’adolescenza: della sua dimensione immaginativa, dei suoi sogni, delle sue domande più assurde e delle sue risposte paradossali. La protagonista è Lucia, una bambina che vive in un baule per non diventare grande. Ha paura Lucia degli adulti che le stanno intorno ed ha nei loro confronti una sorta di pena; ha paura di diventare come loro e di “seppellire i sogni con le abitudini”. La fragilità di Lucia sta nelle sue domande, nella sua ricerca di senso in una realtà adulta e meschina e nella difficoltà di difendersi, di proteggere il suo mondo. Religione, sessualità, scuola…si tocca ogni ambito della vita “normale” di una “persona”, quella persona normale che tutti si aspettano che Lucia diventi, secondo le presuntuose logiche adulte dell’educazione. E Lucia in un certo modo accetta infine tutto questo, non si piega ma piuttosto asseconda un bisogno dei suoi genitori. Con la vicinanza e la presenza costante di un nonno ormai morto ma che può sempre essere evocato, l’unico adulto che ascolta, segue, osserva veramente. Delicato e leggero, malinconico e sorridente, lo spettacolo ci ricorda come il Teatro sia un luogo salvifico e salvo, dove non si temono le emozioni, ed anzi le si affronta con lo spirito d’avventura e ricerca dei nostri anni piccolini. L’infanzia è la dimensione del gioco, del “come se”, della fantasia e solo gli artisti, gli amanti e quelli che restano un po’ adolescenti possono continuare a goderne, continuare a nutrirsene.
PER SAPERNE DI PIU’:
BIOGRAFIA E TEATROGRAFIA: César Brie e il Teatro de los Andes, a cura di Francesco Marchiori, Ubulibri, Milano, 2003.
SITO DEL GRUPPO- TEATRO DE LOS ANDES: http://www.utopos.org/losandes/andes.htm

ASCOLTAMI BENE

2008-02-08T04:11:00.000-05:00

Amsterdam 9 marzo 1941, quando il burro era una prelibatezza, la scrittura una cura ed un rifugio da molti mali del vivere, il nazismo un rumore di fondo, di pianto e stridore di denti. Nel più bel posto del mondo, dietro al sua scrivania, sedeva Etty Hillesum, una giovane donna, ebrea, scrittrice. Traduceva Dostoevskij e Rilke, scappando dal deserto dei suoi padri, dallo struggimento di quei giorni, spinta dall’urgenza di dire: Ascoltami Bene, diceva Etty Hillesum, a sé stessa per prima.
Mascia Musy ha interpretato le molte voci di Etty, Emanuela Giordano ha ricreato intorno a lei le luci e le ombre dei giorni terribili, raccontati nel suo diario ed in alcune sue lettere, Eleni Karaindrou e Giovanna Famulari ne hanno accompagnato e suonato i mutamenti. Ascoltami Bene, andato in scena il 19 ed il 20 novembre scorsi al Teatro Due, è un monologo tutto femminile, perché realizzato da donne, perché tratto dagli scritti e dalla biografia di una donna, perché canta la voracità, la passione, il sacrificio. Un impeto che ci si sarebbe aspettati più sostenuto e più penetrante, libero e liberatorio, considerata la fisicità e la carnalità delle parole di Etty.
Da dietro la sua amata scrivania, da una tinozza, dallo spazio accennato di 500 metri quadrati, in cui è stata rinchiusa con la sua gente, da una sedia in proscenio, la Musy dà corpo alle parole di Etty, stringendo il suo diario tra le mani; la Giordano illumina ed oscura lo spazio dei suoi movimenti e delle sue espressioni, in una dimensione di ricordo ma di netta e tagliente realtà. Dentro Etty lottano voci dai toni diversi, che vogliono scavalcare il filo spinato intorno al suo ghetto, uscire, o entrare, dipende dai punti di vista. Serena e disarmante, una accetta l’odio come una malattia incurabile, il male come una necessità, ma prende posizione; un’altra, dirompente e forte, sceglie di consegnarsi volontariamente all’odio, per condividere col proprio popolo e la propria famiglia le sofferenze più estreme; una singhiozza e non può nascondere i cedimenti dell’anima; una grida di rabbia ed incredulità, per la paura di vivere e per l’Amore che la fa vivere. Tutte ne incarnano la straordinaria e commovente intimità.
Nel campo di smistamento di Westerbork, dove una bimba a nove mesi è un caso penale, uno dei non-luoghi dove la Storia ha messo in ginocchio l’Uomo, Etty ha vissuto la sua condizione di vittima fino in fondo, è andata incontro alla morte con l’entusiasmo di chi ha scelto, non di un prescelto. Il 7 settembre 1943, sul vagone merci che la conduceva insieme a milioni di altri miserabili verso lo sterminio, disse Arrivederci e grazie e si mise a cantare.

MIRABILI BUGGIE!

2008-02-07T12:11:00.000-05:00

A teatro il veloce consumo televisivo e l’accelerazione dei ritmi quotidiani hanno ridotto la soglia d’attenzione e resistenza fisica del pubblico a un’oretta scarsa. Oltre si cominciano a sentire in sala carte di caramelle, bruschi movimenti sui sedili. Il teatro ragazzi poi può permettersi ancora meno, costretto ad adeguarsi ai tempi rapidi e virtuali dei videogames. Banale forse, reazionario come commento, ma vero. Pinocchio, allestimento con 16 anni di esperienza singolare e 30 anni di esperienza plurale (tanti ne hanno rispettivamente lo spettacolo, in scena in questi giorni al Teatro al Parco, ed i suoi produttori), smentisce le statistiche e tiene gli sguardi del giovane pubblico fissi sul palcoscenico per quasi due ore; li conduce dentro, fuori, davanti e dietro la casa-teatrino di Mastro Geppetto, esattamente come gli animatori-conigli in scena muovono Pinocchio e gli altri personaggi. Non c’è nulla di magico o miracoloso: l’arte e la tecnica fanno “solo” il loro efficace effetto, grazie alla combinazione di attori (bravi), trovate sceniche (semplici ma visionarie), burattini e pupazzi (ben costruiti), scene e luci (sapientemente studiate), un testo originale (desueto, elegante e dal sapore malinconico). Il commovente e divertente carillon dello spettacolo funziona con un ritmo delicato, scandito da una Fata Turchina che dà anche la voce a Pinocchio, impersonando un super-io del burattino e rendendone possibile la storia. E’ l’attore che si mette al servizio della materia, gli dà forma, voce, movimento, fino a farsi legnoso lui stesso. Ma dopo tante peripezie, sarà il burattino a sorreggere l’attore, sarà quella birba d’un figliuolo a prodigarsi per Geppetto, il suo babbino, ed a farsi carne, lasciando le spoglie legnose della propria infanzia appoggiate su una seggioletta. Tempo dunque, ecco il segreto di uno spettacolo per ragazzi che valica le generazioni. Il tempo lungo di progettazione e costruzione delle avventure di Pinocchio, racchiuse in una scatola scenica in continua trasformazione. Il tempo lungo di narrazione ed azione, che richiede agli attori padronanza della materia, pazienza ed attenzione per i dettagli. Il tempo necessario ad un burattino monello per diventare un bravo bambino.

CERCO UN CENTRO DI GRAVITA' SALTUARIA

2008-02-07T12:01:00.000-05:00

OH - CHE BELLA GIORNATA.
il sole splende su questo piccolo teatrino di periferia, i bambini se la ridono vedendo bernardino che tira fuori da un baule dei vecchi mutandoni, e io vado e vengo dalla siae. tutto normale e tutto molto scintillante.
Stasera vi segnalo uno spettacolo dedicato ad un omicidio di mafia. leggo su yahoo che sono stati arrestati 80 mafiosi tra sicilia e ny e mi compiaccio di andare proprio in questa scintillante serata a vedere due credo bravi attori mettere in scena un processo di mafia. Alla corte di giarola ore 21 che è anche un bel posto.

Per il resto, bhè come al solito non è che proprio ci sia un resto. l'efsa è sempre mitivo e fonte di chiacchiere e per fortuna ci sono ancora i pranzi del dream team.

Ora vado a farmi strizzare il cervello. vediamo cosa esce.
vi abbraccio

EBBASTA CON TUTTE STE MENATE, UN Pò DI SCEMENZE PLIS!

2008-02-06T14:40:00.000-05:00

Ineffetti troppe parole fannomale, specie quando finiscono tutte per -zione e -ia, tutti paroloni pieni gonfi e significanti. Un pò di leggerezza che diamine. eh ma di fatto non so bene in questi giorni di fervente fremente e fottuto lavoro di che altro rendervi conto se non di teatro e teatro e, spetta com'è che si chiama...ah, si, teatro. (penosa questa, lo so, mi storiducendo ai minimi termini..).
Ecco bhè almeno ieri sera posso dirlo con orgoglio era carnevale, ed almeno ieri sera si è riso, sorriso e danzato...al ratafià ovviamente, casa e bottega come al solito, con Aldo ovviamente, una Bertè massiccia, con i miei amici per certo. E una massa informe di altri circa 700 o 800 estranei. Ecco, io è di questi estranei carnascialeschi che stasera vorrei rendervi conto. Così nessuno si offende perchè nessuno conosce nessuno. Volevo dunque dire che io odio e dico odio et ancora odio quelli che a carnevale pur avendo idee geniali sui soggetti e su temi di travestimento, rispettandone ripetola fantasia, indossano cose ingombrantissime, larghissime, altissime, ingestibilissime e poi vengono al ratafià. No dico, vi siete accorti che il locale è 5 metri per 3 e che venite con un'enorme bottiglia di birra in gommapiuma che vi ingloba, con un bob o con una barca intorno al collo poi nn ci si sta? Ecco, io me ne sono accorta. E se in altre situazioni, chi mi conosce lo sa (non son più carabiniere), apprezzo lo strabordare, l'esagerare, in altre cribbio pretendo il minimal. Ad esempio al ratafià se c'è aldo che suona. Questo sfogo include anche quelli che vanno a ballare con gli zaini tipo eastpack o vanno ai concerti con l'invicta duble espandibile ed espansa.
Ecco, volevate la cazzata e cazzata è stata. Poi non si dica che sono troppo seria, lavorativa, monotematica e teatrodipendente.

QUEI NO CHE AIUTANO A CRESCERE

2008-02-03T07:45:00.000-05:00

3 FEBBRAIO 08 - L’avarizia è uno dei sette vizi o peccati capitali, tanto che Dante nel VII canto della Divina Commedia vede gli avari condannati per l’eternità a spingere con il petto pesanti sfere ed a scontrarsi con quelle spinte invece dai prodighi in direzione opposta, coloro che hanno sperperato in vita tutte le loro ricchezze. Una pena di contrappasso che colpisce dunque i due atteggiamenti estremi legati al denaro con un macigno che grava sulle loro coscienze. Al Teatro Pezzani lo scorso week-end l’avarizia ha assunto ben altri toni morali ed a salvarla dalla dannazione eterna ci ha pensato la commedia francese. L’Avaro, scritto da Molière nel 1667, rivisitazione della plautina Aulularia, è un vecchio burbero e talmente legato al denaro da sottomettergli sentimenti ed affetti, è un usuraio disposto a tutto pur di arricchirsi, a cui il destino ha donato però due figli spendaccioni e quel che è peggio innamorati. Arpagone, ironico ruolo che fu dello stesso drammaturgo e capocomico, è stato interpretato da un espressivo e spontaneo Carlo Croccolo, decano dello spettacolo italiano, accompagnato sul palco da un’impertinente Frosina - Cristina Caldani e da una compagnia di giovani attori. Il conflitto scenico tra poveri e ricchi, giovani ed anziani, spendaccioni e tirchi ruota per lo più intorno all’amore, o meglio alla sua monetizzazione: la dote. Equivoci, sotterfugi, confessioni e rivelazioni ingarbugliano i fili della vicenda, che come le corde annodate da un abile prestigiatore, si scioglieranno in un pacificato doppio matrimonio. Il risultato non è però all’altezza dell’ironia e della sottigliezza molieriana: la recitazione è affettata e con tempi comici in balia dei sospiri e delle risatine, la scelta meta-teatrale di rompere la quarta parete e interpellare il pubblico non è funzionale né originale ed il testo ha subito una trivializzazione che, lontana dalla ricerca o dall’aggancio con l’oggi, introduce nella vicenda spermatozoi, parolacce e giochi di parole difficili da apprezzare (pane-pene, buona-bbona). Certo Croccolo sa coinvolgere il pubblico e creare con la sala una serena empatia, ma scomodare Molière per poi lasciarlo abbandonato su un finto muretto dipinto di rosa è quanto meno un peccato, non capitale

PEANUTS,OVVERO QUISQUIGLIE

2008-02-02T18:21:00.000-05:00

17 GENNAIO 08 - Una tv accesa che non c’è, uno scheletro di televisore che catalizza l’attenzione di tutti: basta questo a ricreare un soggiorno italiano, tanto conviviale quanto penoso. I giovani personaggi che occupano il divano sono i protagonisti di Peanuts, visto al Teatro Due lo scorso gennaio, diretto da Valerio Binasco e scritto dopo il G8 di Genova da Fausto Paravidino. Un testo coraggioso per le tematiche che attraversa e per l’inconsueto orizzonte iconografico a cui fa riferimento (i fumetti di Schultz), che tuttavia cede sotto il peso di alcune responsabilità politiche e sceniche. I giovani amici con nomi e costumi fumettistici, che rimandano agli originali solo in alcuni dettagli e che degli originali hanno perso la forza intellettuale e satirica, si ritrovano insieme in una casa che non è la loro, creando il pretesto per riflettere su temi come Politiche del lavoro, Permesso di soggiorno, I mass media controllano il mondo, titoli impressi sullo sfondo di brevi e rapidi quadri che si chiudono cinematograficamente in slow motion. Le scenette in cui si consumano le sciocche schermaglie sull’ospitalità, sul rispetto delle cose altrui, sulla divisione dei soldi si rivelano nella seconda parte dello spettacolo, dieci anni dopo, gli inquietanti presupposti dei tragici eventi accaduti nella caserma di Bolzaneto, luogo di sevizie per i manifestanti prelevati dalla scuola Diaz durante una delle notti del G8. Il livido muro di una cella incornicia i nuovi sketches in cui atroci poliziotti infieriscono sui ragazzi terrorizzati e sanguinanti: gli amici di un tempo hanno preso strade opposte che ora li portano ad incontrarsi di nuovo, ognuno dalla parte di barricata che la vita lo ha indotto a scegliere. Peanuts mette in campo molte importanti questioni, dal potere che genera da sé i propri nemici per sconfiggerli, alla forza della condivisione e della solidarietà, ma con una retorica ed una semplificazione che non lasciano spazio ad una riflessione seria, magari satirica, paradossale ma concreta, sui perché. Semplificazione che nella creazione e nell’interpretazione dei personaggi si fa persino banalizzazione: molti sono macchiette con accenti regionali ed inflessioni ridicole, che non hanno nulla dei sagaci, taglienti, poetici Charlie e Linus, nulla della critica sociale che seppero esprimere. Parafrasando un famoso testo di Marcuse, Schultz pubblicò le sue tavole in un volume dal titolo Il bambino ad una dimensione: una traslazione di senso che implicava la monodimensionalità del fumetto e quella dell’uomo moderno nella società di massa. Una riflessione con uno spessore e delle dimensioni che mancano a questi Peanuts teatrali, nonostante il vantaggio non indifferente di un corpo e di un palcoscenico.

PUNTI CARDINALI

2008-02-02T18:20:00.000-05:00

20 OTTOBRE 07 - Il nord è una convenzione, è un punto cardinale, è la relatività di una posizione rispetto ad un’altra. Il Nord però è oggi anche e soprattutto una condizione. Una postazione, fortificata, da cui guardare il mondo e guardandolo crearlo. Roberto Latini, attore e regista romano che ha spesso portato a Parma le sue creazioni, nell’ultima produzione corale (Fortebraccio Teatro e Fondazione Pontedera Teatro, con Il Gruppo Libero San Martino di Bologna, che ha ospitato le repliche) ha scelto di piazzarsi decisamente a Nnord. E da lì ha tirato fuori, lanciato in aria, sparato tutto quello che del Nnord ha ritenuto essere l’essenza. Tra la familiarità e lo straneamento di una prospettiva a tutti noi congenita, Latini ha reso la scena una sorta di rullo luccicante su cui veder scorrere delle tavole di fumetti. Brevi quadri illustrati, ma solo in rare divertenti occasioni sfacciatamente comici, si susseguono in una composizione glitterata e vicina al sadomaso. Dal travestimento e dalla transgenericità, dall’eccitazione precoce di un qualunque capodanno in rosso, dal passaggio veloce di un qualunque manager con la valigetta, dal militare che si impartisce ordini schizofrenici, fino al tifo insensato e incomprensibile per una palla che è una visione: da tutte queste immagini emerge più che un pensiero, più che un messaggio, un’iconologia. Nnord è la rappresentazione di un inconscio e di un subconscio; Nnord è l’emersione di una condizione e come tale ha i caratteri metaforici, allegorici, traspositivi di un sogno, di un flusso di coscienza. Non c’è fabula e non c’è intreccio, non c’è quasi neanche parola, se non parodia della stessa, turpiloquio, lunga e fittizia ripetizione che perde di senso. C’è un vago senso di personaggio, ma in scena rimane si percepisce solo una figura a due dimensioni, stagliata su uno sfondo piatto e sintetico. Luci, costumi, musiche e tracce audio compongono con gli elementi in scena, con la loro coerente presenza, con i loro stilemi orchestrati, persino coreografati a volte, un unico quadro, mistico per certi versi (non solo per lo spaventapasseri crocifisso all’antenna tv). Con un vago presagio di qualcosa che sta per accadere o è accaduta; uno sgocciolamento di qualcosa che potrebbe cadere dall’alto, ancora più a nnord. Un lavoro coraggioso che sa di esserlo; lontano, molto lontano dalla voce profonda e dalla presenza intensa, dalle splendide parole scespiriane ansimate al microfono (anche se qualcosa di questo suo modo è rimasto) o dalla riproduzione virtuale a cui a lungo Latini si è dedicato. Lontano dai terreni sicuri e dalle scarpe comode, si cammina ora su tacchi a spillo con piume di struzzo, su tappetini di erba sintetica. E la stabilità a tratti cede, inciampando su una controscena in più o su un riferimento in più, incrinando un delicato equilibrio che si tiene sul filo sottile del ritmo scenico incalzante, fino all’affanno.

Una storia per immagini - Il Teatro del Carretto e la sua visione

2008-02-02T18:18:00.000-05:00

9 DIDEMBRE 07 - Il Teatro del Carretto è stato fondato nel 1983 dalla regista Maria Grazia Cipriani a Lucca (sua città natale) e dallo scenografo Graziano Gregari, due artisti dotati di grande genialità, inventiva e visionarietà. Divenuto centro di ricerca e produzione teatrale presso il Teatro del Giglio, il Teatro del Carretto si dedica ad opere di teatro ragazzi che di prettamente infantile hanno solo i riferimenti fiabeschi, ma che anzi sviluppano dimensioni mitologiche, iconografiche e linguistiche trasversali, coinvolgendo pubblici di tutte le età. Portando in scena una comunicazione che attraversa diversi piani e livelli, da quelli puramente visivi, efficaci nella loro artigianalità, a quelli più intellettuali, fatti di rimandi ad universi letterari e psichici sofisticati ed elevati. Coniugando la manualità, la matericità e l’ancestralità dell'arte dei marionettisti con quella tutta umana e fallibile degli attori in carne ed ossa. Il Teatro del Carretto crea scene oniriche e paradossali, luoghi dell’inconscio, eppur reali come reali sono le nostre visioni interiori e collettive. Che si tratti di bambini o di adulti, il loro teatro attraversa e colpisce la fantasia ed i sensi degli spettatori. Toccate le corde profonde del teatro e sfiorati gli archetipi visivi e letterari che gli sono propri, il Carretto restaura si direbbe quella funzione religiosa eppur ludica propria della scena originaria. La prima produzione è già, ed è ancora, un successo straordinario: Biancaneve è uno degli spettacoli teatrali più rappresentato all'estero (anche al prestigioso Festival d'Automne di Parigi) e conquista pubblici di tutte le età e culture. “…Una Matrigna impersonata da una vera attrice ed una microscopica Biancaneve, i nani a grandezza naturale che arrivano a sorpresa dal fondo sala per diventare piccolissimi una volta entrati nella mutevole scatola teatrale che si apre come un magico armadio dell’immaginario svelando scomparti, celando trabocchetti, rinnovando continuamente e simultaneamente l’idea di palcoscenico, facendo apparire teste, paesaggi, personaggi veri, oggetti misteriosi di grandezza spropositata: il tessuto narrativo si fa gioco scenico, attraverso il contrasto di universi che nasce dal rapporto tra attori e creature in cartapesta, personaggi veri ed oggetti smisurati o lillipuziani, verità della materia e finzione del corpo, elementarità della parola e potenza dei brani del melodramma, rivelando sottilmente la sua natura di camera dell’inconscio.” Spazio, luci, musiche, marionette ed attori, di tutte le fogge e dimensioni, concorrono a creare una partitura scenica fantastica e mutevole. Romeo e Giulietta è del 1985, e “prende forma da una sovrapposizione alla tragedia di Shakespeare dell’opera belliniana I Capuleti e i Montecchi, cui si aggiunge la mediterranea novella di Matteo Bandello, ulteriore ventaglio di colori al tessuto mitico originario. I due protagonisti, nella levità del loro incantamento si scontrano fatalmente con l’ingombrante presenza del continente adulto, ottuso, ipocrita e goffamente guerrafondaio. Un coro di personaggi minori sproporzionati sostituiscono alle arguzie dialettiche, spesso intraducibili, il frastuono e i lazzi della loro minchioneria accentuando visivamente la parte comica della vicenda in uno scenario all’apparenza di una nudità essenziale, ma che con le sue botole, i tavoli, i siparietti vuole suggerire la fertilità fantasiosa della Commedia dell’Arte (e del teatro elisabettiano) cercando di rivelarsi meccanismo capace di continuo mutamento”. Ancora una volta la fusione di tutti gli elementi e trovate sceniche genera un non luogo ed un non tempo in cui si esprime la dissacrante e vitale teatralità di attori automa e altri in carne e ossa. Iliade è un incontro con l'orizzonte omerico, “la possibilità di percepire l’eco lontana della grande giostra eroica, portatrice nel patrimonio mitico occidentale dell’aspro emergere di una umana tragicità”. La nudità della scena fa emergere con ancor più vigore e potenza uomini e dei. “In un’aria di mare, cicale e bronzi, l’attore perpetuamente in bilico tra sovrumana forza e morta carne trascinata, caricandosi di corazze e scudi assume sembianze d’eroe … e gli dei, concepiti come atroci bambini sono attori meccanici che avanzano in carri-nicchie”. Per Sogno di una notte di mezza estate il Carretto riceve il premio Ubu (1991) per la ricerca drammaturgica e visiva. Seguendo la freccia dell’Amore scagliata da cupido, si attraversano la realtà ed il sogno, l’animalità e la tragica brutalità del gioco amoroso. “L’arco che tinge tutto il mondo della commedia suggerisce la concezione dello spettacolo: metamorfosi drammatica di forme colori suoni che accompagna l’amore attraverso l’oscura zona dell’animalità e rivela la meravigliosa confusione - e separazione - tra realtà e sogno”. In coproduzione con il Mittelfest di Cividale, nel 1992 la compagnia mette in scena Metamorfosi di Kafka, cui segue Le Troiane da Euripide (1995) e Odissea, Bella e la Bestia, ed infine Pinocchio. Una giostra il loro teatro (come l’ha definito Franco Quadri), di quelle che ti terrorizzano e ti divertono insieme, un teatro essenziale perché riportato alla sua essenza, alla suo magico proprium extra-ordinario. L’inizio del 2008 vede la compagnia impegnata oltreoceano nel prestigioso teatro newyorkese La MaMa con Pinocchio e Biancaneve, spettacoli che torneranno poi in Italia da febbraio in una tournee continua. Per le date: www.teatrodelcaretto.it

UN TEATRO DI FUGURA, UMANA

2008-02-02T18:16:00.001-05:00

9 DICEMBRE 07 - Cifra stilistica, espediente scenico ed elemento materico. Il burattino è per il Teatro del Carretto una costante e cruciale presenza in scena. A fianco di attori in carne ed ossa, di trovate ed artifici visivi, di luci e cromatismi curatissimi, il burattino vive di una vita non umana ma reale ed efficace. Lo scambio tra la carne ed i materiali inanimati è spesso motore della costruzione drammaturgica, è il perno su cui ruota a gran velocità la giostra teatrale in cui questa compagnia lucchese trascina il suo pubblico. Meccanismo che il Carretto gestisce con sapienza, fino alle sue estreme conseguenze. Fino a portare le due dimensioni, quella attorica e quella di figura, a sovrapporsi e scambiarsi identità. Culmine di questa poetica è la loro re-interpretazione del Pinocchio di Collodi, vista al Teatro Due di Parma lo scorso dicembre. Culmine appunto fino al rovesciamento, perché di burattini questa volta in scena a fare gli attori non se ne sono visti; c’era però uno straordinario, energico e multiforme attore a fare il burattino. Il destino letteralmente teatrale di Pinocchio, di cui parla la regista dello spettacolo Maria Grazia Cipriani, lo rende attore per natura, pensato da un Geppetto-regista (grande assente, in scena per lui solo una giacca) che lo vuole in grado di “…ballare, tirare di scherma e fare i salti mortali…”. Comincia da metà il Pinocchio del Carretto, da quando il povero burattino incatenato e inguinzagliato subisce le frustrate rumorose e violente di un carceriere-Mangiafuoco dal volto coperto. E subito è chiaro dove ci si trova; o meglio dove non ci si trova. E’ evidente che siamo nel Gran Teatro di Mangiafuoco, ed è evidente che la scena così concepita è quanto di più vicino all’inconscio infantile ci possa essere. Un tipico incubo dei sei anni, se ancora qualcuno se li ricorda. La scena semicircolare è una gabbia, un circo nel quale il burattino è costretto ad esibirsi, un’arena in cui Pinocchio carambola da una disavventura ad un'altra. Una serie di vecchie assi di legno disposte a coro, dalla cui apertura centrale entrano ed escono personaggi animaleschi travestiti, e dalle cui botole spuntano luci, mani, voci… Nell’aria sgocciola un suono inquietante. Il Pinocchio, affetto da una sindrome istrionico-narcisistica, qui è protagonista indiscusso, la sua teatralità lo è, ed è lui stesso a raccontarci la sua storia. Esuberante, galoppante, infervorato, pienoni iniziativa, spesso piagnucoloso, egoista e capriccioso, Pinocchio è un disubbidiente, che cede alle tentazioni senza lucidità alcuna. Un bambino insomma, un attore dunque. Per di più melodrammatico, un comico dell’arte e un grand’attore dell’800 insieme, accompagnato da una Fatina anch’essa interprete popolare, un po’ Mimì, Tosca, e poi un po’ Madre Coraggio. Un Fatina che lo ama e che cresce, che si fa donna davanti ad un Pinocchio che più che un bambino non riesce ad essere. E’ un susseguirsi di scene immaginifiche, popolate di personaggi inquietanti, che si compongono come quadri di Chagall, dove gli asini suonano i violini alla luce della luna; è un sogno ma anche no, fatto con gli occhi a mezz’asta questo Pinocchio del Carretto, in cui gli interpreti danno straordinaria prova della propria artistica fisicità e dove la ricerca sul suono, la luce e le trovate sceniche rendono magico ogni giro di giostra. In un circo, in un teatrino, nel ventre del pescecane, nel paese dei balocchi, Pinocchio è una maschera teatrale comica e tragica insieme, come i pagliacci di un tempo, vittima della sua indole e del suo destino scenico. Ed infatti nell’aria spesso si ode “Ridi, pagliaccio…e ognun t'applauudirà/Tramuta in lazzi lo spasmo e il pianto/in una smorfia il singhiozzo e il dolor/ridi pagliaccio/sul tuo amor infranto/ridi per quel che t'avvelena il cor!”. Non c'è liberazione nel suo farsi carne, c’è solitudine, ambiguità. Un po’ poca emozionante forse questo Pinocchio, ma solo per via di quel suo modo così sopra le righe e paradossale di essere in scena e di essere scena, che non permette immedesimazione.

ARTIGIANATO ESTETICO

2008-02-02T18:15:00.001-05:00

9 SETTEMBRE 07 - Si sono conosciuti tra i banchi di scuola e i laboratori del Corso di Laurea in Scienze e Tecniche del Teatro dello IUAV di Venezia. In laguna hanno cominciato a creare insieme, unendo conoscenze tecniche e universi culturali diversi fra loro, ed insieme quest’estate sono approdati ai maggiori festival della penisola. Pathosformel sono un gruppo di giovani artisti-artigiani (giovani sul serio, al di là del modo italiano di chiamare “emergenti” tutti gli under 50) del nuovo teatro di ricerca italiano, per ora senza fissa dimora ma ospiti di realtà importanti come la Societas Raffaello Sanzio e Centrale Fies, con cui portano avanti due importanti progetti creativi. La timidezza delle ossa ha ottenuto la menzione speciale della giuria di Premio Scenario 2007 ed ha così girato le piazze legate all’importante concorso nazionale; Volta è andato in scena a Drodesera 2007 ed a Bassano nell’ambito di Operaestate. La formazione con cui Pathosformel ha creato e agito questo dittico è composta da Francesca Bucciero, Daniel Blanga Gubbay, Paola Villani, Milo Adami, ma ad ogni progetto il gruppo si apre e si chiude ad inglobare nuovi componenti o nuovi passaggi (Loredana Scianna ad esempio per la consulenza coreutica). Ed è proprio la condivisione di saperi diversi la loro forza, la relazione in costante movimento dei loro punti di vista, ad incontrarsi e scontrarsi per creare opere sceniche dinamiche e versatili, a più dimensioni. Da qui è cominciata l’avventura artistica, dall’entusiasmo e dalla diversità. Si è definita così una metodologia di lavoro collettiva, fatta di compenetrazione e messa in comune, in tutti gli aspetti della creazione scenica.
Pathosformel etimologicamente viene dal greco pathos e dal tedesco formel, alla lettera "formula di pathos". Il nome lo hanno tratto dagli scritti filosofici dell’iconologo tedesco Aby Warburg, evocando un universo di senso ed una poetica molto definiti, se pur complessi. Nell’immagine che identifica forma e contenuto si trova un’unità superiore, con una valenza espressiva che va al di là delle modificazioni stilistiche. All’interno di culture che non si sono mai potute conoscere tra loro per evidenti ragioni di iato spazio temporale ci sono formule precostituite di rappresentazione che ritornano, declinate in strutture sempre nuove ed originali. Dice Francesca Bucciero, che ha partecipato a Pathosformel fin dalla sua genesi nel 2004: “Abbiamo scelto insieme di utilizzare questo termine come nome per il nostro gruppo perché individua il modo in cui lavoriamo. Partire da una formula, da un materiale, e da li cominciare a scoprirne le potenzialità, esplorarne ogni aspetto per creare un lavoro originale, qualcosa di nuovo”.
Parla di lavoro Francesca perché tutta la loro produzione è fatta di fatica fisica e di ricerca molto concrete con cui giungono a risultati scenici astratti ed evocativi, in cui la narratività è portata al grado zero. “L’artigianalità è alla base della nostra qualità di lavoro sempre. Il nostro è un fare artistico, fortemente artigianale, che comincia con la scelta del materiale per capire cosa e come ti consente di creare e produrre. Quello che uscirà è già insito in quel materiale, dobbiamo solo tirarlo fuori, sperimentare. Ci rapportiamo quotidianamente con la costruzione fisica degli oggetti e delle strutture di scena, affrontando in prima persona i processi e le tecniche produttive manuali della creazione scenica. E’ da questa dimensione di artigianalità che possiamo estrarre il potenziale comunicativo di un materiale e su quel potenziale poi iniziamo a lavorare in modo artistico, poetico”. Nel dittico scenico visto alle finali di Premio Scenario al Festival di Santarcangelo e a Drodesera – Centrale Fies questi elementi di fattività e stretto legame con la materia, anche sonora, arrivano al pubblico forti e chiari; emergono nettamente dallo sfondo chiaro e luminoso del telo de La timidezza delle ossa e dall’oscurità dello spazio scenico nudo di Volta. Aggiunge Francesca: “Questi ultimi due lavori sono partiti entrambi dalla scelta di due materiali (nda. un telo di PVC e della cera mista a pigmenti UV) da cui abbiamo cercato di estrarre un potenziale comunicativo.” Ma non è la materia sola a farsi poesia, è il corpo umano e la relazione che tra essi si instaura a creare l’effetto scenico, a coinvolgere il pubblico in una dimensione nuova; la chimica e la fisica di quel corpo a reagire con la chimica e la fisica di quel materiale. “Il materiale nel nostro lavoro è sempre in relazione al corpo. Questo è il punto di partenza lavorativo. Il secondo grande ed importante punto è lo spettatore. Lo spettatore è sempre dentro il processo creativo e artigianale. Partiamo da un materiale, lo mettiamo in relazione con un corpo ed infine dimostriamo cosa quella relazione è in grado di produrre, che tipo di immaginario visivo e percettivo può nascere. Lo spettatore completa il messaggio perchè vede cose che noi da dentro non possiamo vedere. Dal momento in cui si viene messi di fronte al materiale finito il campionario visivo ed emotivo non è mai fissato, non è mai dato né preconfezionato. Non sappiamo mai quale sarà il risultato finale. Lo chiamo Principio di Ignoranza: io performer e creatore non so fino a che punto la tua immaginazione di spettatore possa arrivare e parto da questo principio di ignoranza per lasciare la comunicazione aperta. In questo modo lo scambio con il pubblico diviene ulteriore materia su cui lavorare. La sensazione dello spettatore arricchisce sempre il lavoro”.
E allo spettatore nella sua libertà emotiva è però negata l’indifferenza. In entrambi i lavori e forte la suggestione visiva, astratta e sublimata; è forte lo stimolo percettivo, tradito o confermato. “Portiamo in scena anche aspetti magici, creando effetti di stupore, con una componente intensa di meraviglia e di divertimento”. La timidezza delle ossa lascia a bocca aperta in alcuni momenti, osservando le apparizioni e le sparizioni di corpi e membra fluttuanti; Volta sfida la vista, con pezzi e scaglie di luce che compongono i corpi e li scompongono. “Anche l’audio è molto importante”, prosegue Francesca, “nella Timidezza è nato dai movimenti fatti sul telo ma alcune parti hanno viceversa dettato i movimenti. L’audio avvolge lo spettatore, lo coinvolge”. Vista ed udito dunque stimolati in modo originale e complesso per cercare riferimenti spaziali nuovi, per trovare spunti emotivi. Il lavoro creativo collettivo è fluido e si nutre anche della presenza del pubblico, ma nulla è lasciato all’improvvisazione: “la struttura del lavoro è solida. In scena non c’è mai una partitura fisica improvvisata. La codificazione della partitura fisica è fissata e molto precisa; tutto definito in fase creativa, dopo uno studio lungo ed approfondito del materiale, delle sue potenzialità e dei suoi limiti. Dopo aver preso decisa confidenza con il materiale possiamo fissare gli elementi drammaturgici, che sono fatti di movimenti. Il movimento è la drammaturgia, abbiamo il corpo, non il testo.”
In scena la voce non c’è. Ma non è un’eliminazione, solo un’assenza, la scelta di una direzione. “La voce a volte è presente nelle tracce audio, ma frammentata. Come il corpo. Non è però un’esclusione a priori; questo è un percorso che non comprende la voce, ci interessava il corpo. La voce non è entrata a far parte di questo processo ma abbiamo avuto appoggi e spunti quotidiani concreti nel lavoro, figurativi e narrativi. Il fatto che non ci sia la voce non lo rende un lavoro astratto; dove la voce manca sembra sempre che ci sia un problema. Semplicemente questa volta non abbiamo creduto che in questo lavoro la voce fosse necessaria. Abbiamo scelto che il linguaggio non fosse la parola ma un altro medium, molto strutturato, quello del corpo. Abbiamo scelto un altro tipo di grammatica”.
Della parola non si sente la mancanza, della narrazione si può fare a meno ed il teatro contemporaneo sempre di più si sposta sui terreni alti e brulli della grammatica fisica, raggiungendo quote in cui c’è poco ossigeno ma panorami mozzafiato, pochissima vegetazione ma un’atmosfera pungente e sferzante. Pathosformel sfida la rarefazione dell’aria, con la sfrontatezza dei loro venti e più anni e con la forza di appoggi culturali solidi (da Artaud a Bacon, da Deleuze a Klein). Il gruppo ha dimostrato di saper addomesticare materiali difficili, di avere un’autosufficienza ed un’indipendenza tecnica ammirabili, forte padronanza della scena e delle sue tecniche diverse (loro anche uno spettacolo di teatro di figura dedicato a Beckett, (Che cosa sono le) nuvole). I prossimi mesi li vedranno in scena al CRT di Milano, in dicembre, ed al Teatro Comandini di Cesena, nella seconda metà di gennaio, all’interno di una rassegna firmata Socìetas Raffaello Sanzio che in cartellone ospiterà entrambi gli spettacoli del gruppo. Per informazioni www.pathosformel.org; pathosformel@gmail.com

LA PACE IN SCENA

2008-02-02T18:13:00.001-05:00

28 SETTEMBRE 06 - Il Teatro dell’Arcobaleno è la compagnia teatrale fondata da Angelica Calò Livne, italiana d’origine ma cittadina israeliana, nel settembre del 2003: il gruppo è composto da 43 giovani attori, tutti dai 14 ai 23 anni, provenienti da diverse località della Galilea. Sono ebrei, cattolici e musulmani, adolescenti che grazie al linguaggio teatrale hanno la straordinaria opportunità, in un luogo così martoriato dall’odio, di condividere le proprie ansie, le proprie paure e sofferenze e di portarle in scena, insieme. Sono ragazzi per i quali l’arte è divenuta un efficace veicolo di pace, un mezzo con cui superare le differenze etniche, religiose e culturali, con cui anzi farne meraviglie, con cui persino farne un arcobaleno di colori. Il lavoro spesso difficile e doloroso ma appagante e liberatorio della compagnia ha permesso di creare produzioni e performance allestite in terra ebraica e palestinese ed in tours internazionali, con l’intento di diffondere il più possibile il messaggio di pace e speranza che la loro arte rappresenta. Lo spettacolo che la compagnia porta in Italia oggi, dal titolo “Beresheet”, per la regia della stessa Calò Livne, è una performance di teatro-danza profondamente legata ai temi della sofferenza e della tragedia quotidiana dei suoi giovani interpreti, perché da essi scaturita, ma è anche un messaggio di fiducia e speranza intenso, gridato e sussurrato: “Mio D-o, deve esserci una soluzione! Deve esserci una speranza!” Viaggiando attraverso le loro esperienze più truci fino ad arrivare ad uno spiraglio di luce, a respirare finalmente ancora l’aria dell’ottimismo, credendo in sé e nei compagni, i ragazzi hanno seguito un percorso educativo e formativo intenso che va ben oltre la recitazione e la presenza scenica. “Beresheet” tocca temi che sembrano impossibili da maneggiare ma che nelle voci dei suoi ragazzi e nei loro gesti divengono forme e parole di speranza per tutti. La Fondazione “Beresheet LeShalom-Masks Off” si occupa da anni di una serie di progetti mirati allo sviluppo ed al sostegno del dialogo interculturale ed interreligioso, di cui la compagnia teatrale è una delle realtà più attive: attraverso l’arte, l’esperienza dell’amicizia, l’accoglienza delle differenti culture, l’attività e la partecipazione, i giovani sono educati alla coscienza ed al rispetto. Senza il bisogno di celarsi dietro una maschera. Le altre iniziative prevedono “La giornata del pane”, durante la quale 50 donne israeliane e 50 donne palestinesi si riuniscono insieme in un’attività quotidiana; conferenze e testimonianze sulla vita in Israele e in Palestina; attività educative e formative ai due lati della barriera di sicurezza; pubblicazioni di articoli e libri sugli aspetti positivi della convivenza.
Presidente e fondatore Yehuda Calo' Livne'; Presidente onorario la Deputata Prof. Yuli Tamir
Tra i fondatori della Fondazione, la Dottoressa Angelica Calò Livne è l’ideatrice del gruppo del teatrale, la regista e la curatrice di molte altre iniziative e di numerosi progetti. E’ stata premiata ad Assisi nel 2004 con il Premio della Pace ed è stata candidata al Premio Nobel per la pace nel 2005. Durante i drammatici eventi di guerra che quest’estate hanno martoriato la sua terra, la Dottoressa Calò è stata curatrice e redattrice sulle pagine di Repubblica, di una rubrica come corrispondente da Israele, in dialogo con la voce proveniente dal Libano della Professoressa ????.
“ Calare la maschera…
Per non temere di dire che voglio essere amato
Per poterscegliere i miei amici senza essere condizionato
Per poter dire di no senza timore
Per accogliere gli altri, diversi da me
Per dare tuttome stesso per un ideale

Per essere Sahelm- completo con me stesso e ottenere Shalom,
la pace con il mondo che mi circonda.”
( cit. da Giù le maschere, di Angelica Edna Calò Livne, Proedi Editore, 2005)

Per informazioni e contatti: www.baresheet.tipo.co.il
www.breadforpeace.org
www.masksoff.org

DI PRINICIPI AZZURRI SE NE VEDONO SEMPRE MENO

2008-02-02T18:11:00.001-05:00

25 LUGLIO 07- Si è conclusa mercoledì scorso con un piacevole fuori programma la rassegna estiva di teatro ragazzi Il Giardino Racconta, una serie di spettacoli gratuiti allestiti nel Parco Ducale, organizzata da Teatro delle Briciole, Comune di Parma, Fondazione Cariparma e Grandi Giardini Italiani. Dopo aver spaziato in tutti i generi scenici, dalla musica al teatro di figura, la chiusura è stata affidata a Carlo Ottolini. Nel suggestivo tempietto d’Arcadia del giardino l’attore ha portato in scena davanti ad un raccolto e giovanissimo pubblico il suo ultimo lavoro Tre di Principesse: una narrazione in tre momenti di fiabe italiane e straniere personalmente rielaborate ed interpretate; un allestimento essenziale, intimo e dunque impegnativo, spoglio di qualunque appiglio scenico ma forte della presenza estrosa ed energica del narratore. I racconti, uno friulano ed uno pisano tratti dalle “Fiabe Italiane” di Italo Calvino ed uno turco del celebre poeta Nazim Hikmet, sono stati i punti di partenza per sviluppare tre fantasiosi, divertenti e concitati intrecci, tutti legati alle vicende nuziali di nobili fanciulle ed indigenti (ma determinati) spasimanti. Lo sposalizio è stato il pretesto per permettere all’immaginazione di girovagare, trascinando con se impossibili personaggi e situazioni incredibili, soluzioni magiche a problemi amorosi molto terreni. Tra anatre che si attaccano alle persone e galline ipnotizzate, giovani donne dai capelli d’oro e dalle abilità culinarie soprannaturali, orchi violenti, monarchi tagliatori di teste e fate travestite da mendicanti, Ottolini ha rapito l’attenzione dei bambini presenti, divertendoli ed incantandoli. Un tempo scenico serrato, una drammaturgia precisa e curata, una divertente partitura fisica: le vicende raccontate hanno la forza ancestrale della tradizione orale e l’efficacia dello studio portato avanti dall’attore, che da anni si dedica al teatro di narrazione (continue le collaborazioni con Marco Baliani), avendo come referente preferenziale l’infanzia.

GENI DELLA CHIRURGIA ESTETICA

2008-02-02T18:10:00.000-05:00

I cattivi delle favole spesso subiscono maltrattamenti adeguati alle colpe ed alla malvagità delle loro azioni, in quantità sufficiente perché possano all’occasione tornare in scena e ripetere la storia. Ma chi si occupa di loro quando, pesti e malconci, si ritirano sconfitti? In un vero e proprio ospedale da campo allestito al Parco Ducale il Tof Théâtre, gruppo belga di teatro di figura che utilizza con ingegno e poesia pupazzi a grandezza naturale animati a vista e strumenti multimediali, ha portato il pubblico, preventivamente “sterilizzato” all’ingresso, ad assistere all’operazione chirurgica più strana della storia medicina: ‘Bisturi’. Uno spettacolo consigliato dai 7 anni in su, un incredibile viaggio dentro le viscere stesse del cattivo di turno, per recuperare quello che le sue grandi fauci hanno inghiottito. Un anziano chirurgo dai modi decisamente poco ortodossi fa accomodare la giovane platea davanti al suo tavolo operatorio dove comincia a sperimentare il modo migliore per penetrare l’enorme ventre del misterioso paziente. Armato di cavatappi, seghetto, martello “anestetico” e una scatola di caffè vuota, il medico inizia un’endoscopia sorprendente. La poesia, la comicità e l’ingegno di Alain Moreau, ideatore dello spettacolo, creano così un esilarante percorso in presa diretta nella pancia più larga e più famosa delle fiabe, quella del Lupo, in un crescendo di trovate sceniche surreali e divertenti. Tra oggetti e percorsi inaspettati, finalmente l’estrazione ha successo e Cappuccetto Rosso, la Nonna, i Tre porcellini, le loro casette ed i loro oggetti sono riportati alla luce e messi in salvo. La tecnica di costruzione dei pupazzi, caricaturali ma molto realistici, l’abilità di animazione degli stessi (bellissimi i momenti di confronto-scontro tra il pupazzo ed il suo animatore) e l’utilizzo funzionale ed originale del video sono fra i punti di forza del lavoro del Tof Théâtre. Un lavoro che non delude mai e che ha la forza di tenere 70 persone ad una temperatura di circa 40 gradi in una tenda, felici di essere lì.

LA COMMEDIA IPERBAROCCA DI CLAUDIO LONGHI

2008-02-02T18:09:00.001-05:00

28 MARZO 07 - Nuova tappa per il prolifico nucleo di attori permanenti del Teatro Stabile di Torino, Fondazione Teatro Due e Teatro di Roma, dal 31 marzo impegnato nell’allestimento de ‘La folle giornata o Il Matrimonio di Figaro’ di Beaumarchais, in scena fino al 2 aprile al Teatro Due. Le frivolezze e le vacuità amorose della celebre ed edulcorata versione mozartiana sono, nella commedia creata da Claudio Longhi sulla traduzione in prosa di Valerio Magrelli, elementi di dècor, strumentali alla forte satira politica e sociale che lo stesso Beaumarchais impresse al testo. Tema centrale di questa “commedia iperbarocca” è la pulsione umana, la libido, e lo scontro di quest’ultima con la ragione. Dopo un secolo di cristallino e saldo Illuminismo, l’uomo e la donna di fine ‘700 paiono correre verso il buio e “non a caso”, sottolinea il regista, “il finale della commedia è tutto ambientato di notte”. Ecco cosa accade, dice Longhi, “quando la ragione non è più un valore ma diventa un mezzo di sfruttamento”, usando il ragionamento per manipolare gli altri, essendone manipolati. “C’è nel testo inoltre un forte contrasto tra il perbenismo di facciata, l’apparenza di decoro e contegno, ed un retro marcio, lo sfacelo di un mondo che si sta sfasciando”. Siamo vicinissimi al 1789, al collasso del mondo aristocratico, dei diritti di nascita. Figaro è il borghese che si è fatto da sé, che ha lottato con il suo ingegno e con il suo spirito allegro per ottenere una posizione e lotta per tenersi ciò che il Conte Almaviva crede di potersi arrogare con diritto feudale: la sua sposa ed il suo onore. Uno scontro e un odio di classe che superano la dimensione storica e arrivano fino all’oggi. “Una commedia sul comportamento umano” che ne svela, spiandolo, mascherandolo, travestendolo, le contraddizioni, tra natura e cultura. “Un testo particolarmente funzionale ad una giovane compagnia, una palestra impegnativa per i rapidi cambi di battuta, le forti cesure del testo, i numerosi concertati che impongono un ritmo serrato alla recitazione”. Abbandonato, anzi abolito lo psicologismo teatrale, Longhi segue la lezione ronconiana e porta i toni all’esasperazione, con un vago effetto marionettistico, perché sia costante e martellante il senso paradossale delle azioni libidinose, su cui la ragione perde la presa. Un gioco di citazioni e straniamento, in cui le musiche mozartiane hanno arrangiamenti elettronici ed i brani pop sonorità barocche; in cui i costumi di Csaba Antal e Gianluca Falaschi alludono a quella moda contemporanea che a sua volta fa il verso al‘700 (prima fra tutti la Westwood). Un carillon scenico che lancia al pubblico lo sguardo inquietante di certe bambole meccaniche di una volta.

DA LEI SI C'E' MOLTO DA IMPARARE

2008-02-02T18:06:00.001-05:00

3 MAGGIO 07 - L’ombra di un rosone si proietta sulla scena vuota, abitata solo da una figura esile, dimessa, in un grigio abito monacale. E’ Dolores Prato, protagonista ed autrice di Scottature, breve racconto autobiografico del 1965, che dalla solitudine del convento in cui la sua condizione di orfana l’ha relegata inizia a raccontare. Non ho imparato nulla, visto giovedì al Teatro Due, è la sua storia: un limpido ed intenso monologo teatrale che Maria Paiato ha mirabilmente interpretato e di cui ha diretto l’essenziale regia. Una pièce bruciante, ardente, che ha parole che si imprimono come cicatrici, ma che a volte sono un inaspettato solletico, altre una carezza. L’esistenza di Dolores è segnata dal rifiuto familiare (anche il vecchio zio prete a cui era affidata se n’è andato, nell’emisfero giusto, lui), dallo sradicamento ed ancor di più dal debito, pecuniario e morale, verso Dio e le monache, dal sacrificio e dall’abnegazione alla Croce, che prima le religiose e poi le compagne di università cercano di inculcarle. Sfugge a tutto Dolores, ai ricatti morali ed al beghinaggio, entra nel Mondo e cerca la sua libertà, la sua dimensione. I misteri terreni portano con sé scottature a cui Dolores pare essere più esposta, ma a cui risponde con uno spirito eccezionale. Un uccello da richiamo, una farfalla, leggera e buffa nella sua ingenuità, che si nutre con entusiasmo di cose semplici, del mare e dei propri sogni. La felicità nuda, la vitalità prorompente ed ironica, la melanconia e la rabbia della giovane protagonista trovano nella Paiato un’unica seducente presenza, che trascina il pubblico, lo fa sorridere ed emozionare. Appaiono nei suoi gesti, precisi e vigorosi, ambienti e personaggi che Dolores incontra, tra la bellezza della terra e quella del cielo; tutti rapidamente tratteggiati dalla Paiato, istrionica ma mai banale. Dolores non si tira indietro davanti a nessuno di loro, li affronta con la forza ed il coraggio di chi sa cosa vuole e chi è. Fino ad urlare che lei da tutti quei santi non ha imparato nulla. Fino a trovare un amore sfacciato e felice, che poi la getta, sgualcita come una rosa rossa. Un’ora sola ti vorrei…la Paiato danza sugli applausi del pubblico entusiasta.

NAPOLI FEMMINILE PLURALE

2008-02-02T18:04:00.000-05:00

12 DICEMBRE 07 - ‘Amara’ si, ma anche innamorata, appassionata, gioiosa. Così la ‘femmena’ si affaccia impertinente e malinconica dal balcone di molte canzoni della tradizione napoletana. E così Mariangela D’Abbraccio, una delle interpreti femminili più intense della scena italiana, è salita sul palco del Teatro Moruzzi di Noceto lo scorso martedì, accompagnata da venti velocissime corde grossetane, percussioni e fisarmonica. Con la sua voce calda, roca e possente, la D’Abbraccio ha condotto il pubblico entusiasta in un viaggio musicale e poetico nel suo sud. Tra le grida, le risate e le lacrime di tutte le donne di Napoli, tra le danze, le mani e le braccia che si agitano al ritmo di note popolari ed antiche, il pubblico ha assistito ad anche intensi momenti di recitato, addentrandosi negli angiporti e nei vicoli rionali o intrufolandosi nella squallida camera da letto di una madre prostituta. Interpretando con trasporto e grande energia i brani più celebri della tradizione, da Marechiaro a Maruzzella, da Malafemmena a Era de maggio e molti altri, la D’Abbraccio ha saputo realizzare un originale tributo alla sua terra ed alle donne che la animano. Un timbro ruvido, un’intonazione alta, una conturbante presenza e scelte artistiche che rispettano la tradizione pur rinnovandola, avvicinano la D’Abbraccio alle grandi interpreti della canzone popolare, da Lina Sastri e Gabriella Ferri. Volano le dita dei musicisti sui loro strumenti, volano le mani dell’attrice-cantante intorno al suo corpo, scivolano le parole e le note d’amore tradito, d’amore appassionato, d’amore materno o per la propria terra. Con sonorità che abbracciano tutto il mediterraneo e lambiscono coste andaluse, nord africane, slave. “Tutti sono protagonisti, nessuno è spettatore” dice parlando della gente partenopea e trascinando con sé il pubblico in una tarantella o in una melodia suadente. Ed in effetti, assistendo ad uno spettacolo così partecipato dai suoi magnetici interpreti, non si può fare a meno di sentirsi mediterranei, parte di una tradizione antica che scorre, pur se fuori la nebbia ha inghiottito Noceto ed i più estivi sogni di mare.

BUONA ORCHESTRAZIONE

2008-02-02T18:03:00.000-05:00

28 NOVEMBRE 07 - “Nella vita non si finisce mai di sperare, né di essere una madre ed una figlia”. Charlotte ed Eva da sempre sperano vanamente l’una nell’altra, legate da “quella sconcertante combinazione di sentimenti” che è il rapporto madre e figlia. La prima nel suo modo borghese, educato, sfuggente ed anaffettivo, la seconda nella sua schizofrenica lotta interiore tra ammirazione e repulsione. Le protagoniste di Sinfonia d’autunno, dramma che Ingmar Bergman (scomparso a luglio) portò sul grande schermo nel 1978, sono interpretate in questa versione teatrale, con cui il Teatro Magnani a Fidenza martedì ha inaugurato la propria stagione, da Rossella Falk e Maddalena Crippa: entrambe mirabilmente a loro agio nei personaggi che furono di Liv Ullman ed Ingrid Bergman, come se gli sgargianti abiti di Charlotte e i dimessi vestiti di Eva fossero stati cuciti loro addosso. In una scena candida e minimale, nordica nei colori e nei materiali, funzionale a dare assoluto risalto al recitato, le due donne s’incontrano veramente per la prima volta dopo una vita di separazioni, incomprensioni, incomunicabilità, e per la prima volta, accompagnate dalle note del secondo preludio di Chopin, si svelano l’una all’altra nelle loro infelicità. Un dramma psicologico e borghese di 36 ore (tanto resiste Charlotte nell’abitazione di Eva, la canonica del marito vicario), che dipana inesorabilmente i bandoli degli universi consci ed inconsci delle protagoniste. Non c’è azione: tutto è bloccato, come l’emotività interiore di Charlotte, incapace di dare sfogo ai suoi sentimenti; tutto fluisce, con dolore composto, come le parole ed i toni di Eva. Spesso scappa un sorriso, una risata cinica per le assurdità divistiche di Charlotte, per la sua mancanza di senso della realtà che ne fa una donna debole eppure salva. Eva non ha questa fortuna. La sua introspezione e lucidità la rendono dolente e caparbia, fino a scrivere l’ennesima, tenera, lettera alla madre. Chiudendo così, come lo si era aperto, lo spiraglio di cambiamento nelle loro vite segnate. Lo spettacolo sarà di nuovo in scena in provincia stasera al Teatro Moruzzi di Noceto alle ore 21.

IN UN ATTO ESTREMO DI STERITLITA'

2008-02-02T18:01:00.000-05:00

19 GENNAIO 08 - Medea è donna straniera, tradita, abbandonata dal marito, Giasone, per il quale lasciò la famiglia, oltraggiata, sola coi due figli, esiliata dalla patria natia e scacciata dal luogo in cui si trova. Non ha dimora, non ha spazio in cui vivere la sventurata Medea ed è forse per questo che la tragedia euripidea riletta scenicamente da Fabio Sonzogni, andata in scena al Teatro Magnani di Fidenza lo scorso venerdì, si svolge in un non-luogo, nel vuoto asettico di un ospedale psichiatrico, popolato da infermieri in bianco (il coro) coi loro carrelli di medicinali e uomini in nero, i protagonisti maschili della tragedia, oggetto d’odio e di malefici. Al centro un braciere pieno d’acqua, cerchio sacro dove la maga Medea, colei che sa, genera sortilegi e veleni per uccidere la rivale e suo padre, il re. Ha perso il senno Medea e si muove freneticamente nel suo abito-mantello rosso, con le gambe e le braccia nude, seguita a vista dal coro-infermiere pronte ad intervenire ma incapaci di sanare la sua follia violenta. Fino all’ultimo insensato gesto. Un vetro rotto lacera i visceri e l’utero di Medea e l’infanticidio del mito si risolve in un atto estremo di sterilità. Si priva della sua maternità, del suo essere madre la Medea di Sonzogno; i figli non compaiono mai in scena, evocati e poi trucidati lasciano di sé solo due fiammelle. Parole e gesti di una violenza che la stessa poesia tragica fatica a sublimare, che tagliano come i cocci di vetro nelle mani dell’assassina. L’interpretazione degli attori però stenta a trasmettere la furia e la passione delle relazioni ed i dialoghi tra i due ex amanti non hanno la forza scenica delle parole pronunciate; Medea confessa a Giasone di aver ucciso i figli per ferire lui ed invece di avere un suono atroce la scena ha l’intensità di un litigio tra coniugi in via di separazione e spartizione dei beni. Non convince la disperazione di Giasone e non si crede alla follia di Medea, toccante ma non sconcertante come ci si aspetterebbe. Il coro invece trova un originale ed efficace ruolo nella vicenda, risultando intenso e cruciale nel meccanismo emotivo. Un allestimento che nasce da una riflessione forte e da un testo archetipo, con alcune trovate poetiche e sceniche ad alto potenziale ma a scarso risultato.

80 MA NON LI DIMOSTRANO

2008-02-02T17:59:00.001-05:00

27 GENNAIO 08 - Che angoscia deve essere stata fare il padre prima del ’68, del femminismo, prima della modernizzazione della famiglia e dei generi. Che pene devono aver sofferto questi uomini, specie se con tre figlie femmine, specie se vedovi. Nell’ironica commedia Quaranta… ma non li dimostra, andata in scena lo scorso week end al Teatro Pezzani, nitidamente allestita dalla compagnia di Luigi De Filippo, Don Pasquale, interpretato con esperienza dallo stesso De Filippo che ha firmato anche la regia, è uno di quei padri borghesi del sud d’Italia che nel secondo dopoguerra si trovavano nella drammatica condizione di accasare e maritare le figlie, sborsare delle doti ma soprattutto procacciarsi i fidanzati. Dovendo risolvere la vita affettiva di una quasi quarantenne, un po’ “chiattona”, molto impacciata e votata alle “gioie” del focolare, il compito di Don Pasquale si fa così arduo e rischioso che l’uomo finisce per ingarbugliare la vicenda, cambiando il destino di due giovani vite. Ma solo per una ventina di giorni, fino a quando la verità dell’equivoco ricompone i ruoli ed a tavola torna a regnare l’ordine costituito. I personaggi, macchiettistici certo ma ben interpretati, sono quelli tipici della tradizionale commedia napoletana, il gergo è quello ed anche il piglio. Molto divertente ad esempio il gagà di nome Bebè (Giorgio Pinto), un damerino con il birignao, inabile al lavoro epperò costretto a certi incomodi casalinghi per amore della fidanza, che duetta con Don Pasquale nei momenti più comici della piéce. De Filippo ha creato una commedia graziosa, delicata e serena quanto lo sono certi soprammobili su certi merletti che qualcuno ancora tiene sul comò; con un’interpretazione ed una drammaturgia in cui i tempi comici funzionano perfettamente, come le pendole di fine ottocento alle pareti, in cui le risate nascono brillanti, come il servizio di cristallo di mammà; dove la morale e la tradizione, se pure un po’ retrive, si affacciano con entusiasmo e sfacciataggine, come le ragazze dal balcone sul rione. De Filippo e questa commedia hanno quasi la stessa età: entrambi sono nati negli anni ’30 ed entrambi conservano una lucidità ed un’efficacia che il tempo non appanna. Quasi ottanta e non li dimostrano.

PER VOLARE CI VUOLE MOLTA PIU' FANTASIA

2008-02-02T17:57:00.001-05:00

26 GENNAIO 08 - Più vedo spettacoli in provincia e più mi rendo conto, compiacendomene, di quanto il valore aggregante, comunitario del teatro sia ancora forte, specialmente in alcuni contesti. Venerdì sera il piccolo teatro di Ragazzola era gremito di un pubblico molto eterogeneo, senza o quasi addetti ai lavori, desideroso di passare una serata divertente e poetica; serata che ha colto uno dei sensi importanti della scena teatrale: far ridere e commuovere insieme. Icaro ed il suo coinvolgente interprete, Daniele Finzi Pasca, hanno soddisfatto tutti, grandi, piccoli e medi, riscuotendo per l’ennesima volta il successo che da quasi vent’anni sono abituati ad avere in tutto il mondo (prossima tappa Brasile). Ma questa volta il pubblico non si è limitato all’emozione in platea: uno di loro, Riccardo, prima un po’ spaventato poi comicamente collaborativo, è stato la spalla attoriale di tutta la piéce, interpretando o meglio, diventando il nuovo compagno di stanza di un malato immaginario, un po’ clown e un po’ folle. Insieme organizzano una fuga, un volo, e sperimentano tecniche balzane che celebrano il potere dell’amicizia e dell’immaginazione. In una scena ospedaliera e retrò, bianca e poetica, con l’immancabile valigia dell’attore, letti che suonano Astro del ciel, zanzariere che si annodano ovunque e un armadio a cinque dimensioni, Finzi Pasca racconta, in modo colloquiale, talvolta un po’ sciatto, di come è stato ricoverato al secondo piano, sedato e poi, dopo tre anni, portato al terzo; di come il suo amico Augusto, che lo ha da poco lasciato, gli abbia trasmesso la voglia di volare e di sperare. Pur con una drammaturgia stiracchiata, con qualche passaggio incoerente e poco funzionale, con alcune gag clownesche un po’ prive di ritmo ed originalità, Finzi Pasca è riuscito a coinvolgere la platea, parlandole in modo intimo e confidenziale. Non interpretando ma essendo il recluso che sogna di rapire la suora, scappare nel cielo e trovarsi alla pizzeria di Luigi alle 7.30 con il suo compagno. Lui, che un periodo di carcerazione per obiezione di coscienza lo ha dovuto sopportare e che come tutti i clown sa esorcizzare le paure e portare il dolore alla catarsi di una risata.

DI QUANDO UN GENNAIO NEBBIOSO HO INCONTRATO IL TEATRO, DI NUOVO -

2008-02-02T11:57:00.000-05:00

20 gennaio 2008 - Jean Marie Pradier definisce l’attore “un uomo transizionale”, mutuando il concetto dagli studi di psicologia infantile di Winnicott, che individuò nel comportamento dei bambini il comune bisogno di “un oggetto transizionale” per comprendere, elaborare e modificare la realtà circostante. L’oggetto transizionale, una bambola, una coperta, un animaletto di peluche, ha diverse funzioni più o meno consce ma soprattutto permette al bambino di proiettare sé stesso su un’entità altra, di prendere le distanze dal suo Io, guardarsi agire sul mondo, disinnescando molto del potenziale negativo d’alcune situazioni altrimenti troppo difficili da gestire, sollecitazioni troppo intense da sopportare. L’attore è dunque una sorta di oggetto transizionale animato e vivente; attraverso di lui lo spettatore può vivere e rivivere eventi e sentimenti, fare esperienza di stati d’animo ed emozioni in modo vivido ed intenso, rendendoli innocui e sicuri grazie alla cornice teatrale, al patto scenico, alle salvifiche convenzioni che la quarta parete porta con sè. Per questo a teatro è possibile assistere ad infanticidi tragici di madri folli, ad incesti inaccettabili, a morti insensate di bambine mandate a mendicare la notte di capodanno, assiderate dal gelo dell’aria e dell’indifferenza degli adulti. La piccola fiammiferaia realizzata da Cà luogo d’arte, con la regia di Maurizio Bercini ed il testo di Marina Allegri, è uno degli spettacoli che nella mia esperienza più di tutti riesce a portare ad estreme conseguenze poetiche, comiche, drammatiche e pedagogiche questo splendido meccanismo, abbattendo il tabù della morte in scena davanti ad una platea di bambini, disinnescando l’atrocità della fiaba di Andersen con l’abilità tecnica di scenografi e pittori, con l’intensità attorica di Alberto Branca, Daniela D’Argenio, Massimiliano Grazioli e Claire Chevalier, con trovate meta-teatrali, musiche suggestive ed una bambola di pezza dai capelli rossi. In questo spettacolo, in cui il tema richiede una precisione da artificieri per evitare che la bomba emotiva esploda, all’uomo transizionale è dato un aiuto in più: un oggetto, transizionale anch’esso, per passare ad un secondo e più sicuro livello di distanziazione. La protagonista della vicenda, la piccola Claire, si sovrappone alla protagonista della fiaba, la piccola fiammiferaia (che non ha nome, è una dei milioni di bambini sofferenti del mondo) nei capelli, negli abiti, nella biografia, nello spirito, lasciando però che sia la bambola ad affrontare i momenti più tragici della vicenda. L’effetto è intenso e commovente, mai straniante. Tutto lo spettacolo è una riflessione sulla possibilità di portare in scena la morte, con la sincerità e la sfrontatezza di chi non tratta i bambini con condiscendenza né con indifferenza, ma grazie all’enorme esperienza maturata nel teatro ragazzi ed al genio artistico sa parlare loro guardandoli in faccia ed usando le parole giuste. La piccola fiammiferaia diviene in qualche modo una summa ed un compendio di ciò che è o dovrebbe essere il teatro per le persone, del suo valore sociale ed intimo nelle nostre vite di spettatori: un momento unico ed irriproducibile, l’occasione di fare esperienza, in modo sublimato e protetto, delle forze positive e negative che regolano le nostre esistenze. Una palestra emotiva, dove imparare a ridere e a piangere senza remore, “prendendo il toro per le corna”. Sono molti gli elementi ed i fattori che rendono questo spettacolo più efficace di altri nel generare tutto questo. La scenografia e tutto l’allestimento costruiscono una dimensione altra, parallela: varcata la soglia di velluto della scatola scenica, del teatro del teatro, tutto ciò che non è tale rimane fuori e la realtà prende le dimensioni delle panchette e dei piedini dei piccoli o ex-piccoli spettatori. I costumi poi, antichi come lo sono certi scialli, certe cuffiette, e sorprendenti come possono esserlo certe stufe canticchianti o certe oche danzanti, certi alberi di natale elettronici e generosi, certe paiettes scintillanti. Trovate registiche e testuali che non meritano di essere aridamente elencate, ma di cui si può rendere conto dicendo del generale appagante effetto di comicità, poesia, ironia. Le interpretazioni degli attori fanno il resto, cioè molto. Claire, la protagonista francese, parla al pubblico ed ai suoi superiori con un accento straniero che la rende esotica e lontana, nel tempo e nello spazio, sperduta ed eterea, infreddolita e gracile per davvero, con una voce e dei modi unici, mai visti né sentiti fuori da lì. Gli adulti della storia sono frettolosi, indifferenti, perplessi ed Alberto, Daniela e Massimiliano si muovono da un lato all’altro della scena, dietro e davanti la costruzione, entrano ed escono da camicie o gommapiuma velocemente così come ironicamente e con grande versatilità diventano all’occasione frivoli, serissimi, dolci e romantici, freddi ed arrabbiati. Con un piglio ed un’energia che riempiono il piccolo proscenio, trabordano sulle strade innevate di una stradina notturna, ti seguono all’uscita ed oltre. Finisce nei migliori dei modi La piccola fiammiferaia di Cà luogo d’arte: nulla è accaduto per gli adulti, per quelli cioè che non si lasciano trascinare dal gioco scenico e che non sopportano che si parli di morte, specie quella di bambini poveri ed abbandonati. Non è accaduto nulla, almeno che non si sia stati capaci di guardare lo spettacolo con gli occhi curiosi e liberi di chi vuole abbracciare la propria bambola di pezza e parlarle per dirle ciò che a sé stessi si fa fatica a confessare. Almeno che non si sia stati in grado di abbandonare la fretta, lo scetticismo e l’indifferenza, per immergersi in una storia che molti ritengono irraccontabile, deprimente e senza alcun insegnamento. C’è la nonna laggiù che ci aspetta, e se lo dicono loro io ci credo, la saluto e riesco a sorridere di nuovo.

PINOCCHIO - INTERVISTA A LETIZIA QUINTAVALLA SUL RIALLESTIMENTO DELLO SPETTACOLO DEL 1992 PRODOTTO CON ERT

2008-02-02T11:43:00.000-05:00

Se per alcuni superare i 30 è un momento difficile, da far passare sotto omertoso silenzio, per realtà come il Teatro delle Briciole Solares Fondazione delle Arti con Emilia Romagna Teatro Fondazione è motivo di orgoglio e soddisfazione, da celebrare. E cosa regalarsi e regalare al pubblico se non uno spettacolo che colga al meglio la vocazione e lo spirito scenico con cui sono nati? Pinocchio, spettacolo del 1992 che torna in scena in questi giorni, è la festa di compleanno più significativa che il TdB potesse allestire. Abbiamo incontrato Letizia Quintavalla per conoscere i suoi pensieri e quelli della compagnia intorno a questa storica produzione. Qual è l’idea centrale su cui è costruito lo spettacolo? “Il nostro Pinocchio ha un assemblaggio drammaturgico e formale misto, è una commistione scenica di diverse nature e dimensioni, di attori, personaggi, animatori, burattini e materiali. Il protagonista burattino è animato da figure nere, conigli del clan della Fata Turchina, che rendono possibile la sua storia ed introducono nello spettacolo il tema del doppio: gli animatori sono il doppio di Pinocchio, lui è il doppio della materia. Questa è spinta a recitare e gli attori sono costretti a farsi matrici”. Perché questa produzione è così preziosa per il TdB? “Questo spettacolo è nato come dedica alla nostra vocazione scenica: la fusione della materia e dell’attore, il suo doppio. Il patrimonio genetico del TdB è proprio il lavoro con i materiali con gli attori. Così, questo omaggio alla compagnia oggi è stato ripreso, segnando il traguardo dei trent’anni per entrambi gli organismi produttivi che vi hanno preso parte. Rivedendolo e tornandoci a lavorare la sorpresa è stata constatare che il senso e l’impatto visivo sono rimasti intatti”. Quali sono le novità nell’allestimento? “Questo Pinocchio non è nato come rivisitazione, come rilettura drammaturgica dell’originale; anzi il testo (curato da Bruno Stori) è stato rispettato, mantenendolo praticamente integro e recuperandone l’originalità. Nella ripresa di oggi le scene sono intatte, sono cambiati alcuni attori (i giovani Cristiano Fabbri e Giada Melley), altri sono ancora gli stessi (i navigati Anna Amadori, Claudio Guain, Morello Rinaldi). I giovani hanno dovuto confrontarsi con un metodo di lavoro basato sull’ascolto, sulla precisione dei tempi, sulla ritualità gestuale; hanno dovuto trovare dentro di sè molta pazienza, un esercizio importante per scoprire un nuovo modo di essere attori, dinamici e svegli come la materia richiede, come fa lo stesso Pinocchio”. Cosa credi sia cambiato invece nel pubblico che assisterà allo spettacolo? “Oggi un bambino a sei anni arriva a teatro che ha già visto di tutto, è già pieno di cose, anche se magari non ha gli strumenti per digerirle. E’ chiaro che lo spettacolo da questo punto di vista è per loro meno nuovo, meno magico. Ma l’artigianato che portiamo in scena, la cura ed il tempo dedicati alla drammaturgia ed alla scenografia sono ancora molto efficaci sulla fantasia e sulla sensibilità dei ragazzi. I bambini ‘spugna’ di oggi queste cose ancora le sentono, pur essendo un po’ disincantati ed influenzati dal Geppetto orologiaio e tirolese di Walt Disney. È per questo che ritengo importante riportarli all’origine testuale del Pinocchio di Collodi, al suo linguaggio toscano”. La scenografia è molto importante nell’allestimento, come viene ricreata la dimensione scenica di cui ci hai parlato? “In scena abbiamo ricostruito una casa-teatrino, contornata da un bosco concettuale, una rotaia di ciocchi di legna da ardere, la materia di cui è fatto Pinocchio. Il bosco tipico della favola ha un’identità che coincide con quella del suo protagonista. La casa di Geppetto al centro, che Collodi descrive povera, con un camino dipinto ed una seggioletta, è un teatrino, un contenitore che si trasforma continuamente, agibile da tutte le parti, pieno di botole e pertugi”. Cosa rappresenta Pinocchio per i suoi spettatori? “Pinocchio ci mostra come sia necessaria la trasformazione ma soprattutto come siano necessarie le difficoltà, il loro superamento ed il viaggio verso la trasformazione. Il burattino diventa persona, il bambino diventa adulto quando, passate le avversità più dure, diviene forte e maturo abbastanza per prendersi cura di un'altra persona, del suo babbino. Questo spettacolo mette in scena un rito di iniziazione di cui la fata ed i conigli sono gli officianti; guardano Pinocchio superare gli ostacoli senza intervenire, con la fiducia e la sicurezza di chi sa che sono necessari e superabili”. Lo spettacolo andrà in scena al Teatro al Parco domenica 3 febbraio alle ore 16.30 e dal 4 al 7 febbraio alle ore 10.